Dejar aquí los comentarios para el grupo de trabajo 2007-2008
50 comentarios:
Anónimo
dijo...
Definición de belleza.(Diccionario Real Academia)
(De bello).
1. f. Propiedad de las cosas que hace amarlas, infundiendo en nosotros deleite espiritual. Esta propiedad existe en la naturaleza y en las obras literarias y artísticas.
2. f. Mujer notable por su hermosura.
~ artística.
1. f. La que se produce de modo cabal y conforme a los principios estéticos, por imitación de la naturaleza o por intuición del espíritu.
~ ideal.
1. f. Principalmente entre los estéticos platónicos, prototipo, modelo o ejemplar de belleza, que sirve de norma al artista en sus creaciones.
Una reflexión sobre la belleza. No es mia, la firma Ramon Almela (crítico de artes visuales). Para entrar en debate no esta mal.
La belleza, buscando una salida:
Pregunta a una persona común qué es la belleza y responderá como aquello que proporciona un placer visual. Pregunta a un artista creador y… bueno, las respuestas se expanden y se vuelven ambiguas. ¿Es la belleza una categoría estable, concepto universal, o es variable según las tendencias dominantes de cada época?
Los niños manifiestan la característica de la encarnación temporal de la belleza sobre un objeto. La persona común revela con su respuesta la creencia en un concepto absoluto de belleza relacionada a través de los sentidos con lo armonioso y proporcionado, y que corresponde al orden de lo erótico. La belleza es placer considerada en relación a un objeto. Estos conceptos provienen de la civilización griega donde lo bello fue un atributo de Eros, divinidad portadora de vida. Freud resaltaría el vínculo entre el deseo, la belleza y la muerte como atributos del objeto sexual. La estética se ha esforzado en analizar el tema de la belleza alternado entre el objetivismo y el subjetivismo. Mientras unos centran la belleza en las cualidades del objeto, los otros lo hacen en la reacción del sujeto. Baudelaire dijo “cada edad y cada gente tiene su propia forma de belleza” La solución intermedia de Kant ha sido de gran influencia en la cultura occidental: el relacionismo, que enfatiza la relación del objeto con el sujeto. Kant aborda la belleza diferenciándola de lo agradable y lo bueno. La belleza, desde el juicio del gusto, se considera desinteresada, universal, y como una finalidad en sí misma – lo cual estimularía la idea del formalismo.
Por más de cuatro siglos, la idea de “lo hermoso” ha sido la base de nuestra cultura. Las imágenes eran el camino entre el creador y el espectador que pasaba a través de la Iglesia y el Estado, desde donde se imponían los modelos. En la modernidad la relación de la belleza con las formas sensibles se desvanece. Hacia finales del siglo XX se extiende un descrédito del uso de la belleza en las producciones artísticas así como un rechazo a seguir utilizando ese concepto en el campo de la estética y como medida del arte. La “muerte de la belleza” en los tiempos modernos es el resultado de la crisis histórica de un principio estético uniforme, lo que llevó a la fragmentación cultural con la apertura y diversidad de las representaciones humanas. El complemento de la belleza, la fealdad, supuso la amenaza al poder y a las instituciones al convertir al arte en un instrumento político. Nietzsche postulando lo destructivo de lo dionisíaco en el arte dijo “La fealdad es la manera de considerar las cosas con la voluntad de dar un sentido, un nuevo sentido en lo que había perdido el sentido”. La idea de lo feo ya es destacada desde 1795 por Friedrich Schelegel como ingrediente típico del arte moderno. La fealdad, lo amorfo y lo grotesco han llegado a ser fascinantes. El filosofo polaco Vladislav Tatarkiewicz afirma que “La fealdad es estética, y es a veces tan fuerte como la reacción a la belleza”. En la actualidad parece ocurrir un deslizamiento de significación en la acepción de la palabra feo hacia algo aceptable, como afirma Remo Bodei en el libro La forma de lo Bello “La erosión de los ideales clásicos de belleza conduce a una subversión absoluta de los papeles: Lo feo se convierte en lo auténticamente bello”
Pero está sucediendo una repentina reaparición de la belleza en el arte. La belleza empieza a importar a críticos y artistas desde finales del siglo XX. “El tema de los Noventa será la belleza” decía en 1995 el curador de la Bienal del Museo Whitney en Nueva York. En 1996 un afamado crítico del Village Voice sostenía “La belleza regresa: Una estética pisoteada florece otra vez”. Y en 1998, una antología de escritos de críticos y artistas “Uncontrollable Beauty: Toward a New Aesthectics” hacen que un término abandonado se refuerce con un nuevo prestigio. En el 2000 se comentaba la reaparición de la belleza en el arte británico como un objetivo conscientemente buscado. Había quien se declaró a sí mismo “Terrorista de belleza”.
Pero, ¿Qué es lo que está ocurriendo? ¿Cómo importa la belleza ahora? Cuando ya se había definido la belleza como algo plural, relativo y variable, dejándola de lado como tema importante, es recuperada por la filosofía del arte por un lado y por los artistas por otro. Incluso parece regresar tildada de rasgos tradicionales. Elain Scarry en su libro “On beauty” (1999) procede a una revisión de las atribuciones erradas de la belleza y la incoherencia de los argumentos políticos contra la belleza propugnando la revitalización de conceptos de universalismo kantiano e ideas platónicas de la belleza, afirmando que ésta impulsa el deseo por la verdad y la bondad. Un artículo en el New York Times en marzo ofrece también el paralelo de verdad y belleza: “La más seductora ecuación en ciencia: Belleza igual a Verdad” Por otro lado, la idea de la belleza en la actualidad, está enraizada en un aspecto tratado por Kant que se mantiene válido: La belleza es una propiedad contextual profundamente conectada con creencias y actitudes morales del sujeto. Otra cuestión abordada por Kant ilumina la situación actual de la belleza. Él procedió a separar los conceptos entremezclados de la belleza y lo sublime.
Aunque ambos detonan un placer, lo estimulan diferentemente, identificándolos como placer positivo y placer negativo. La belleza es lo femenino, el día, y lo sublime es lo masculino, la noche. La belleza impulsa la vida, lo sublime satisface la imaginación. Lo sublime es el extremo de lo bello, su muerte. La práctica postmoderna desterró la belleza, enfatizando en el arte la tecnología, el capitalismo y lo sublime como elementos interrelacionados. Y hoy se asiste a una recuperación de la belleza. Esta oscilación entre la belleza y lo sublime revela una recurrencia cíclica en la tradición occidental manifiestada paralelamente con la alternancia de las tradiciones Judeo-Cristiana que postula los valores universales y la certeza (La belleza) y la Greco-Romana (Lo Sublime) con su tendencia escéptica y de duda.
Esta situación de contradicción interna debe resolverse buscando una salida en forma de síntesis en otro plano que abrirá el camino a un movimiento hacia un nuevo futuro. Se detecta ya en núcleos intelectuales que paradigmas como el post-modernismo están en entredicho pues no puede sostenerse por mucho tiempo la tendencia a dilatar el presente y cancelar el futuro. El arte aparece así llamado a ser la punta de un iceberg caótico e incomprensible en el que la ansiedad de la humanidad se mueve. Y al igual que en otras épocas de cambio la perspectiva de lo utópico es reivindicada como nueva rebeldía.
El romanticismo, como categoría historiográfica convertida en descripción psicológica, está impregnando la dimensión de las artes y la tecnología (tecnoromanticismo). La ironía romántica aflora haciendo a un lado lo individual, lo fantástico, lo sentimental, el amor, y la belleza. ¿Podrá ser la belleza todavía un instrumento que apele al cambio en esta civilización? Quizás no. Pero estamos más en el comienzo de algo, al igual que los post-impresionistas hace un siglo. La práctica artística en la acción creadora y comunicativa de la Internet, como sostiene José Luis Brea, “tenderá a desarrollar dispositivos de interacción social capaces de inducir entre los ciudadanos modos de comunicación directa, no mediada por el interés de las industrias o los aparatos del Estado”. Si, como decía antes, en tiempos premodernos la “muerte de la Belleza” fue la liberación de la representación controlada por la Iglesia y el Estado, hoy la categorización de la belleza, de nuevo reivindicada por el arte y la estética, buscará una salida a través del ámbito de las nuevas tecnologías cibernéticas y comunicativas en la “era postmedia” en un renovado espacio de representación.
Caracteríticas de hacer arte: intencionalidad artística y construir (tanto material como mental).
El arte, como concepto, es una etiqueta personal, además de estar rodeado de toda la historia del arte y de toda la teoría.
El arte no tiene funcionalidad.
El arte es un disfraz.
El arte es ornamento en sí mismo. Ya sea de tipo estético o teórico. Por lo tanto no cabe arte fuera del ornamento.
¿Ventrella hace arte? www.ventrella.com Depende de su intención, si él que lo ha realizado lo etiqueta así entonces supongo que será, pero no es arte la inteligencia artificial. La inteligencia artificial es un instrumento, un soporte que se relaciona con lo propio del arte.
¿Qué es lo propio del arte? Lo artístico, los conceptos, las ideas, lo teórico, la historia del arte.
Esto tenía ganas de ponerlo, porque escrito queda mucho mejor y así se relee y se analiza mejor si se quiere.
Moby Dick (1956, John Huston) http://www.imdb.com/title/tt0049513/ Un saludo señores!
FRASES. IDEAS. LA BELLEZA ES INCONEXA. NO OBEDECE. APARECE. SE RECONOCE O NO.
Me presento ante la pregunta y todas las respuestas empiezan por naturaleza, hombre, tiempo, conocimiento… Me plantean preguntas y aunque sé de qué me preguntan no sé responder.
Bergson cuando explica su concepto de tiempo, explica cómo existen preguntas que hasta que a uno no se hacen, no sabe que responder no puede. Se denomina saber implícito y saber explícito. Implícito es que sé lo que es aunque no sepa explicarlo, mientras que el explícito es que además de saberlo puedo explicarlo.
Sé que es belleza, la reconocería, pero conforme busco explicaciones y definiciones me pierdo en peros y porqués.
A grandes rasgos escucho a Kant. Habla de belleza. Habla de estética, habla de sensibilidad. La sensibilidad está totalmente relacionada en cuanto a la verdad objetiva de le percepción. Debemos percibir, recibir la naturaleza e interpretarla.
BELLEZA Y SENSIBILIDAD
Con Descartes, el sujeto se abre al discurso de una verdad fundamentada mediante el pensamiento que, luego de descubrirse a sí mismo, actúa como sustancia que ordena y explica el mundo natural y el universo abrazado por la mirada de la ciencia moderna. Con Descartes, comienza un realismo trascendental. Una fundamentación de la existencia y la realidad del mundo exterior. Del mundo que trasciende al sujeto y que halla todavía en Dios al garante de que la idea de que existen cosas, cuerpos y colores en el espacio, es efectivamente verdadera.
BELLEZA Y EL MUNDO NATURAL
Nietzsche hablara del dualismo arte naturaleza. Pone como ejemplo los dioses Apolo y Dionisos. Apolo como la representación de el mundo de los sueños, las fantasías. Los sueños y las fantasías como modo de olvidarnos del mundo y no enfrentarnos a sus realidades. Dionisos Escapar de la realidad. Son estimulantes que provocan un éxtasis. Se busca olvidar el yo, y buscar una comunión más mística con la naturaleza.
El hombre se adscribe a los dos impulsos, los cuales le reconcilian con la muerte y que se dejan empañar por la belleza de la vida.
LA BELLEZA Y LA MUERTE
Para Hegel y Kant, el sujeto ahora crea. Crea lo conocido, lo representado, el objeto, el horizonte de toda experiencia posible, la arquitectura universal y objetiva de la naturaleza. Como en la teoría artística romántica, el sujeto ya no es espejo, sino candil o lámpara que, detrás de su desbordamiento, desde la interioridad del sujeto, abre el afuera, proyecta el espacio y el tiempo, el tejido de los objetos de nuestra experiencia.
¿La belleza viene de quien crea o de quién observa?
Algo es bello porque es bello, o porque yo lo considero bello.
En este apartado creo que es conveniente hablar de la condición humana, de la importancia de la herencia lógica. Aprendemos estética aunque sólo sea por repetición. De ambientes o de naturaleza. Hay una constante referencia al entorno como primer lienzo de cada uno de nosotros.
BELLEZA Y CREACIÓN
El arte es la obra que surge por medio de la libre voluntad creadora del talento natural de l genio que le confiere una regla de arte. Apreciar los objetos bellos es parte del gusto, su creación es atributo del genio.
Esto en sí no es más que la discusión a cerca de cómo conocemos la belleza. Cómo la identificamos y copiamos.
La relación entre el hombre, la naturaleza y el pensamiento.
¿Qué es belleza? ¿Qué es bello?
Kant habla aquí de: la experiencia generadora de juicio, la finalidad; placer o displacer, las costumbres idea de repetición con finalidad de deseo. Repasamos lo que dice a cerca de la facultad de la naturaleza como generadora de leyes a priori y la facultad de desear en dónde sólo la razón es legisladora. Entre conocer y desear esta el sentimiento de placer. Del mismo modo que entre el entendimiento y la razón está el juicio.
Concreta posteriormente en aclaraciones sobre bello y sublime. Y por no alargarme doy unas pinceladas. Lo bello provoca placer o displacer, lo bello no es una finalidad en si, por lo que no encarna la consecución la adquisición de un valor. Se aspira a su búsqueda en creación o producción. Mientras lo sublime trasciende de lo real, del conocimiento o de el ansia de explicación. Se trata de algo que incluso en la naturaleza trasciende del conocimiento. Es puntual y no obedece a ideas empíricas. Son accidentes, bellos, pero accidentes.
"El sentimiento de lo sublime es, pues, un sentimiento de displacer debido a la inadecuación de la imaginación en la estimación estética de magnitudes respecto a la estimación por la razón, y a la vez un placer despertado con tal ocasión precisamente por la concordancia de este juicio sobre la inadecuación de la más grande potencia sensible con ideas de la razón, en la medida en que el esfuerzo dirigido hacia éstas es, empero, ley para nosotros." (KANT. Emmanuel, “Critica del juicio”, Madrid, Espasa Calpe 1977.)
Lo sublime es propiciado por la naturaleza. Pero como experiencia de sublimidaz sólo es vivida por el sujeto. Interpretada.
Sensación que emanan de la contemplación. Se trata de una emoción que trasciende de la percepción en general. Podríamos incluso considerara esa trascendencia como limitación de los sentidos. La belleza quema. La belleza es la traducción objetual del deseo.
En este punto debemos aclarar nuevamente como según sea belleza en si misma o en la percepción de los demás se han dado una serie innumerable de teorías.
Hasta ahora, pues, hemos descubierto tres cosas fundamentales: (1) el juicio estético es subjetivo y se distingue claramente del lógico y del ético; (2) tiene su base, no en un concepto, sino en el sentimiento; (3) este sentimiento encuentra su principio en el idealismo de la finalidad.
kant habla de la filosofía trascendental, con la que descubrió el a priori de los tres ámbitos fundamentales de la cultura humana: el conocimiento de la naturaleza (la ciencia), la acción moral (la ética) y el sentimiento de placer y displacer (en el arte).
Necesitamos, pues, de la naturaleza frente a nosotros y de la moral en nosotros para que lo sublime se pueda llevar a cabo: sublime es vencer a la naturaleza, no obedecerla.
Me leo y me aburro, no puede uno hablar de belleza así. La belleza se disfruta o se disfruta es su rechazo. Me gustan los dualismos y las necesidades de opuestos como forma de definición. Belleza y fealdad se necesitan la una de la otra. Provocan la misma intensidad de estímulo, aunque no el mismo sentido.
Lo mejor de que te pregunten y no sepas responder es que es tanto lo que tienes que describir que te es imposible. La belleza radia de tal modo que no sólo te deja mudo, si no que nunca serás capaz en palabras de representarla, por ello, quizá sea más fácil en formas.
No dejas de mirarlo. Es una atracción. Cuando esta en alguien es muy complicado. Temes que sea reconocida en tu mirada ese asombro, la perplejidad con que reconoces la belleza. Te asombras a ti mismo de la poca reserva con la que observas, pero es el deseo, la excitación que supone el contemplarla que la recompensa suple posibles vergüenzas.
Para mi la belleza es … …
Alma Mahler (ejemplo de que la belleza genera belleza) William chang, Christopher Doyle y Wong Kar wai en cualquiera de sus películas. (Lo difícil que es molestarse en seguir el hilo de unas películas que se leen en imágenes) Jeanne Moreau en “Jules et Jim” (Truffaut) cantando Le tourbillon de la vie. (belleza en contemplación) La playa en invierno, gris y con lluvia. (porque la naturaleza se provoca y se contiene) La luz de una vela. Siempre. ( …y se hizo la luz, camino, la línea. Ver. Seguir)
Documentación empleada: TEXTO: (Internet) “KANT, SCHILLER Y LA EXPERIENCIA DE LA BELLEZA” por Esteban Ierardo. TEXTO. (Internet) “LA BELLEZA BUSCANDO UNA SALIDA” Por Ramón Almela Doctor en artes Visuales.
BIBLIOGRAFÍA: KANT. Emmanuel, “Critica del juicio”, Madrid, Espasa Calpe 1977. KANT, Emmanuel, “Observaciones sobre el sentimiento de lo bello y lo sublime”, Madrid, Alianza, 1995. Nietzsche, Friedrich, “Teoría de las bellas artes, Filosofía de las artes” Colección Metrópolis, Madrid : Tecnos, 1999
Muchas gracias María porque he descubierto a Henri Bergson y me gusta mucho lo que he leido de él. Comparto su uso impreciso del lenguaje y la idea que se maneja en la cita que has puesto anteriormente en tu comentario:
"Bergson cuando explica su concepto de tiempo, explica cómo existen preguntas que hasta que a uno no se hacen, no sabe que responder no puede. Se denomina saber implícito y saber explícito. Implícito es que sé lo que es aunque no sepa explicarlo, mientras que el explícito es que además de saberlo puedo explicarlo".
¿LA TECNOCIENCIA ESTA TOMANDO EL RELEVO DEL ARTE EN CUANTO A LA SUBLIMACIÓN DE LA BELLEZA? Según el diccionario de la Real academia de la lengua española: Sublime: (Del lat. sublīmis). 1. adj. Excelso, eminente, de elevación extraordinaria. U. m. en sent. fig. apl. a cosas morales o intelectuales. Se dice especialmente de las concepciones mentales y de las producciones literarias y artísticas o de lo que en ellas tiene por caracteres distintivos grandeza y sencillez admirables. Se aplica también a las personas. Orador, escritor, pintor sublime.
KANT: Lo bello siempre resplandece a través de las formas de lo visible y limitado. Lo bello es aprehensión de un objeto limitado, mesurado. Lo sublime, en cambio, es el reino de lo desmesurado, lo inacabable, lo ilimitado. Lo sublime matemático es la experiencia de la grandeza desmesurada. Lo sublime, lejos de empequeñecer al hombre, lo eleva.”
HEGEL: Lo sublime es la infinitud que absorbe o supera lo particular en una totalidad difusa.
(1) “SUBLIMACION: desde la psicología: superar un estado a través de. ¿La belleza es la sublimación de algo?” A través de la belleza sublimas un vacío. (1) “Con la belleza nos completamos.” Desde este punto de vista, si que opino que el arte puede servirnos como herramienta para trascender, trascender en el conocimiento de nosotros mismos, trascender el nivel de consciencia común y llegando al genio mostrar ideas, imágenes sublimes de tiempo infinito.
(2) “Sobre los métodos del arte y de la ciencia. Punto C: El campo tecnológico con el que compartimos nuestra conectividad. Publicidad, industria… muchas cosas son plagiadas del arte.” Creo que los publicistas utilizan mensajes de sexo, paz, amor, etc… para vender objetos. Me parece un engaño. De esa misma manera utilizan el arte. Los objetos tecnológicos si me parecen bellos, pero son objetos, no tienen ninguna otra función artística… no creo que produzcan al mismo nivel una experiencia estética.
¿Cómo TRASCENDER ESOS LIMITES? ARTE COMO ELEMENTO DE TRASCENDENCIA. Pienso que como opina E. Trillas hay una necesidad de filosofía en la sociedad actual, pero en mi opinión esta ya todo inventado, no hay que descubrir nada que ya no exista para lograr nuestros propósitos. Está todo dicho en las filosofías occidentales y orientales (meditación trascendental)... Solamente hay que buscar, saber escuchar y querer aprender para satisfacer nuestro apetito intelectual o espiritual. Si quieres trascender mas los límites de tu conocimiento concéntrate y estudia a fondo un tema. Aunque siempre haya nuevos límites que trascender. ¿Qué si la nueva metafísica es la tecnociencia? ¿Con la criogenización podremos ser inmortales? Lo creeré cuando lo vea. A nivel teórico no entiendo de preciso la necesidad de trascender a diós o a la razón. Creo que diós, la naturaleza, impone límites que no van ha cambiar y creo la razón hay que restringirla a su campo. A nivel práctico la razón de cada uno se trasciende mirando por el bien común, superando el egoísmo. Estoy de acuerdo con Josu cuando dice que la ciencia que conocemos fracciona lo real, y que tampoco es útil en última instancia como elemento trascendente. Sí que habría que buscar una ciencia con consciencia que nos permitiría superar los límites. Como define el termino de supercodificación (2) “cada elemento productivo está super-especializado y no conoce la globalidad” y en esa ignorancia surgen los problemas. Por ejemplo en el cambio climático. Es un hecho que la naturaleza es limitada y requiere ciertos cuidados y que por ejemplo, los dueños de las fábricas de muebles, tienen sus razones para no dejar de fabricar muebles, como puede ser el miedo a perder su fuente de alimentos, y pasan por alto que las generaciones venideras no puedan sobrevivir en el planeta. Por eso, por lo menos deberían darse cuenta que el bien común es el suyo propio y superar en alguna medida ese egoísmo. Creo que el arte es una ayuda para concienciar a la gente de este tipo de necesidades el arte activista. (1) “Pero su efecto también es limitado porque ¿qué reacciones provoca? Ej: Arte como activismo, del q hablabamos el último día. La obra de Serra para ser vista requería la presentación del DNI español. Si no se tenía no se podía ver. Impacto sobre las personalidades políticas para que se dieran cuenta de la problemática de la inmigración. Puede ser que el efecto sea positivo o negativo o tal vez a ese político no le produzca ningún efecto. Sobre el vídeo de Beuys: “I like America and America likes me”. Arte como medicina para la sociedad. Beuys trasciende los límites del arte, quita el ornamento, ¿es una especie de arte activista?
¿CABE EL ARTE FUERA DEL ADORNO? ¿O TODO ARTE TIENE UN ADORNO?
Según el diccionario de Términos de Arte, las “artes decorativas son: las artes industriales, y la pintura, escultura, etc., en cuanto que buscan un efecto ornamental y decorativo y no la creación de obras con valor independiente.” Y “Ornamental: aquel elemento que juega un papel embellecedor, sin ejercer funciones arquitectónicas de descarga, soporte, etc. Creo que la única manera de un cambio real es una profunda trasformación de los individuos y opino que eso no lo consigue el arte, porque sus funciones son otras. Las pinturas de la antigüedad son un documento histórico de su forma de vida. Puede ser que pintándose en sus actividades, en sus rituales, trataran de alguna manera de inmortalizarse, de trascender, de dejar su huella, entre otras funciones, como puede ser la de la transmisión de información.
¿O COMO APOYO, EL ARTE PUEDE SERVIR PARA ENTENDERNOS MEJOR? ¿Cuando digo rojo/dolor el otro entiende lo mismo por rojo/dolor? Pienso que el arte puede trascender la individualidad de cada uno. El arte tiene la cualidad de unir a las personas, porque gusta y lo que gusta es agradable y todos queremos el bienestar. Además al comentar una obra que te gusta con otra persona puedes descubrir que es lo que te parecía bello en esa obra y así fomentar ese concepto bello, o lo que te produjo bienestar, en tu vida. El arte puede a través de la belleza ayudarnos a darnos cuenta de lo que es bello a nivel intelectual y al dialogar, ver si ese concepto es común o no
¿Qué es la tecnociencia? http://martinej.wordpress.com/2007/04/17/%C2%BFque-es-la-tecnociencia/
En esta página está la definición de tecnociencia de Javier Echeverria. Da un punto de vista bastante general, directo y pragmático, limpio si se quiere ya que no se contamina ni se lía tanto en las cuestiones híbridas que trataremos en la próxima clase: tecnociencia como sublimación, relevo del arte, trascender los límites...
Voy a dar un poco mi opinión, cultivada entre turrón, croquetas caseras y ferreros rocher: Creo que la tecnociencia es una herramienta y como tal está sujeta a la mano humana para su tipo de uso. Sublima, desde luego, ya que creo que el ser humano sublima todo el rato, ordena cosas, rellena sentimientos, reemplaza cosas... Y como último apunte pues que mientras la tecnociencia sea humana no creo que se pueda trascender hacia nada, existen límites muy fuertes, e incluso se van creando nuevos límites.
Todo ésto también ilustra de lo que hablan, y con lo que estoy totalmente de acuerdo, Georges Perec y Henri Bergson: DEFICIENCIA DISCURSIVA ("no pienso sino que busco palabras")
Como ya ha comentado Jorge la tecnociencia, al igual que muchas otras actividades humanas, como por ejemplo ir de compras (actividad en mi opinión muy tecnocientífica según la definición Javier Echeverria) puede “sublimar”. Al no ser la sublimación exclusiva del arte, en el caso de que fuéramos agnósticos, el dar la cualidad de “trascendental” al arte le devolvería a este su estatus de exclusivo. Esto me lleva a preguntar:
¿Es necesario que la obra de “arte” trascienda para que sea considerada como tal? ¿Dotar al arte de necesaria transcendentalidad es un acto de fé porque necesitamos creer en ÉL (el arte)?
Yo, en contra de mi razón, me declaro creyente por mi necesidad casi física de trascender, y supongo que es lo que me mantiene atado al mundo del arte o más bien de la creación, pero esto tan solo me convierte en un creyente.
Estas navidades mi hermana Teba y yo le hemos regalado a mi padre un marco de fotos digital. Un objeto desde mi parecer kitsch y de última moda en regalo de Reyes para este año 2008. Mi padre hizo sus pinitos en la juventud con la fotografía. Hasta hace unos años el cuartito del fondo del garaje era nuestro laboratorio de fotos en casa. Llego la era digital y mi padre dejo de hacer fotos, como antes ... Y el cuartito paso a ser el gran armario vestidor que mi madre siempre había soñado.
Recuerdo a mi padre los domingos encerrado a oscuras junto a una bombilla roja, como mago con chistera y líquidos reveladores como pócimas mágicas salía al cabo de unas horas con el reportaje de fotos del ultimo fin de semana en el campo o la comida familiar de las pasadas navidades. Luego escogía una o dos, al gusto de todos y las ampliaba, y así mi abuelo un viejo ebanista ya tenía tarea asignada para las siguientes semanas, fabricar los marcos con mucho amor, para luego decorar nuestro salón.
El pasado día de Reyes, me hizo pensar el poder de la tecnociencia, referido a lo que comento Josu en su última clase. La mágica ahora es inmediata con un marco digital con bluetooth y un teléfono movil. Toda la familia reunida abriendo regalos y de inmediato las fotos del recuerdo estaban enmarcadas en la mesita del salón. Mi padre, no será nunca más el mago con bombilla roja de los domingos.
Acortar el tiempo del deseo, de la idea a su materialización física, a su presencia real. Todo es más rápido y accesible ahora. Vivir más en menos tiempo y con menos esfuerzo. Pero por muchas moderneces que nos rodeen en esta era digital, yo creo que la sensibilidad esencial en una obra sincera es grande y respetable como cualquier otra de tiempo pasado. Ahora hay más y más rápido y eso hace que nos perdamos en la confusión. Y es que una cosa es la técnica y otra la esencia, que tampoco es ciencia.
La carga semántica de las imágenes por Anne-Marie Thibault-Laulan:
IMÁGENES EN SECUENCIA
El uso de los conjuntos de imágenes es muy antiguo puesto que se encontraba incluso al final de la edad media. Los monjes practicaban la talla en madera para realizar figuras piadosas, rapidamente divulgadas. Unidas en series, servian de base a la predicación.
Las fotografias se suceden sin que haya necesidad de comentarlas, formando frases, constituyendo un texto que el lector familiarizado sabe descifrar sin leyenda alguna. Formas y colores se asocian, por ejemplo para evocar al espectador conceptos estereotipos como los de “italianidad”, “virilidad”, “tradicionlidad”… El sentido de una fotografia no aparece mas que cuando el espectador, barriendo desde lo desconocido hasta lo conocido, es capaz de traducir el mensaje de las formas, de los colores, de las visualizaciones dadas en un conjunto de prejuicios, costumbres, disposiciones, en suma, en un saber preexistente. Comprender es siempre recordar, decía ya Bergson y comprender es identificar, clasificar, asimilar. Coincidiremos en que esta actividad mental es en gran medida inconsciente y automática, como el captar una frase pronunciada en un lenguaje familiar, pero el analisis, la verbalizacion el alta voz sin modificar el ritmo, permite desvelar los mecanismos.
Un estudio comparativo emprendido por Guy Gauthier hace ya algunos años mostraba como una fotografia de Kennedy en la dunas tomaba diferentes significados según los semanarios considerados en muchos de los casos la redaccion preocupada por ahorrar todo esfuerzo a sus lectores, añadia al documento una fecha, una larga leyenda sentimental cuyo resultado inmediato era rebajar a la imagen a simple sopote complementario al sentido del articulo. Los lectores de Paris- Match o los de Elle no tenian sin lugar a dudas el derecho a reflexionar, lease a pensar, por medio de una fotografia. ¿Hay que ver en esto una impotencia de la imagen o un tenaz desafio a sus posibilidades?
El fotomontaje ofrece inmensas posibilidades criticas o ironicas. Los elementos relacionados ofrecen al lector un discurso completamente diferente de la simple enumeración de las partes. Tomando del collage tan apreciado por los surrealistas, el fotomontaje puede expresar toda una gama de emociones de lo delicado a lo horroroso. Se necesita todavía que el lector sea capaz de leer esas yuxtaposiciones, esos contrastes, esas concentraciones que le son propuestas como tantas historias sin palabras. Ahora bien, las resistencias de la televisión (hostilidad a todo lo que sobrepase cierto nivel narrativo y analitico) se vuelve a encontrar en muchos semanarios; se asiste entonces a una especie de circulo vicioso, puesto que el temor a perder a los lectores paraliza toda tentativa de modernizacion.
BIBLIOGRAFIA “La imagen en la sociedad contemporanea” Anne-Marie Thibault-Laulan. Editorial Fundamentos. Bibilioteca de BBAA de Leioa. SIG 7.04:316.77 THI
Somos el subproducto de un producto creado por nosotros mismos, la tecnociencia nos ha devorado, formamos parte de su engranaje, desde este punto hasta donde podemos transgredir.
La tecnociencia nos ayudo a romper las barreras naturales pero ahora nos ha construido nuevos limites, estos surgen en un mundo cada vez mas hiper-especializado pero mas comunicado, las distancias ya no son una barrera en este mundo. Cual es el objetivo del arte, es simplemente una inversión económica, aun contiene belleza o ha quedado relegado al diseño, nos vamos convirtiendo poco a poco en una nueva rama de la filosofía especializada en el arte a través del arte conceptual.
Ante todo somos parte de una cultura que nos ha moldeado con un perfil mas o menos parecido a partir de aquí surge la individualidad, esta es la que intenta romper con lo demás, puede ser el arte un medio para recalcar la personalidad ante una sociedad homogénea. Posiblemente puede que seamos los herederos de germen rebelde que genera los cambios sociales pero últimamente el capitalismo engulle todo lo que se produce y se comercializa, siendo un producto mas, puede revolucionar desde dentro del sistema el arte.
Capitalismo se basa en el control en una sociedad de clases pero necesita del sector rebelde para su desarrollo pero lo mantiene a ralla, lo acosa, incluso lo persigue pero al final son consiente de su utilidad es la vía de escape del pueblo sin ella el sistema caería, vivimos en una sociedad que en cierta forma promueve pequeñas revoluciones, el arte es participe de ello hasta que punto.
Puffs solo he dejado dudas pero son ideas que tenia en la cabeza después de estos días de debate.
Ya que en la clase anterior hablamos cada uno de sus "cromos" y bueno, la siguiente clase será sobre la narración, la representación... entonces pongo aqui unos links que podemos ver todos en clase:
MATTHEW BARNEY - Cremaster: http://www.youtube.com/watch?v=6Bo9l90vuUo http://www.youtube.com/watch?v=EEZ8TF11jds
EL ETERNO DUALISMO, GERMEN DEL CONFLICTO: ARTE /CIENCIA
BERGSON
* Bergson se distancia del espiritualismo tradicional que opone el testimonio de la conciencia a los resultados de la ciencia. Pretende aceptar los resultados de la ciencia, tener presente la existencia del cuerpo y del universo material para entender la vida de la conciencia. * Bergson acepta el dualismo para resaltar que el tiempo entendido como duración real no se deja conocer de cualquier manera debido a su complejidad.
La conciencia:
* La duración real del tiempo que subyace a la vida se revela en la vida interior y se accede a él a través de la experiencia interna. * Esta duración real del tiempo, que corresponde a los estados de la conciencia, es de esencia psicológica. No se puede reducir al tiempo homogéneo del que habla la ciencia. * Los estados de conciencia no se sustituyen los unos a los otros, sino que se disuelven en una continuidad fluida. * La conciencia, por tanto, es una «multiplicidad indistinta o cualitativa», es un impulso vital (élan vital) que forma parte de todo el proceso creador de la vida.
El Élan vital de Bergson.
La inteligencia:
* La inteligencia es la facultad humana que capta la materia espacial y mantiene una afinidad esencial con su objeto. * La inteligencia tiene la capacidad de captar los fenómenos y penetrar en la esencia de las cosas. * La inteligencia cumple una doble función: se emplea para utilizar y fabricar instrumentos inertes y para dirigir nuestra conducta. * Los límites de la inteligencia se manifiestan en su incapacidad para comprender la duración real, la vida, pues no presenta uniformidad y es creación continua.
La intuición:
* La intuición une la inteligencia y el instinto. * Permite profundizar en el proceso vital y profundizar en la conciencia. * La intuición piensa en términos de duración. * El conocimiento que proporciona la intuición es el resultado de un acceso directo en el interior del objeto y posibilita un contacto con lo que tiene de único. * La intuición es facultad del espíritu y experiencia metafísica y exige una actitud purificadora para liberarnos de las ataduras que impiden alcanzarla.
FREUD
Hipótesis del inconsciente
Sigmund Freud es uno de los personajes claves de este siglo como fundador del psicoanálisis y tuvo también una aportación significativa al pensamiento.
* El ello: es el inconsciente, representa el mundo pulsional y el sustrato biológico de la existencia humana en tanto que especie. * El yo: es el administrador de las fuerzas del ello y adapta al hombre para vivir en el mundo. * El superyó: representa el conjunto de ideales del yo, a los que intenta ajustarse, como las normas morales, reflejo de las prescripciones de la propia cultura.
HUSSERL
Representa la culminación de la tradición filosófica cartesiana, que interpreta la relación del sujeto con el mundo que le rodea como una relación de hombres que conocen los objetos pero también es la superación del cartesianismo, pues evitará la idea de Dios para trazar un puente entre la conciencia y lo objetivo y empleará como elemento mediador la idea de intersubjetividad. El filósofo de la conciencia
* Su propósito es elaborar una investigación sobre los modos de conocimiento implícitos en todas las operaciones lógicas y cognoscitivas. * Se interesa por la esencia de la conciencia y de los modos en que se proporcionan a la conciencia sus objetos reales o posibles. * El interés de Husserl se centra en la intención, con el propósito de esclarecer de qué manera la conciencia tiende hacia determinados objetos y se concretan en vivencias intencionales.
Características generales de la fenomenología
* Es un análisis de todo lo que se le presenta a la conciencia, mediante la reconciliación del objetivismo científico y el subjetivismo; del saber abstracto y de la vida concreta. * Muestra que determinados actos, como la abstracción, el juicio y la inferencia, son actos de naturaleza intencional. * Es una forma de ver con anterioridad a toda creencia y a todo juicio.
Los contenidos de la conciencia
* Los contenidos de la conciencia son fenómenos que se presentan a la intuición. * Estos fenómenos tienen una naturaleza diferente a los datos de los sentidos y al material organizado mediante formas de intuición a priori o categorías. * Los contenidos de la conciencia se muestran por sí mismos. * Fenómeno y conciencia son términos correlativos: toda conciencia es conciencia de algo y este algo es el fenómeno que se da en aquella conciencia. * La correlación fenómeno-conciencia está por encima de todo dualismo sujeto-objeto, en tanto que realidades.
El método fenomenológico
El método fenomenológico es un procedimiento mediante el cual se examinan los contenidos de la conciencia. Consiste en reducir toda la realidad a la condición de fenómeno. Es lo que se llama reducción fenomenológica y consta de dos fases:
* Reducción eidética: Opera sobre la totalidad del mundo y consiste en dejar en suspenso la creencia en la realidad del mundo y en uno mismo. Al suspender esta creencia el individuo se abstiene temporalmente de emitir juicios. Esta suspensión recibe el nombre de epoché.
La reducción limita el mundo real a algo que no es realidad y tiene dos dimensiones: todo lo que se representaba como un hecho deja de ser fáctico y se convierte en una unidad ideal o eidós. * Reducción trascendental: Por medio de la reducción trascendental se pone en suspenso, o entre paréntesis, la existencia de la conciencia. Además, la conciencia se vuelve sobre sí misma y tiende hacia sí en su pureza intencional. * La intencionalidad de la conciencia tiene dos polos: o El polo noético, o acto del intencional, se refiere a la permanente correlación entre los actos de la conciencia (percibir, recordar, etc.) relativos a un objeto. o El polo noemático se refiere a lo característico de la intuición, al objeto tal y como aparece en los actos de la conciencia.
El mundo de la vida
Husserl distingue entre el mundo objeto de conocimiento de la ciencia y el mundo en que nosotros vivimos y que denomina mundo de la vida (Lebenswelt). Denuncia la situación a la que ha conducido una fetichización de los métodos y las técnicas científicas, así como los peligros que encierran los excesos de la tecnología.
El mundo de la vida tiene las siguientes características:
* Es un ámbito al que se le ha prestado poca atención a pesar de su riqueza y de constituir la base de toda experiencia particular. * Comprende en sí el mundo construido por las ciencias, pero no a la inversa. * Es «el terreno sobre el que descansa el mundo científicamente verdadero, pero al mismo tiempo lo engloba en su concreción universal». ∑ Nunca nos puede ser dado de una vez por todas, sino que se desarrolla históricamente.Y la historia es el despliegue temporal de la existencia de una comunidad de hombres.
DIDEROT
El arte no es para Diderot (siglo XVIII), todo lo verdadero, sino lo verosímil; todas las veces que en el arte la verdad no se presente toda entera, lo que hay es verosimilitud; o sea, en cierta manera, ficción. En suma, el arte es para Diderot una transposición de lo real. El trabajo del artista consiste, pues, en embellecer, en idealizar una cualidad, y en reunir cualidades dispersas. En este juicio interviene la imaginación, y en este punto aparece un segundo movimiento que le es propio al artista y que consiste en acercar este ideal a lo sensible. Es la imaginación y la sensibilidad reunidas las que guían la idea en el artista.
UN ACERCAMIETO A LA NARRACIÓN: GIANNI RODARI.
Escritor, periodista, pero también militante político, maestro y pedagogo, para Gianni Rodari, todas estas actividades forman parte de una misma militancia, la de abrir en el mundo un espacio para la imaginación creadora, la de permitir a los niños intervenir en ese mundo imaginando nuevas posibilidades, llevándolas a cabo.
“Enseñar a leer y escribir no para que todos sean artistas sino para que nadie sea esclavo.”
Imaginación y fantasía han pertenecido durante mucho tiempo a la historia de la filosofía, en la psicología comienza a ser notable sólo hace unos cuantos años. No es por eso raro que a día de hoy no sea de recibo en ciertas escuelas. Rodari se refiere a ella como la pariente pobre, con una ventaja total a favor de la atención y la memoria; escuchar y recordar constituyen las características del alumno modelo, el más cómodo y manejable en definitiva.
Con respecto a estas disciplinas Kant y Fichte comienzan a hablar de imaginación productiva y reproductiva. Pero será Hegel el que establece la diferencia entre imaginación y fantasia. Considera a ambas determinaciones de la inteligencia, sólo que la inteligencia como imaginación es reproductiva, como fantasía es en cambio creadora. (Comúnmente entendemos al artista capaz de fantasía creadora, y el hombre común, mecánico capaz solamente de imaginación que le sirve para fines meramente prácticos)
"La fantasía no está en oposición a la realidad, es un instrumento para conocer la realidad, es un instrumento que hay que dominar. La imaginación sirve para hacer hipótesis y también el científico necesita hacer hipótesis, también el matemático lo necesita y hace demostraciones por absurdo. La fantasía sirve para explorar la realidad, por ejemplo para explorar el lenguaje, para explorar todas las posibilidades para ver qué resulta cuando se oponen las palabras entre sí." ( www.imaginaria.com.ar/12/5/rodari.htm)
"La lengua (...) no es una materia separada de las demás que tenga límites bien precisos: aquí está la lengua y aquí está la geografía (...) Sin lengua no hay geografía, sin lengua no hay ciencia, sin la lengua no existe ninguna de aquellas que nosotros distinguimos, clasificamos y llamamos materias. La lengua es el aire en el cual viven estas así llamadas materias. No puedo hacer historia sin la lengua, no puedo hacer filosofía sin la lengua, no puedo hacer políticia sin la lengua, no puedo vivir sin la lengua. Nosotros estamos dentro de la lengua como el pez está dentro del agua, no como un nadador. El nadador puede tirarse un clavado y salir, pero el pez no, el pez tiene que estar adentro." (www.imaginaria.com.ar/12/5/rodari.htm)
Hola, esto lo pongo como guía de mi posible tesina o tesis o lo que sea.
----Fondos pintados en lo audiovisual----
¿Cuándo? ¿años 60? Surgimiento de la TV y su repercusión en el cine. ¿Dónde? Cine, Hollywood.
Métodos: - Cronología - Contexto - Causas - Repercusión (industria y espectador) - Conceptos derivados y propios - Laboratorio teórico-práctico - Tiempo y espacio: años 60 en el cine.
Conceptos derivados: - Lo verosímil - Representación - Alfred Hitchcock - “Marnie” (Hitchcock, 1964): utilización de fondo pintado. - Albert Whitlock, diseñador de fondos pintados (1963 “The Birds”, 1964 “Marnie”, 1966 “Torn Curtain”) - “7 Brides for 7 Brothers” (Stanley Donen, 1954): utilización de fondo pintado. - Bertol Brecht - Christian Metz - Roland Barthes - Robin Wood (Libro sobre Hitchcock y su relación con el cine expresionista alemán y Fritz Lang) - La repercusión de la televisión en lo verosímil del cine. - “La perspectiva como forma simbólica” Erwin Panofsky.
¿Conclusión? - Si se asume el código, la narración se convierte en verosímil.
HIPOTESIS Hago una investigación para tener una panorámica de la arte-terapia desde mi interés del punto de vista del artista en este tema y como posible opción de trabajo.
INDICE Introducción: A quien le interese… Entrevista a Jean Pierre Klein y Eva Bonet, arteterapeutas.
I PARTE 1.Definiciónes de arte Debate en clase. Mi opción personal.
de terapia Punto de vista del Yoga. Limites de la arteterapia: Lo que no transforma la arteterapia.
de arte-terapia Por la asociación americana de terapia artistica.
2.Historia y tendencias de la utilización de arte asociados a fines terapeúticos
3.Como cura el arte A nivel físico A nivel emocional: Arte como bondad. Platón y Modernidad
A nivel mental: Arte como sublimación. Hegel y Kant
A nivel social: Arte como elemento de trascendencia. Arte activista. Eugenio Trias
Fenomenologia: Fases en el proceso de creación: el juego
4.Dos tipos de arteterapia Arte como curación en si mismo Arte como apoyo a la terapia convencional
PARTE II
1.Formacion del arteterapeuta El caso del Master en arteterapia de Madrid: Objetivos. Programas. Profesorado
2. Ambitos del arteterapia Educativos: El niño. El adolescente. Aplicación de la arteterapia el el modelo educativo
Grupos sociales: Anorexia, traumas, maltratos, refugiados, adicciones…
Clinicos: El autista. Hospital niño Jesús, Tª Cancer
3.El taller de arteterapia Como recibirlo Como funciona. Actividades Temas para el taller: la narración
4.Direcciones de interes Sitios que imparten arteterapia en España y Europa y USA
Termino utilizado por Loris Malaguzzi (pedagogo italiano, con larga experiencia en educación infantil) para explicar que hay una "estética del conocimiento antes mismo del conocimiento estético". Es decir, que al aprender y entender, nosotros, conscientemente o no, le estamos poniendo unas ganas, una esperanza de que lo que estamos haciendo nos guste y a los demás también.
"Es esa vibración estética que nos impulsa a poner nombres a las figuras y a los colores. Figuras que parecía que no existiesen. Esa vibración, es también, la que nos impulsa a mejorar los conductos de nuestra sensibilidad interpretativa y creativa, a descubrir los valores y los efectos del placer que suscitan en nosotros y los demás: un atrevimiento para seducir y ser seducido." Loris Malaguzzi
La seducción estética se convierte en una dimensión del conocimiento, más alejado del mundo racional y más cerca de las emociones.
"La alternativa a razón, como fuente para construir un sistema universal de valores, es la sedución estética: una especie de marco de referencia que está especialmente proyectado para favorecer los deseos de los individuos" Humberto Maturana
Interesante observar: Como el sistema universal tecnocientifico tan bien "racionalizado", es capaz de coger la cita de Maturana y darle la vuelta: Haciendo una proyección de deseos universales sobre individuos, seduciendo a la compra, neutraliza así, los reales deseos del individuo y sus motivaciones estéticas-emocionales. En el mundo tecnocientifico, por ejemplo, el trabajo se torna racionalmente no solo como necesario, pero esencial al ritmo frenético del consumo. Se hace sea lo que sea, para mantener un cierto nivel de vida y incluso aumentarlo un poco más. Aunque con el sentimiento de satisfacción por el sueldo gordo, el coche nuevo y las cenas con la pareja en un buen restaurante, los lunes a la mañana acaban por ser lo menos deseado de cualquiera. El deseo es vencido por la razón de quererlo todo, pero a la emoción no se puede engañar...
El interés del Proyecto de mi Tesis Doctoral radica en hacer un estudio sobre el desarrollo del proceso creativo y su repercusión en la conciencia social, partiendo del análisis de experiencias en educación alternativa. Analizar las influencias que este tipo de enseñanza provoca en una edad temprana, de modo que, en la edad adulta, los individuos pueden desarrollar una mayor libertad creadora en sus actividades. En especial en lo que se refiere a las actividades artísticas, por tanto será en este aspecto donde el estudio se concrete. Realizar un breve estudio sobre escuelas de carácter donde el niño toma sus propias decisiones, eligiendo lo que quiere o no quiere hacer, lo que le interesa estudiar y cuando quiere aprenderlo, sin cualquier impulso por parte de los adultos, sino basándose en su capacidad interna de gestión de sus intereses. Observar como este tipo de formación, fomenta que el niño desarrolle una fuerza interior, capaz de solucionar sus dificultades para sacar adelante sus intereses, siendo consciente de sus decisiones. La libertad lleva a una mayor conciencia de si mismo por parte del individuo. Saber cuáles son sus capacidades y limitaciones, así como, saber tomar decisiones sobre su vida, siendo consciente de las consecuencias que podrán resultar de sus decisiones. Este proceso creativo del individuo lleva a que desarrolle un pensamiento crítico de si mismo y consecuentemente también sobre lo que está a su alrededor. En espacios autogestionados (escuelas, experiencias de vida comunitarias, centros sociales, etc.) el individuo está integrado en una comunidad de individuos donde las necesidades y intereses son afines. Todos tienen la misma responsabilidad de sacar adelante un proyecto en común, que puede ser sencillamente vivir. De esta forma, la conciencia gestada en lo individual se extrapola a un contexto social. Ya que el punto de interés del individuo es el todo, el desarrollo de una conciencia de unidad social, genera un espíritu crítico de la sociedad.
Índice:
Introducción. Motivaciones. Los objetivos.
Primera Parte.
I.1. Marco Teórico. Estado de la Cuestión.
I.2. Aspectos pedagógicos: Educación para Ser Pedagogía libertaria y de carácter no-directivo. La practica de psicomotriz.
I.3. Educación artística: Educación por el arte. Arte como expresión del individuo y como ayuda al auto-conocimiento.
Segunda Parte.
II.1. Analizar el cruce entre la pedagogía y el arte. Las escuelas activas y la posibilidad de mayor libertad creativa.
II.2. Analizar el cruce entre el arte y la filosofía. La actividad creativa como forma de exteriorización de las inquietudes humanas. La inquietud humana ¿hacia dónde? El arte del sujeto para el sujeto. El mensaje. El arte en lo social.
II.3. Aportación personal: documentación como creación. Crear un documento audiovisual, con las experiencias vividas en situ. La creación de fuentes propias (entrevistas). La subjetividad del estudio en situ.
Conclusión. Verificar las premisas. Valorar los objetivos.
Este es un primer acercamiento a la estructura de mi proyecto:
1- Hipótesis: Discursos artísticos en manifestaciones populares urbanas "amateur" hoy (2007-hasta terminar el proyecto) en las márgenes de la ría. En el punto de mira estarian: la música "pop" (pop, rock, punk,...), el graffitti (las manifestaciones hip-hop), los bares o locales relacionados con movimientos, comparsas o tribus urbanas y los fancines.
2- Metodologías: * Antecedentes relevantes como el punk, o las txoznas de fiestas de Bilbao. * Búsqueda y entrevista directa a integrantes de los diferentes colectivos para conocer sobre todo sus motivaciones y objetivos.
4- Conclusión: Aunque a la "forma" del arte se le haya puesto dueño y ubicado en determinados espacios, el discurso artístico no los tiene, y aflora alli donde haya una necesidad de trascender.
Como supuesto título: "Folklore, identidad y arte contemporáneo" que engloba los distintos conceptos que me preocupan.
Introducción:
Ya quedan pocos lugares donde no te encuentre los mismos restaurantes, las mismas tienda, hasta que parece que la misma gente y el mismo arte en diferentes puntos geográficos. Ante tanta clonación, se busca en lo poco que nos queda de autenticos. Todo lo que nos diferencie de otro, es siempre bienvendo. Que mejor que recuperar la herencia del pasado, esa que muchas veces se ha renegado.
El cocepto globalizador que inbade el mundo en estos dias, la perdida y a la vez la busqueda de indetidad se refleja de forma latente en la emergente creacion artitica. La busqueda del yo, lo autobiografico como excusa expresiva. Muchos artistas adentran sus origenes, en busca de un leguaje recreando formas a partir de la cultura popular. Y asi, lo atávico, el Folklorico, arte pagano se introduce bajo un filtro en los circulos del arte elitista de museos y galerias.
Realizando un estudio de este fenoméno global que se construye a partir de la busquedad, evocación de lo atabico, alegoria de lo primitivo, de lo anclado en el pasado y espejo de la vida de un pueblo. Pero que tambien se situa en el presente, en constante evolución, multicultural y rico en conflictos sociales de todo orden. Muchos artistas trabajan en "algún lugar entre el día y la noche, entre la historia de las formas y las formas de la historia" según el comisario, Philippe Vergne.
Cada época, por sus propias necesidades culturales, expresa una forma determinada de arte que le es propia y por tanto distinta a formas artísticas del pasado: ¿De qué forma, esto que vemos como "arte contemporáneo" es la expresión de nuestro tiempo?. Interrogante que debe antes definir "nuestro tiempo", enunciar sus características y confrontarlas con las que exhibe el arte contemporáneo. De hecho la relación que ha tenido el arte con la realidad ha sido casi siempre por medio de la interpretación subjetiva. Es esa particular interpretación que hace el arte de la realidad, la relación subjetiva del hombre con su entorno. Cualquier otra disciplina pretende una relación objetiva con el mundo, pretende hacer ciencia y por lo tanto, busca alejarse de todo subjetivismo, de eso que, por cierto, es el origen del arte y la especificidad singular y vital de todo ser humano. (Ramiro Garavito, Licenciado en Filosofía y Artista visual.)
¿Nos hemos sentido aludidos ante las paradojas y ubicaciónes propias de nuestra época?: Por un lado, la paradójica propuesta de este tiempo que proclama su adhesión a la globalización y al mismo tiempo celebra con el mismo entusiasmo la diferencia; y por otro lado el conflictivo papel del arte de este lugar: "¿Cómo es posible pensar el arte y la cultura en términos planetarios y, simultáneamente, abjurar de las totalidades y celebrar el fragmento?". (Ticio Escobar, curador paraguayo). Esta contradicción que plantea la necesidad de asumir, al mismo tiempo, la globalización y la diferencia pluricultural, la integración y la identidad.
El artista, afronta una o mas posiciones identitarias según su origen étnico, su procedencia local, su genero, su opción sexual, o su elección religiosa; y así la identidad adquiere un carácter relativo, dinámico y fluido. La identidad ya no parece ser mas una esencia estatica, sino los nudos vivos de crecientes ramificaciones, donde las subjetividades diversas tienen mas fuerza y pertinencia que nunca, a la vez, que un tramado de fuerzas cibernéticas y multifinancieras traspasan objetividades y cubren el mundo, dejando obsoletas los límites territoriales de las antiguas soberanías nacionales. Esta abundancia de movimientos multifocales, percibidos en un incesante transito intercultural, han dado lugar a fenómenos inéditos de fusión, apropiación y renovación, que a su vez, son promesas inquietantes para el arte del porvenir. Quizás solo esas subjetividades artísticas pueden reordenar, según su propio filtro y singularidad, el sincretismo de las culturas globales y totalitarias, quizás son los únicos reductos ante la omnipresencia de la homogeneidad. Por eso, no es un accidente que en el espacio del arte contemporáneo se revalorice el ámbito de lo subjetivo: lo íntimo, lo cotidiano, lo corporal, los saberes paralelos, las biografías anónimas, las experiencias personales, las "historias de vida", ese costado intenso de la memoria, es decir, esas pequeñas verdades.
Y apartir de una desarrollo y ampliación de este concepto de construción de identidad enfocandola hacia una mirada en la historia del arte universal, realizar un estudio real sobre la creación artística actual del País Vasco. Lugar como muchos otros, inmerso en conflictos provinentes de una situación geopolítica particular insertada en medio de una pugna entre nacionalismos dominates y dominados, que traen como sonsecuencia el tener que enfrentarse a una serie de situaciones encauzadas hacia la reconstrución de una cultura, historia e identidad diferenciadas.
Objetivos:
El trabajo de investigación que se propone aspira a desarrollar los objetivos siguientes:
- Primer objetivo: Analizar el cambio producido por la evolución de los nuevos medios tecnológicos en las relaciones sociales y especificamente dentro de la evolución en el arte, donde terminos de espacio y tiempo se han vistos alterados como la idea de regiòn profundamente anclada en el ser humano y animal como territorio exterior al terreno de caza cotidiana, para llegar al cual se requiere esfuerzo de voluntad y experiencia, pero sin llegar a la aventura. (MOLES, Abraham & Elisabeth ROHMER; Psicología del espacio [1972]; ed. Ricardo aguilera; Madrid 1972; p. 73.)
Con esta definición podemos decir que la región se ha ido ampliando conforme otros modos de transporte han ido incrementando la movilidad humana, han ampliado así, el radio de acción del hombre causando el efecto llamado progreso en en todas sus manifestaciones, en su cultura. Y ¿Por qué ahora miramos atrás?; ¿Por qué surge un arte aparentemente emergente que evoca a lo autoctono, a lo caracteristico de un territorio, si este ya no es real?. Hablamos de la busquedad de la identidad propia. ¿Por qué esa necesidad?; ¿Siempre ha existido este fenómeno?; ¿Qué problemas se incrementan en el contesto social actual?; ¿Cómo influyen los sistemas nacionales en la aparición de este sentimiento de busquedad?; ¿Cómo crean los artístas estas obras?; ¿Por qué?. El objetivo es responder estas preguntas, a la vez, que se crean otras. Como Malévich soñaba con iconos modernos capaces de aglutinar lo sagrado sin necesidad de mostrar en ellos las figuras sagradas y con ello revivir en el arte contemporaneo la llamada de la espiritualidad eslava. Oteiza, más arriesgado realiza un salto mortal y retrotrae sus referencias al paleolitico, ascentral supervisión espiritual a los crómlech, círculos de piedas de la prehistoria vasca.
- Segundo objetivo: Definir los terminos que evocan el fenomeno de la producción artística que estable un guiño a conceptos que pueden producir cercania o confusos en su utilización como escusa creadora como son: el folklore, arte popular, arte del pueblo, primitivo, atáviico, ancestro, mito, antiguo, tradicional, local, territorial, regional y lo nacional. Estableciendo así unas pautas de analisis para las futuras y diferentes obras reales a estudiar. Con el hecho de clarificar, diferenciar y establecer fronteras que estarian en la fragilidad de trasparse unas a las otras. Y talvez llegar a descarta temas, a la vez acotar la distancia de los vertices del cubo que encieran los intereses de este analisis.
- Tercer objetivo: Busqueda y analisis de ejemplos reales en el panorama artístico actual vasco. Como por ejemplo el Irrintzi (2007) de Itziar Okariz para exposición “Chacun à son goût” con motivo del 10 aniversario del Gugemhheim, Bilbao. Acción documentada en video en el que la artísta se desplaza por los espacios del Museo lanzando irrintzis, un grito ancestral vasco o el concierto Ornitorrinkus que ofrecio la bertsolari Maialen Lujanbio junto a la saxofonista Judith Montero y el artísta sonoro Xabier Erkicia en amatauTV el pasado junio 2007, dentro de la del marco de Periferiak. Una fusión entre música de hoy día, el bertso y la electrónica. Que podría entenderse como una obra dentro de la categoria de arte-sonoro.
Artístas actuales que provienen del mundo de las Artes Plásticas o del mundo del Folklore, o de ambos como es el caso de la bersolari Lujanbio licenciada en Bellas Artes. Realizando así, entrevistas personales a estos personajes y organizando encuentros de debates entre ellos. Analizar sus trabajos desde su origen, forma y contexto de exposición. A la vez de buscar las caracteristicas esenciales de esos códigos paganos que reutilizan, con ayuda de folklorologos especializados en el tema y determinar si estas piezas son solo un supuesto guiño al pasado o una evolución de este en otros espacios de difusión. Es decir, cuestionar la hipotesis de que el folklore vive y evoluciona y se expone en galerias y museos. Hablariamos pues, de un “neofolklore plástico o audiovisula” que crece en su amplio territorio global. Como se a podido catalogar anteriormente a la musica de fusión dentro del panorama musical. Pero sin una intención de catalogar obras de caracter común, solo de analzar un fenomeno como tal.
Mi proyecto lo basare en Internet como nuevo lenguaje, su rápida adaptación artística y como este soporte hipermedia a dado lugar a un nuevo camino el cual ya tiene hasta su propio periodo heroico pero como aun por hoy esta por explotar ya que creo que esto solo es el comienzo, aunque me gustaría profundizar sobre como se juega en la red con lo real hasta que punto llevan al limite una ficción para hacer creer a la masa de una realidad que solo existe entre ceros y unos, la gente no se para a juzgar la información que recogen de Internet directamente la asimilan como reales y igual que la televisión pero siendo este medio el de la web menos riguroso que el anterior, mas que nunca vivimos en una cultura de la información pero la abrumadora cantidad no esta convirtiendo en unos nuevos analfabetos productos de la tecnociencia no sabemos o no queremos ver entre la verdad y la mentira, esto ya se combate con el arte pero se hace de un modo consciente o es simplemente un acto gamberro, es aquí donde quiero profundizar ya que Internet es un vasto universo que no creo que pueda abarcar sin buscar dentro del mismo un tema concreto.
para estrenarme unos comentarios sobre la belleza, pa kitar er mierdo al colgarme,
”lo bello es el comienzo de lo terrible que todavía podemos soportar” ( Rilke Maria Rilke)
”No hay nada más condicionado e incluso más limitado que nuestro sentido de la belleza. Quien trate de concebirla al margen del placer que un hombre produce a otro, sentirá que no pisa tierra firma. “Lo bello en sí” no es más que una expresión, ni siquiera es una idea. En lo bello, el hombre se toma a sí mismo como medida de perfección…el hombre cree que el mundo está rebosante de belleza y olvida que él es la causa de ella ” (F.Nietzsche El ocaso de los ídolos)
¿será posible ayudarles a ver aquello que es mas bello, a llegar a aquella actividad espiritual que el verdadero arte despierta en las personas? Andrei tarkovski (esculpir en el tiempo)
Hola clase, primero mil esker a todos por el "zorionak zuri" de bienvenida y el exito del bizkotxo del Eroski del pasado dia...
Y ahora más cosas...
Hipotesis metodológica del proyeco de tesis:
Se indica a continuación el plan de trabajo que se llevara a cabo, detallado por años. Además de estas actividades anuales, hay otras actividades (por ejemplo, la adquisición de libros, participación en seminarios, festivales con estrecha correlación a la materia a estudiar).
Además de llevar un equidistante apoyo e intercambio de criterios con Juan Mari Beltran Argiñena, Director de Herri Musikaren Txokoa, Museo instrumentos musicales y centro de documentación sobre el folklore; Profesor de Txalaparta, Alboka, Dultzaina y Txistu en el Conservatorio Municipal de Musica de Hernani y participante en organización la de Sociedad de Estudios Vascos, en la seción de folklore.
.Año I: Desarrollo de los sujetos de estudio, variables, recogida y análisis de datos, dificultades y examen de estas referencia, obstaculos y limitaciones. Respecto al primer objetivo a tratar: La construción de Identidad dentro de la creación artistica actual. Realizando una batida de antecedentes y paralelamente tomar axulio al campo de la sociología de mano de las recomendaciónes y sugerencia del codirector especializado... (Estoy en busqueda de encontrarlo)
Año II:
Definición de conceptos expuestos en el segundo objetivo. Clasificaión de los diversos niveles que se interrrelacionan en esta esfera. Concluyendo en la construcción de un esquema de análisis, con proposito a llevar en practica sobre el arte vasco emergente que cosntruye tomando alegorias de su pasado. Analizar así, los factoras que determinan el mismo: el medio, el código, el mensaje, el contexto y los destinatarios.
Y así, realizar diversas entrevistas, a partir de una selección previa a artístas, folkloricos, bersoralis que realizan obras con claves relacionadas en las cuestiones citadas anteriormente. Las entrevistas irían encamindas a entresacar la máxima información sobre los temas que son pertinentes, como por ejemplo: arte vasco, arte popular, espresión plástica, estilo vasco individual, estética vasca, cultura vasca, cultura popular, claves culturales, historia vasca, etnia, religión, política e ideología, simbolos y simbolismos, historia personal por medio de las historias de vida, arte y antropología, la circulación de las obras y mercado, códigos artísticos personales y culturales, etcétera.
Año III y IV:
Organización de grupos de debates con los personajes entrevistados anteriormente, junto con invitados cercanos o no a la materia, que puedan posicionar sobre la mesa ideas diversas. La idea es presentar estos eventos para su inclusión dentro de las actividades que propone Arteleku, Centro público de arte dependiente de la Diputación Foral de Gipuzkoa.
Con toda la documentación generada en estas jornadas poder crear espacios de difusión y constaciá de esto. Como por ejemplo: publicaciónes, videos, creación de una web, etcétera. Llegando finalmente al aparto de conclusiones tomadas, revisionando los diferentes fases llevadas a cabo.
Paralelamente a todo este trabajo, desde la practica, seguire desarrollando mi obra plástica - audiovisual, que desde en el 2003, año en que me viene a vivir al País Vasco. Esperiencia que hizo cuestinarme, por primera vez, la pregunta universal ¿De dónde soy?. Siendo procedente de un pueblo (una burbuja en Andalucia) cosmopolita y desarraigado de sus tradiciones como es Marbella. Desde entonces la identidad y elogios al folklore han marcado gran mayoria de mi trabajo plástico/audiovisual. Los proyectos como “Erase una vez una malagueña en el País Vasco”, “Txala-hall”, “Soy una gitana”, “¿Cuál es mi bandera?”, “Mesedez, cantame un bertso”. Claros ejemplos para este estudio. Y a su vez siendo parte de ellos culpables del surgimiento de la idea de realizar una tesis. En la realización de estos proyectos he utilizado variedad de elementos tradiccionales de norte y sur. Tomando comportamientos tales como: el de una turista que quiere ser autoctona de un territorio que visita por un tiempo, como capricho para conocer lo ajeno y crecer con ello. Entremezclando sin perjucio elementos dispares. Talvez, queriendo tomar la idea del arte como salvación y lenguaje universal entre la diversidad cultural y lo que cada una de ellas arrastra. Como son la andaluza y la vasca en el contexto actual. Y tras el trascurso de este estudio, encontrar llaves para seguir abriendo puertas y ventanas en la evolución de mi trabajo creativo.
Bueno como ya e comentado alguna vez, el tema que yo he elegido para la investigación es lo precario, lo precario como manera y concepto de construcción. a ver si con esta definición hecha por mi os aclaro algo: Estado en el que el objeto contiene en sí mismo la potencia de la constante transformación. y de paso cuelgo un video que para mi es un ejemplo de prekario TOTAL. joe le voy cogiendo gusto a esto, jeejjeej
Kaixo a tod@s! Aqui estoy intentando ordenando ideas como si fueran las piezas de un puzzle totalmente blanco. Ahí va una proyección del contenedor de ideas, del cual puedo obtener puntos estratégicos para la elaboración de un proyecto de investigación. Primero, empiezo por concretar tres ideas importantes (tema, lugar y espacio): Tema: Universidad Infantil Piloto de Elorrio, punto de partida para formar una nueva sociedad. Lugar: Elorrio (Bizkaia) 1964 +- (Este dato y fecha es orientativo) Espacio: un lugar de enseñanza, de juego, de tradición, de cultura, de preocupaciones.
A continuación propongo un guión para la próxima investigación de cada punto:
1.-Analisis de una época 1.1-Calidad de la educación/Nivel cultural 1.2-Busqueda de identidad/Identidad perdida 2.-Como crear personas 2.1-Una misión pedagógica 2.1.1-Cooperativa Funcor / Funcor Ikastetxea. 2.2-Laboratorios de educación estética 2.2.1-Método Freinet 2.3-Una derrota frente a un laboratorio de sensibilidad: IKERTZE. 3.-A dia de hoy, entrevistas a: * Zuriñe Adrada (Directora de Ikertze) * Sistiaga y Ferrer (Profesores de la Escuela) * Andoni Esparza (Gerente de Funcor) * Itziar Eguren (Alumna de la Escuela)
4.- Una propuesta artística para el siglo XXI. (Este punto llevaría acabo una investigación sobre la efectividad y la metodología anteriormente citada en el punto 2.2.1. y 2.3)(Tendria que tener en cuenta en que se basa el factor de efectividad) eli
Kaixo a tod@s!SOY ELI Aqui estoy intentando ordenar ideas como si fueran las piezas de un puzzle totalmente blanco. Ahí va una proyección del contenedor de ideas, del cual espero obtener puntos estratégicos para la elaboración de un proyecto de investigación. Primero, empiezo por concretar tres ideas importantes (tema, lugar y espacio): Tema: Universidad Infantil Piloto de Elorrio, punto de partida para formar una nueva sociedad.
Lugar: Elorrio (Bizkaia) 1964 +- (Este dato y fecha es orientativo)
Espacio: un lugar de enseñanza, de juego, de tradición, de cultura, de preocupaciones.
A continuación propongo un guión para la próxima investigación de cada punto:
1.-Analisis de una época
1.1-Calidad de la educación/Nivel cultural
1.2-Busqueda de identidad/Identidad perdida
2.-Como crear personas
2.1-Una misión pedagógica
2.1.1-Cooperativa Funcor / Funcor Ikastetxea.
2.2-Laboratorios de educación estética
2.2.1-Método Freinet
2.3-Una derrota frente a un laboratorio de sensibilidad: IKERTZE.
3.-A dia de hoy, entrevistas a:
* Zuriñe Adrada (Directora de Ikertze)
* Sistiaga y Ferrer (Profesores de la Escuela)
* Andoni Esparza (Gerente de Funcor)
* Itziar Eguren (Alumna de la Escuela)
4.- Una propuesta artística para el siglo XXI. (Este punto llevaría acabo una investigación sobre la efectividad y la metodologia anteriormente citada en el punto 2.2.1. y 2.3)(Tendria que tener en cuenta en que se basa el factor de efectividad)
Después de esto me quedo con mi gripe y espero escuchar vuestros comentarios pronto.
Siguiendo una objetividad metódica, se distinguirán 3 tipos de utilización de un fondo pintado en el audiovisual:
a) Como herramienta técnica de acercamiento a la realidad, efecto especial, funcional no elegido para significar más allá de su representación/cita a un espacio, no hay una conciencia de “lo pintado”, de la pintura como algo plano, es como útil en ese momento, sin nada más.. Ej: “7 novias para 7 hermanos” de Stanley Donen, “Cleopatra” de DeMille, “Viaje a la luna” de Mélies, etc.
b) Como elemento expresionista, utilizándolo como pintura que significa, ayuda a la psicología de la narración de la película, como otro plano de lectura psicológico que expresa. Ej: “El gabinete del Dr. Caligari” de Wiener, Fritz Lang, Hitchcock, etc.
c) Como elemento metalingüítico, como lo que es “un fondo pintado en una película”, objetividad en el propio soporte narrativo, cine acerca del cine. Ej: Eric Rohmer, Godard, etc.
Cuestiones: - ¿Qué papel juega lo verosímil en los 3 tipos citados anteriormente? - Búsqueda del aspecto real en la ficción cinematográfica. - La impresión de “muro físico” en una imagen/escena con un fondo pintado.
¿Qué desprende una escena con fondo pintado? ¿Qué significa más allá de la verosimilitud dentro del medio cinematográfico narrativo?
Una pintura plana representando un espacio dentro de una narración cinematográfica.
Hola, Mirar lo que responde el Maestro sobre el Aura, y creo que no se refiere al de Walter Benjamin. www.saurayi.com/escuela_saurayi/vision-acceso-libre/respuestas-claves/33_sonia7.htm
JEAN PIERRE KLEIN Y EVA BONET, ARTETERAPEUTAS «Podemos afrontar la locura, cualquier enfermedad, a través del arte»
JEAN PIERRE KLEIN
EVA BONET Impulsor de la Arteterapia, el francés Jean Pierre Klein dirige en París el Instituto Nacional de Expresión, Creación Arte y Transformación (INECAT). Psiquiatra honorario de hospitales y autor y director de teatro, preside la Organización Internacional de Terapias y Mediación (FITRAM) en Estrasburgo. Licenciada en Arte e Historia y discípula de Klein, coordina en Barcelona la formación en arteterapia de la Asociación para la Expresión y la Comunicación (AEC). Colabora con el programa 'El Museo, espacio común de integración' para usuarios de centros de salud mental en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.
La llaman arteterapia y es una nueva forma de tratamiento psicológico que se vale del pequeño artista que llevamos dentro para superar el sufrimiento. Sus defensores dicen que vale lo mismo para un roto que para un descosido. Es la Purga Benito. Permite afrontar lo mismo el dolor físico, que el psíquico, afrontar los males del alma y superar los obstáculos y trampas que la vida va poniendo en el camino. El Museo Guggenheim celebra estos días unas encuentros sobre arte y cultura bajo el sugerente título de 'Arte y Creatividad: reflejos de la mente', dentro de los cursos de verano de la UPV. Los reconocidos terapeutas Jean Pierre Klein y Eva Bonet hablaron ayer sobre arteterapia.
-Arteterapia. ¿De qué hablamos?
-Jean Pierre Klein: Es un acompañamiento a las personas que sufren a través de su producción artística. No organizamos espectáculos, sino que les invitamos a liberarse a través del desarrollo de sus propias capacidades para el teatro, la danza, la música, la pintura, la escritura... Está dirigido tanto a personas con dificultades psíquicas como psicológicas, sociales, físicas, de desarrollo personal.
-Mano de santo! Vale para todo.
-Eva Bonet: Puede valer, sí.
-Seamos prácticos. Sufro depresión, ¿qué me ofrece la arteterapia frente a un terapeuta tradicional?
-Klein: No buscamos la causa de tu depresión, sino proponerte, por ejemplo, ser el autor de un cuadro que quedará impregnado de tus problemas. Si trabajas con ese lienzo, trabajarás sobre ti mismo.
-Bonet: No metemos el dedo en la llaga, no buscamos el dolor de la persona, ni interpretamos lo que sucede. Hacemos, más bien, una estrategia de rodeo, de circunvalación, para que el paciente se encuentre con las formas que salen de sus dolores.
-Entiendo que, tarde o temprano, intervendrán como terapeutas...
-Klein: Sólo de manera indirecta.
-Bonet: Lo que importa es el proceso de transformación que se da en la creación.
-¿Disfrutar de un paseo por el Guggenheim puede servirme para iniciar ese camino o a la fuerza tengo que desarrollar una destreza?
-Bonet: Puede servir. El arte ha servido a la sociedad como terapia desde el principio de la Humanidad. El hombre de las cavernas pintaba para llamar a la caza, a la fertilidad. Ese, de hecho, es el comienzo de la Arteterapia. Actualmente, existen experiencias puntuales en los museos. Yo participo en una de ellas.
-¿Y en qué consisten?
-Bonet: Acompaño a usuarios de centros de día de salud mental en un museo de Barcelona. Desde la observación, proponemos la organización de talleres. Utilizamos la obra expuesta como pretexto para que la persona pueda tocar su interioridad, de entrada, sin dolor.
-Klein: He acompañado a un niño víctima de abusos sexuales en ese proceso a través de la invención de diálogos con marionetas. En sus invenciones había una violencia terrible, con brujas y dragones. Ese era el modo en que él ponía en la ficción la violencia que sentía dentro. Poco a poco, el niño se liberó de sus traumas.
Sobre Van Gogh y Dalí
-¿En qué se diferencia la obra del paciente que quiere superar una ruptura de pareja del que trata de vencer la muerte de un hijo?
-Bonet: Yo veo tu dibujo, tu pintura, tu danza y puedo interpretar lo que pasa, pero para nosotros eso no es importante. Lo que cuentan son las diferencias que se dan en tu trabajo durante el proceso de maduración de la persona. Nosotros les acompañamos en esas revelaciones, le empujamos a evolucionar en la obra.
-¿Cómo se da entonces el salto entre pintar un cuadro y otro más y comenzar a profundizar en aquello que realmente hace daño al paciente?
-Klein: Poco a poco. Siempre hay un primer momento de contacto, un pequeña expresión, luego un momento de interioridad.
-Entonces, ¿recomiendan pintar a quien cree que no pinta nada?
-Klein: ¿Exacto! Recomendamos el desarrollo del arte en el que tú tengas unas técnicas más desarrolladas. La persona se vale de sus propias capacidades.
-Si uno piensa en artistas como Van Gogh o Dalí diría que el arte no les ayudó mucho a sanar...
-Klein: Hay dos maneras de interpretar la obra de Van Gogh y Dalí. Uno puede adivinar en sus pinturas la depresión o la esquizofrenía que podían padecer. La que nos interesa a nosotros, la arteterapia, sería la de ver la manera en que ambos trataron de superar su locura a través del arte.
-¿Dónde está el límite entre la genialidad y la locura?
-Bonet: La potencia de construcción sanadora que tiene el arte es también potencia de destrucción. Todo depende del sentido en que aproveches esa potencia. En el espacio terapéutico vive la idea de crecimiento personal y una evolución positiva hacia la sanación, no hacia la destrucción.
-¿Cómo hacen para que el paciente elija la disciplina artística que mejor pueda irle o le resulte más eficaz?
-Bonet: Le inducimos desde una escucha sutil. Con los niños utilizo material muy diverso y luego veo hacia donde va...
-...Con los niños puede ser más fácil, pero con los mayores, ¿qué hace cuando le dicen 'perdone pero es que yo no toco ningún instrumento, apenas sé dibujar...'?
-Bonet: Tiene razón... También trabajamos en proyectos sociales, en las cárceles, barrios conflictivos, con personas mayores...
-¿Y qué hacen?
-Bonet: Es mejor descubrirlo y sorprenderte. Siempre puedes encontrar un soporte. Por ejemplo, un espacio de plástica, donde haya material para poner tu mano de pintura sobre un papel y a partir de ahí ir cogiendo poco a poco otros materiales, añadiendo y construyendo.
-Eso me recuerda a la película 'Ghost' ('Fantasma')...
-Bonet: Ja, ja. Si tienes una incapacidad tremenda y te niegas totalmente, siempre tenemos pretextos para darte y llevarte hacia la creación de algo.
-¿Un pretexto?
-Bonet: Sí, un relato, una historia, una imagen que pueda darte pie a localizar un sufrimiento, a romper con el miedo al papel en blanco; una imagen, un cuento.
-Klein: Trabajas sobre ti mismo sin decirlo expresamente. Oscar Wilde escribió 'Dadle una máscara y os dirá la verdad'. La arteterapia es el arte de la máscara.
Digestión de emociones
-¿Pueden reconocer el estado de ánimo de sus pacientes sólo con ver los colores con que visten?
-Bonet: El color está asociado a múltiples experiencias que se viven desde que eres pequeño. Tradicionalmente se relaciona el rojo con la vitalidad; el negro con el duelo, pero eso es cultural. En realidad, tú no sabes qué le ha ocurrido a esa persona en relación con ese color.
-¿El artista vacía su interior ante una obra?
-Bonet: Más que vaciarse, uno siempre está buscando. Más bien creo que uno digiere. Yo asimilo el proceso de creación artística a un proceso de digestión de emociones y vivencias. Uno digiere para poder nutrirse y metabolizar después. En ese proceso de discriminación entre lo que te sirve y lo que no, uno comienza a construirse. Comienza la búsqueda.
-He leído que las personas más felices no se sienten atraídas por la creación. ¿Lo creen así?
-Klein: Creo que cuando uno se siente más autor en el campo artístico se vuelve también un poco más autor en su vida.
-Bonet: El acto de crear es inherente a la vida. Quizá una persona muy feliz no se plantee todo esto como un proceso de creación, pero seguramente, en un aspecto o en otro de su vida, está creando. Aunque no lo sepa, está creando su propia vida feliz.
www.cepvi.com/articulos/arte.htm
El arte como terapia
Autora: Ana Muñoz, psicóloga, directora de Cepvi.com Introducción En muchas ocasiones es muy difícil o demasiado doloroso comunicar con palabras determinados conflictos, sentimientos o traumas del pasado. Otras veces no se encuentran las palabras apropiadas; quizás se trate de un estado interno desagradable, una angustia que no se sabe con certeza de dónde viene, una sensación de desasosiego, de insatisfacción, temor, incertidumbre... o una amalgama de sentimientos confusos cuya expresión resulta sumamente complicada. Pero es muy difícil llegar a sanar esas viejas "heridas del alma" si se mantienen ocultas, sin prestarles atención, tratando de correr un tupido velo sobre ellas. Cualquier conflicto de tipo psicológico sólo puede resolverse de forma efectiva trabajando en él, sacando por completo a la conciencia sus aspectos más escondidos y dolorosos; los mismos que quedan atrapados en algún lugar de nuestra mente luchando por salir mientras gastamos una gran cantidad de energía en mantenerlos a raya para no saber nada de ellos ni del dolor que pueden llegar a provocar. Sin embargo, esto apenas se consigue, pues esos contenidos que necesitan ser elaborados aparecen cada vez que tienen ocasión, a través de los sueños, en las pesadillas, en problemas físicos como dolores, cansancio o tantos otros, o en forma de una sensación de malestar casi inefable. Pero no es aconsejable empujar a una persona a tratar dichos conflictos o traumas si no se siente preparada, así como tampoco es aconsejable provocarle un sufrimiento innecesario al hacerle recordar acontecimientos tan dolorosos. ¿Qué hacer, entonces, en estos casos? A veces el tiempo es suficiente para conseguir la fuerza necesaria para empezar a hacer frente a los problemas, pero en otras ocasiones podemos recurrir a una forma más suave y sencilla de hacerlo: el arte. El ser humano ha usado el arte como modo de expresión antes incluso de que apareciera el lenguaje verbal. Los chamanes de antiguas culturas africanas y americanas lo han utilizado en rituales de curación y los psicoterapeutas han visto el proceso artístico como una forma de expresar sentimientos y conflictos internos. La Asociación Americana de Terapia Artística la define como "una profesión que utiliza el arte, las imágenes, el proceso creativo y las respuestas del paciente/cliente ante sus creaciones como reflejos del desarrollo, habilidades, personalidad, intereses, preocupaciones y conflictos del individuo". Su práctica se basa en el conocimiento de las técnicas psicológicas y se trata de un modo de "reconciliar problemas emocionales, fomentar la autoconciencia, desarrollar habilidades sociales, manejar conductas, resolver problemas, reducir la ansiedad, ayudar a orientarse hacia la realidad e incrementar la autoestima".
El arte supone una forma fácil y cómoda de bucear en el interior de nuestra psique, sacar los conflictos al exterior y manejarlos de un modo indirecto, transformándolos de manera creativa. Pero no son sólo los artistas los que pueden valerse de esta valiosa herramienta terapéutica. Todos tenemos la capacidad de crear, lo único que tenemos que hacer es encontrar la forma más apropiada para cada uno. No se trata de hacer una genial obra de arte, ni de atenerse a determinadas reglas o normas a la hora de hacer las cosas, y tampoco es necesario que guste a los demás. Lo que importa es el simple hecho de crear, y sobre todo, de hacerlo con sinceridad, dejando que afloren nuestros sentimientos y emociones, que nuestra creación tenga significado y contenido y sea un reflejo de lo que está sucediendo en nuestro interior. Se pueden usar formas abstractas, líneas, colores, recortes para hacer colages, arcilla, plastilina, escritura, decoración del hogar, poesía, pintar, dibujar, esculpir o cualquier otra cosa que resulte agradable de hacer e implique algún tipo de proceso creativo. Dos formas de terapia artística Existen dos maneras de hacer este tipo de terapia: libre y estructurada. La primera consiste en dejarnos llevar y crear lo primero que aparezca en nuestra mente, sin saber si quiera qué es lo que estamos haciendo hasta que lo hemos terminado. En este caso lo que hacemos es abrir las puertas de nuestro subconsciente y dejar que afloren sus contenidos a la conciencia. También sirve para incrementar la expresión de la creatividad. En la terapia estructurada el terapeuta le pide al paciente que haga un trabajo determinado o utilice materiales específicos, con el fin de trabajar ciertos aspectos de la problemática del individuo en cuestión o de profundizar más en ellos. Puede pedirle, por ejemplo, que haga varias máscaras que reflejen diversas facetas de su personalidad; que dibuje los sentimientos que experimenta ante una determinada enfermedad, un recuerdo importante, la propia familia, etc. El doctor Siegel, por ejemplo, le pide a sus pacientes enfermos de cáncer que creen imágenes relacionadas con su tratamiento para descubrir de este modo cuáles son sus creencias acerca de la terapia y cómo están afectando a los resultados. Un grupo de alumnos de un taller de terapia artística de Estados Unidos llamado RAW, crean, a instancias del terapeuta, un gran cuenco con papel de aluminio. Después, les pide que metan dentro todas sus dudas, miedos, inseguridades y problemas. Luego colocan todos los cuencos en el suelo y cuando el terapeuta da la señal saltan sobre ellos y los pisotean hasta destruirlos por completo. Una vez creada la obra, cuando ya hemos entrado en nuestro subconsciente y nos hemos traído algo de allí, es conveniente empezar a trabajar en ella de otra manera: observándola, analizándola, tratando de decir ahora con palabras lo que ya hemos dicho con imágenes y hacerlo del todo consciente en vez de dejarlo en ese lugar intermedio entre el consciente y el subconsciente en el que el arte suele situarse muchas veces. Es aquí donde la persona encargada de un taller de este tipo pasa de ser un profesor de dibujo, escultura, etc. para convertirse en el psicoterapeuta que nos guía y nos ayuda a movernos a través del complejo e intrincado mundo de nuestras imágenes y representaciones mentales. Sin embargo, no siempre es necesaria la ayuda de un terapeuta ni la interpretación o discusión del trabajo artístico. Muchos autores defienden la creación artística como curativa en sí misma. Los niños y adolescentes suelen usar el arte de forma espontánea. Antes de aprender a hablar correctamente, un niño puede estar transmitiendo mucha información acerca de sus estados internos mediante los dibujos que realiza. Y los adolescentes pueden servirse del arte para superar esa difícil etapa en la que están descubriendo y construyendo su propia identidad. Al llegar a la edad adulta, sin embargo, sumergidos por completo en un mundo de obligaciones, horarios y responsabilidades, no es extraño que muchas personas dejen de lado completamente cualquier tipo de actividad creativa, viéndose así privados de una importante válvula de escape. ¿Cómo cura el arte? El arte no sólo sirve para tratar problemas emocionales, sino que también ha resultado eficaz como ayuda en el tratamiento de diversas enfermedades físicas. Se ha utilizado, por ejemplo, en casos de SIDA, cáncer, traumas, separación, duelo, adicciones, retos emocionales y físicos, enfermedad mental, autismo, etc. Según los estudios realizados, el arte afecta al sistema nervioso autónomo, al equilibrio hormonal y a los neurotransmisores cerebrales. Se produce un cambio en la actitud, el estado emocional y la percepción del dolor, consiguiendo llevar a una persona desde un estado de estrés a otro de relajación y creatividad. Nos conecta con la parte más profunda de nuestra psique, donde reside el poder curativo que todos poseemos. El autista, por ejemplo, encuentra en el arte un modo indirecto de interaccionar con el terapeuta y de comunicarse. Su creación es la grieta a través de la cual el terapeuta logra alcanzar el solitario mundo del autista, quien se siente seguro en el marco de la terapia artística: un lugar donde todo es predecible y las fronteras estás bien establecidas. Este tipo de terapia les ayuda a explorar el espacio y a desarrollar diferentes formas de representación; potencia la comunicación y les ayuda a dar forma y sentido a sus experiencias. No pasado: Otras arte-terapias que no sean las propias de las bellas artes Música y baile. Posiblemente, una de las terapias más antiguas sea la danza. Los integrantes de las antiguas tribus creían en la existencia de un espíritu curativo que podía ser liberado del interior de una persona mediante la creatividad y la música. Al anochecer, los miembros de la tribu bailaban libremente alrededor del fuego, al ritmo monótono de los tambores, dejando que su cuerpo se moviese por sí solo hasta tal punto que podían desconectarse por completo y llegar a caer en un estado de trance o meditación. Más tarde, se combinó la música y el baile con una historia que contar y desde entonces el mundo entero ha bailado y cantado su alegría o su dolor y ha enfrentado sus temores a través del lenguaje de su cuerpo. El baile juega un papel muy importante en la sanación en muchos lugares de Africa. Las mujeres practicantes de la religión bori que sufren algún tipo de enfermedad mental son llevadas a una capilla donde aprenden, durante tres meses, una ceremonia de curación que implica la danza y la canción. Probablemente, este proceso de aprendizaje es tan importante como la ceremonia misma. Muchos terapeutas que utilizan el baile como una forma de sanación hablan de la importancia de concebir nuestro cuerpo y nuestra mente como una unidad, de ponernos en contacto con nuestro cuerpo y escuchar lo que tiene que decirnos en vez de tratar de dominarlo y controlarlo para arrancar la enfermedad de él. El baile es el lenguaje del cuerpo y al utilizarlo conscientemente estamos creando una comunicación entre la mente y el cuerpo. La danza meditativa, por ejemplo, consiste en que la persona que lo practica se mueva al ritmo de la música o en silencio, con los ojos cerrados, consciente sólo de su respiración y su movimiento, mientras utiliza sus manos y sus brazos como pinceles que van pintando el espacio en el que se mueve lentamente, sin esfuerzo y sin violencia, sin ninguna intención excepto el placer de sentir el propio cuerpo, sin ser apenas consciente del proceso curativo que puede estar teniendo lugar en su interior. En cuanto a los instrumentos, probablemente los más ampliamente utilizados dentro de este tipo de terapia sean los de percusión. En el antiguo Egipto, estos instrumentos eran considerados poseedores de un poder espiritual capaz de influenciar y transformar la conciencia y, por tanto, la realidad. Se utilizaban en los ritos religiosos egipcios para abrir el corazón a los dioses (las palabras corazón y mente se utilizaban indistintamente para indicar la conciencia), generalmente tocados por sacerdotisas. El didjiridoo es un cuerno aborigen que parece ser la más efectiva de las terapias vibracionales. El tambor es capaz de producir una disminución de las ondas cerebrales, que se vuelven más amplias y lentas, induciendo, por tanto, un estado de relajación y calma. Los cuencos tibetanos, formados por metales semipreciosos, producen un sonido asombroso y fascinante. Entre los que mejor conocen los efectos terapéuticos del sonido se encuentran los gatos, hasta el punto de haber conseguido la merecida fama de tener siete vidas. El ronroneo ayuda a que sus huesos y órganos sanen más rápidamente, lo que explica que sean capaces de sobrevivir a caídas desde muchos metros de altura. Un estudio realizado con 132 gatos mostró que el 90% sobrevive a una caída desde un edificio de 5,5 planas por término medio. Uno de ellos sobrevivió a una caída de 45 pisos. El sonido producido por el ronroneo de los gatos oscila entre 27 y 44 hercios. La exposición a frecuencias similares se ha visto que mejora también la densidad ósea en humanos. Algunos científicos están investigando para comprobar si un tratamiento basado en el sonido sería capaz de detener la osteoporosis e incluso renovar el crecimiento óseo en mujeres posmenopáusicas. Según el doctor David Purdie, del centro de enfermedades óseas metabólicas en la universidad de Hull, el esqueleto humano necesita estimulación o empieza a perder calcio y debilitarse. El ronroneo podría ser el modo en que los gatos proporcionan esa estimulación a sus huesos. Añade que es difícil idear ejercicios físicos para gente mayor que sufre de osteoporosis pero que tal vez sería posible usar un mecanismo que utilizara el ronroneo del gato para fortalecer sus huesos. Escritura Escribir es también una forma creativa de mantener a raya el estrés de la vida diaria y una ayuda a la hora de resolver problemas emocionales o físicos, como pudo demostrar un grupo de investigadores de la Universidad Estatal de Nueva York en un estudio realizado con enfermos de asma y artritis reumatoide a quienes se pidió que escribieran sobre un acontecimiento estresante. Incluso cuatro meses después de haber realizado el ejercicio sus síntomas físicos mostraban una mejoría clínica relevante. Los investigadores no pudieron descubrir la forma en que la escritura es capaz de producir este tipo de efectos. Sin embargo, son muchos los que defienden la estrecha relación existente entre mente y cuerpo, entre alteración emocional y enfermedad física, por lo que no resultan tan extraños estos resultados. Escribir sobre un determinado problema es una forma de trabajar en él, asimilarlo, descubrir nuevos aspectos que se nos habían escapado y sacarlo al exterior, de forma que podemos hacerlo más objetivo, mirarlo desde fuera (algo que podemos realizar también con cualquier otro tipo de expresión artística). Pero esta no es la única forma de utilizar la escritura como terapia. La poesía, los relatos, los cuentos, las novelas... constituyen también una forma efectiva de hurgar en el subconsciente y sacar de allí historias que son en realidad narraciones sobre nosotros mismos o el mundo que nos rodea. Crear un personaje que vive una determinada situación y expresa unos sentimientos concretos de una manera particular, puede ayudar al escritor a comprenderlos y manejarlos, tanto si le pertenecen como si pertenecen a otras personas de su entorno. ¿Por qué nuestro protagonista reacciona de un forma determinada? ¿Por qué se comporta de esa manera? ¿Por qué se siente así? El escritor sabe responder a estas preguntas. Por este motivo, mientras escribe está profundizando en el alma humana y también en la suya. Convertir las distintas facetas de nuestra personalidad en personajes de un relato o novela, por ejemplo, constituye una buena forma de conocerlas mejor y de integrarlas. Las historias que han escrito los demás pueden tener también un efecto muy positivo en el lector. La doctora Clarissa Pinkola Estés, autora de Mujeres que Corren con los Lobos, utiliza el relato como terapia. A través de cuentos de hadas, mitos y leyendas trata de hacer aflorar a la conciencia la parte de nosotros que guarda nuestra verdadera esencia; eso que ella, en su trabajo con las mujeres, llama la Mujer Salvaje. "Los cuentos son una medicina. Tienen un poder extraordinario. No exigen que hagamos, seamos o pongamos en práctica algo; basta con que escuchemos. Los cuentos engendran emociones, tristeza, preguntas, anhelos y comprensiones que hacen aflorar espontáneamente a la superficie el arquetipo; en este caso, la Mujer Salvaje". Según ella, los antiguos cuentos de hadas, sobre todo en su forma original, contienen instrucciones que nos ayudan a enfrentarnos y superar determinados problemas que el ser humano experimenta de forma universal, como aquellos relacionados con la muerte, el amor, el sexo, la transformación, el nacimiento, el duelo. La persona que lee un cuento que trata un tema relaciona con su problemática personal, siente al leerlo un estremecimiento que recorre todo su cuerpo, porque está leyendo su propia historia contada por otro. Del teatro al psicodrama. El psicodrama consiste en interpretar situaciones de la vida de una persona, expresando los sentimientos implicados en los problemas de su vida diaria. Su aparición se remonta a los años 20, cuando Jacob Moreno empezó a utilizar lo que él llamaba el drama sin ensayo, como una forma de arte más y sin pretensiones terapéuticas, hasta que una actriz con la que trabajaba le habló de ciertos problemas personales y se le ocurrió utilizar un juego de roles sin guión para resolverlos. Así fue cómo nació la dramatización espontánea de situaciones conflictivas o psicodrama, que se ha estado utilizando desde entonces en diversas corrientes psicoterapéuticas, principalmente en el contexto de terapia de grupo, donde los distintos miembros interpretan a las personas implicadas en la vida y conflictos de uno de ellos. Por ejemplo, uno de los participantes puede hablar a otro como si este último fuese su pareja, expresando de este modo sus sentimientos de una forma más efectiva que si solamente los narrase. También pueden ensayarse determinados comportamientos, como aprender a entablar una conversación con un desconocido, hacer valer nuestros derechos de forma efectiva, pedir una cita a alguien que nos atrae, etc. Representar lo que se quiere ser constituye una gran ayuda para llegar a serlo. Los miembros del grupo que no están actuando en ese momento constituyen el público e intervienen una vez terminada la representación, dando su opinión y aportando una buena dosis de objetividad al problema del paciente. Es importante que los actores sean espontáneos y que expresen sus sentimientos sin restricciones ni inhibiciones, algo que se ve facilitado por el contexto de terapia de grupo, en el que todos van a participar por igual. El terapeuta observa la escena mientras se representa y la detiene si piensa que el protagonista no está siendo espontáneo o los otros actores no han comprendido del todo a los personajes de la vida del protagonista que están representando. Por supuesto, de este modo podemos aprender a ser mejores, pero también podemos aprender comportamientos poco deseables. La adolescencia es quizás la etapa más vulnerable en este sentido, ya que el o la adolescente está buscando su propia identidad y necesita personas con quienes poder identificarse. La figura del héroe vengador y justiciero tiene un gran atractivo para los adolescentes y las señales que emite son muy contradictorias, ya que por un lado es un asesino cruel que mata con gran frialdad y sin arrepentimiento(a los "malos", por supuesto) y por otro aparece como el bueno de la película, el héroe al que todos aclaman. Por tanto, no es difícil conseguir que un adolescente si sienta atraído por él y el juego de roles constituye una buena forma de aprender su comportamiento. Saber cómo hacer algo, por supuesto, no implica que vayamos a hacerlo, pero siempre es más fácil hacer algo que hemos aprendido y ensayado que hacer algo que desconocemos, sobre todo si se trata de una persona con algún tipo de problema emocional. Algunas técnicas utilizadas en el psicodrama El doble. Otra persona imita al protagonista, a veces de forma exagerada o incluso actúa por él, sobre todo cuando el terapeuta considera que está teniendo problemas a la hora de expresar sus sentimientos o no se atreve a hacerlo. La tienda mágica. Se trata de una tienda en la que se venden valores y metas en la vida y se utiliza cuando el paciente no tiene claro cuáles son los suyos. Para comprarlos en la tienda mágica tendrá que entregar a cambio un aspecto de sí mismo que valore. De este modo puede darse cuenta de qué es lo que de verdad le importa. Inversión de roles. El protagonista y otro miembro del grupo intercambian los papeles. Esta técnica ayuda a ponerse en el lugar del otro, verse desde fuera y representar al otro como a uno le gustaría que se comportara. Técnica del espejo. El protagonista pasa a formar parte de la audiencia y otro ocupa su lugar en la representación, comportándose tal y como lo haría el protagonista o, a veces, exagerando. Representación de sueños. El paciente se tumba como si durmiera y los demás representan su sueño a su alrededor siguiendo sus instrucciones.
Vale la ultima parte se me ha colado; El segundo articulo que no pensaba ponerlo pero tampoco esta mal, lo unico a partir de cuando pone "otras terapias artisticas qu no sean de ls de bellas artes" como qu eno vine mucho a cuento. Es parte de la recogida de informacion que hice. Nos vemos!
Mi Proyecto consiste en investigar el tipo de comunicación que se establece entre la obra de arte y el sujeto que la observa. En clase hemos hablado de la distancia entre el artista y el público. Me parece interesante analizar este espacio que se impone ante ellos. Esta claro que tiene un nombre. En este caso y en la actualidad, uno propio: El Museo. Esta claro que la comunicación se debe establecer entre la obra, resultado de expectativas e inquietudes que maneja el artista, y quien se enfrenta a ella, el público. Son las obras prueba de esa expresión, y es a partir de ellas que intentará el público entender al artista o el mensaje que con ella trata de transmitir. Tenemos dos interlocutores y un espacio. Ese espacio esta delimitado por una premisa, “NO TOCAR”. Hoy en día y a medida que el arte cobra nuevas formas esta expresión quizá cae en desuso. Quizá el espacio se acorta y en el tacto se consigue que la teórica distancia no se haga práctica. Esta nueva tendencia cambia la forma de entender el arte de vitrina al que tanto nos habíamos acostumbrado, la obra entra en contacto directo con el público. La distancia, el espacio cambia. Los museos cambian.
Hablamos de “no tocar” porque no se puede, o porque no hace falta.
Esta son las ideas que han surgido a partir de las clases que hemos tenido. Creo que puede ser interesante analizar el papel de los museos, el papel de las galerías. La importancia de un dónde para entender un cómo.
Otras formas de comunicación, más directa y menos condicionada, menos manipulable.
Llegados a este punto, considero que debo hacer algunas reflexiones.
1º_ Sobre cómo la percepción de un objeto altera nuestra sensibilidad según Aristóteles:
-La escasez de excitante equivale prácticamente a una ausencia del objeto: el sentido no es puesto en movimiento, no es actualizado el órgano correspondiente. Por contrario el exceso de escitante daña el órgano sensorial, hasta el punto de poder ocasionar su destrucción.
-El acto por el que es movido nuestro sentido no desaparece de nosotros por la ausencia del objeto, sino que persiste en nosotros grabándose con fuerza "imagen fantasma".
-Todas las cualidades (cosas) producen una sensación sensible por su capacidad de excitar la sensación.
-La mente no conoce ningún objeto externo que esté desconectado de la sensación.
La teoría de Kant sobre lo bello.
-El enjuiciamiento de lo bello tiene por fundamento un "sentimiento o estado interno" producido por el objeto o por la representación, o asociado de algún modo a ésta.
-Lo bello place por que es bello, no es bello por que place.
-Lo agradable place en virtud de la sensación.
-El artista debe dominar los materiales con los que construye, mantener una destancia, independencia o superioridad con respecto a ellos, mientras el artista está cogido en sus materiales, no puede haber obra de arte.
-Lo agradable es fin porque complace. Lo bueno complace porque es fin. -Una belleza natural es una cosa bella. La belleza del arte es una representación bella de una cosa.
-Lo bello place en virtud de la representación, no en virtud de la existencia.
Hegel y la obra de arte.
-La belleza artística es superior a la naturaleza, pues lo bello del arte es la belleza nacida y renadida del espíritu.
Sobre el espacio, el tiempo y la siciedad.
-En Occidente el espacio y el tiempo se consideran dos nociones homogéneas. ¿Esta concepción es universal o no?
-Nuestra sociedad obedece a valores "simples".
-En materia de gestión individual (tratar a cada individuo), no sabe contar mas que uno y dos.
Bibliografía. Aristóteles, del sentido de lo sensible y de la memoria y el recuredo.
Descartes, raiz común. Estudio sobre la teoría Kantiana de lo bello.
Hegel, estética.
L` espace et le temps aujourd´hui.
Mi trabajo trata sobre el objeto 3d. Construir un objeto, moldearlo, darle forma con unas herramientas y conseguir que al final cobre vida es el objetivo a conseguir.
Mientras veía por la tarde ese magnifico programa emitido por Cuatro llamado Fama entre cabezadas (desde que dejaron de emitir "Al salir de clase" es el mejor programa para dormir la siesta) y babeos al ver la profesora de lírico, pensé que no se ha hecho ningún reality show de artistas plásticos, ¿Porque?, nuestros quehaceres diarios son un autentico coñazo para el resto del mundo o es que estamos lo suficientemente reconocidos y respetados socialmente que no quieren manchar nuestro noble nombre, creo que va ser la primera opción pues para la mayoría del populacho somos un grupo de pedantes y troleros que realizan gilipolleces que sus propios hijos podrían realizar y que encima se les paga un pastizal pero no a todos nos llueve estas criticas, pues hay unos grupos que se salvan en la quema, unos son los muy reconocidos y estimados artistas realistas que deslumbran al pueblo gracias a su capacidad de copiar la realidad hasta el extremo, estos artistas dan ala a ese pensamiento casi global que el arte realizado hace por lo menos 300 años esta mas cercano a su comprensión que el actual, no quiero tirar por tierra la obra de algunos artistas que utilizando su habilidad técnica y que realizan obras muy logradas pero hay otros como nuestro amigo Antonio Lopez o Eduardo Naranjo a los que llamaría para informarles de que se invento un aparatito que reproduce perfectamente la realidad (bueno ya sabemos de que aun asi no es real pero no quiero hablar de eso ahora) llamado "Cámara", ahora algún listo dirá pero pierde el trazo del autor ya que cada pintor tiene su propia marca, pero por favor no veis que estos hombres lo que pretenden es buscar el realismo hasta el punto de realizar una fotografía con pintura con lo que su mayor objetivo es el del perder ese trazo que nos diferencia unos de otros.
El otro grupo son los fotógrafos, si señor ellos también tiene en sus filas muchos artistas aclamados por el pueblo pero sorprendentemente si en la pintura realista se defendía al autor de la fotografía por tener un estilo propio que solo lo puede realizar el, aquí llegamos a un conflicto pues cámaras tiene todo el mundo pero no todos son fotógrafos, la gente es consciente de que esas fotografías tienen un encuadre, una composición fuera del alcance de la mayoría aparte de todo el trabajo de laboratorio que tiene detrás, estos conceptos tan actuales como antiguos en un medio que nació hace ya tiempo, esta ya totalmente asimilado por la población pero no pasa por ejemplo con el arte abstracto que tiene ya mas de medio siglo y que es muy repudiado por la mayoría.
En fin, como hemos caído en esta trampa la sociedad actual en que nos contradecimos nuestros propios argumentos y rompemos con las manifestaciones artísticas mas actuales a la vez que la aceptamos tristemente su vertiente mas simple y con menos pretensiones, creo que es fruto de la desculturalizacion que tienen los estados con los ciudadanos en su búsqueda de una sociedad consumista esclavizada por su propia ansias de consumo.
Si quisiera incluir en el mundo del arte algo que no está reconocido como tal, estaría reconociendo que está fuera, en el acto de señalarlo como excluido, para incluirlo. Por esto, no señalarlo como no reconocido seria la forma de reconocer que esta incluido, lo cual me hace pensar que seguir con mi tema (el de las “manifestaciones populares urbanas") cada vez me parece más absurdo, a parte del dudoso interés que pueda suscitar en cualquier persona que no sea yo.
Los colectivos “creativos” externos al arte (comic, fancine, rock y pop, cortos gamberros…) no tienen ninguna intención ni interés en ser incluidos en el arte; el arte no tiene ningún interés en abarcar a los “colectivos creativos” externos al arte. Quizás tendría que res sincero con migo mismo y coger el toro por los cuernos. El problema que en realidad me bloquea y no me deja ver es que me da urticaria el término arte. No puedo con él. Tal vez tendría que buscar vaciar el arte en vez de llenarlo de otras cosas, o simplemente pasar del tema.
Creo que en general el lenguaje bloquea. Delimita el modo y el quien lo usa. la ropa lo hace, la música lo hace... las etiquetas tratan de quitarte el duro trabajo que significa desembolver o destapar. SEAMOS MENOS VAGOS. Déjemos de presuponer lo que son las cosas. Debemos esforzarnos. ARTE es sólo un término, sirve en clase, en sociedad o en un mercado, museo o enumeración de disciplinas propias de un ámbito o cultura. Sirve, pero nace de la subjetividad. Lo hago yo y lo sientes tú y ya está. Lo demás es lo que hay que pagar por tener aceras, nóminas o lo que sea dios que tenga un sentido....
FELIX, las etiquetas no siempre son corretas. No podría ir más bien por ahi?
Si, el lenguaje bloquea. Deficiencia discursiva (que dice Georges Perec) y eso es con lo que hay que jugar, creo yo. Un buen método es intentar escribir mucho, hacer esquemas, mapas conceptuales... todo sin un orden y luego vas seleccionando y distribuyendo, relacionando un concepto con otro, creo que eso te puede servir Félix.
aqui va mi berenjenal caotico y TOTALMENTE PRECARIO, en fin josu necesito una reunion ya!!!
pero ahi queda eso: CAPITULO1 Contexto objetivos Hipótesis Y metodología
Capítulo 3: CONTEXTO SOCIAL
3. 1: Características sociales contemporáneas. 3. 1. 1: sistema económico: implantación del capitalismo postfordista, -redes de producción flexibles que se adecuan constantemente a la demanda. -desaparición de la planificación productiva basada en el “largo plazo”. - aplicación a las personas, que dejan de construir su identidad y su carácter basándose en las experiencias a “largo plazo”. (Sennett).
3. 1. 2: sistema político: debilitamiento de los Estados. -debilitamiento de los Estados-nación, frente a intentos de construcción política supranacionales (UE), y subnacionales (naciones sin Estado, pequeñas comunidades) -progesiva pérdida de fuerza del Estado y su democracia como creador de identidades y valores.
3. 1. 3: sistema cultural-simbólico: auge de valores postmaterialistas. - proceso de secularización: la muerte de Dios (Nietszche) - abandono de las pautas de conducta y valores asociados al interés material, para pasar a valores asociados a la calidad de vida, entendida en términos no materiales (Inglehart) - irrupción del postmodernismo: desaparición de las metanarrativas, y por tanto, de la posibilidad de establecer verdades absolutas (Liotard)
3. 2: Estado de precariedad: la definicion que ya puse.
3. 3: La muerte de los grandes valores y sus consecuencias. - Cuestionamiento de la ciencia, de la verdad. - Desaparición de grandes valores, guías de conducta ante la vida: Dios, los Estados, el trabajo como modo de formar el carácter.
3. 4: Precariedad: fruto de las características sociales (3.1) las situaciones precarias y el cambio constante como principal característica de nuestro mundo. - precariedad emocional y en las relaciones afectivas (Beck) - precariedad laboral, multiplicidad de empleos (info en sindicatos) - precariedad en la movilidazación social, auge de diferentes grupos, que hacen frente a diferentes situaciones y luego desaparecen (lo de mi investigación) - precariedad en los procesos de formación identitarios, compuestos por múltiples pinceladas de diferentes experiencias y sensaciones - precariedad urbana, o subculturas: surgimiento de tribus urbanas con códigos de conducta propios (Hebdige).
CAPITULO4 Como todo esto afecta en el arte, si hay una correlacion entre contexto social y producción artisticq. Tambien muerte de los grandes valores significates, Arte para transformar el mundo, Los grandes mestros, OTEIZA BEUYSE…
CAPITULO5 El arte actual, El arte de de los no valores, de las no verdades, de los no significates, Vuelta al las pequeñas historias subjetivas?
SI EL UNICO VALOR SUPREMO AHORA MISMO ES LA TECNOLOGIA DIOS: TECNOLOGIA QUE PASA CON EL ARTE?
Olvide exponer esta información espero que no sea muy tarde:
Internet es un marco perfecto para ser usado como vehículo de obras que juegan con la mentira; ese es el caso de los 0100101110101101 una pareja italiana que valiéndose de este nuevo medio han colado/colgado la mentira en el arte; proyectos como Darko Maver (http://www.0100101110101101.org/home/darko_maver/index.html) en los que crean un Artista ficticio que presenta esculturas realistas de mutilaciones, creando a su alrededor una expectación en la bienal de Venecia, incluso algunos críticos hicieron opinión de una obra que no llegaron a ver, solo en unas fotos publicadas.
Otra obra interesante es Nike Ground (http://www.0100101110101101.org/home/nikeground/intro.html), aquí hacen creer a la población vienesa de que se ha comprado la plaza central de la ciudad y de que se va a construir un monumento de Nike en ella, este proyecto se podrá observar en su pagina web además de otros lugares del mundo donde harán lo mismo, crearon tal alboroto que la misma compañia los denuncio no sin antes aprovechar la publicidad que genero este bulo.
El poder de Internet para difundir mentiras esta mas allá de lo comprensible, el boca a boca se convierte en su principal medio de publicidad y la bola se hace mas grande, la mentira como arte es una vuelta de tuerca del producto que comerciamos, vendemos mentiras no lo podemos negar y el hecho confirmado es esta actividad, la creación de mentiras como obras de arte o simplemente la creación de obras de arte.
50 comentarios:
Definición de belleza.(Diccionario Real Academia)
(De bello).
1. f. Propiedad de las cosas que hace amarlas, infundiendo en nosotros deleite espiritual. Esta propiedad existe en la naturaleza y en las obras literarias y artísticas.
2. f. Mujer notable por su hermosura.
~ artística.
1. f. La que se produce de modo cabal y conforme a los principios estéticos, por imitación de la naturaleza o por intuición del espíritu.
~ ideal.
1. f. Principalmente entre los estéticos platónicos, prototipo, modelo o ejemplar de belleza, que sirve de norma al artista en sus creaciones.
Una reflexión sobre la belleza. No es mia, la firma Ramon Almela (crítico de artes visuales). Para entrar en debate no esta mal.
La belleza, buscando una salida:
Pregunta a una persona común qué es la belleza y responderá como aquello que proporciona un placer visual. Pregunta a un artista creador y… bueno, las respuestas se expanden y se vuelven ambiguas. ¿Es la belleza una categoría estable, concepto universal, o es variable según las tendencias dominantes de cada época?
Los niños manifiestan la característica de la encarnación temporal de la belleza sobre un objeto. La persona común revela con su respuesta la creencia en un concepto absoluto de belleza relacionada a través de los sentidos con lo armonioso y proporcionado, y que corresponde al orden de lo erótico. La belleza es placer considerada en relación a un objeto. Estos conceptos provienen de la civilización griega donde lo bello fue un atributo de Eros, divinidad portadora de vida. Freud resaltaría el vínculo entre el deseo, la belleza y la muerte como atributos del objeto sexual.
La estética se ha esforzado en analizar el tema de la belleza alternado entre el objetivismo y el subjetivismo. Mientras unos centran la belleza en las cualidades del objeto, los otros lo hacen en la reacción del sujeto. Baudelaire dijo “cada edad y cada gente tiene su propia forma de belleza” La solución intermedia de Kant ha sido de gran influencia en la cultura occidental: el relacionismo, que enfatiza la relación del objeto con el sujeto. Kant aborda la belleza diferenciándola de lo agradable y lo bueno. La belleza, desde el juicio del gusto, se considera desinteresada, universal, y como una finalidad en sí misma – lo cual estimularía la idea del formalismo.
Por más de cuatro siglos, la idea de “lo hermoso” ha sido la base de nuestra cultura. Las imágenes eran el camino entre el creador y el espectador que pasaba a través de la Iglesia y el Estado, desde donde se imponían los modelos. En la modernidad la relación de la belleza con las formas sensibles se desvanece. Hacia finales del siglo XX se extiende un descrédito del uso de la belleza en las producciones artísticas así como un rechazo a seguir utilizando ese concepto en el campo de la estética y como medida del arte. La “muerte de la belleza” en los tiempos modernos es el resultado de la crisis histórica de un principio estético uniforme, lo que llevó a la fragmentación cultural con la apertura y diversidad de las representaciones humanas. El complemento de la belleza, la fealdad, supuso la amenaza al poder y a las instituciones al convertir al arte en un instrumento político. Nietzsche postulando lo destructivo de lo dionisíaco en el arte dijo “La fealdad es la manera de considerar las cosas con la voluntad de dar un sentido, un nuevo sentido en lo que había perdido el sentido”. La idea de lo feo ya es destacada desde 1795 por Friedrich Schelegel como ingrediente típico del arte moderno. La fealdad, lo amorfo y lo grotesco han llegado a ser fascinantes. El filosofo polaco Vladislav Tatarkiewicz afirma que “La fealdad es estética, y es a veces tan fuerte como la reacción a la belleza”. En la actualidad parece ocurrir un deslizamiento de significación en la acepción de la palabra feo hacia algo aceptable, como afirma Remo Bodei en el libro La forma de lo Bello “La erosión de los ideales clásicos de belleza conduce a una subversión absoluta de los papeles: Lo feo se convierte en lo auténticamente bello”
Pero está sucediendo una repentina reaparición de la belleza en el arte. La belleza empieza a importar a críticos y artistas desde finales del siglo XX. “El tema de los Noventa será la belleza” decía en 1995 el curador de la Bienal del Museo Whitney en Nueva York. En 1996 un afamado crítico del Village Voice sostenía “La belleza regresa: Una estética pisoteada florece otra vez”. Y en 1998, una antología de escritos de críticos y artistas “Uncontrollable Beauty: Toward a New Aesthectics” hacen que un término abandonado se refuerce con un nuevo prestigio. En el 2000 se comentaba la reaparición de la belleza en el arte británico como un objetivo conscientemente buscado. Había quien se declaró a sí mismo “Terrorista de belleza”.
Pero, ¿Qué es lo que está ocurriendo? ¿Cómo importa la belleza ahora? Cuando ya se había definido la belleza como algo plural, relativo y variable, dejándola de lado como tema importante, es recuperada por la filosofía del arte por un lado y por los artistas por otro. Incluso parece regresar tildada de rasgos tradicionales. Elain Scarry en su libro “On beauty” (1999) procede a una revisión de las atribuciones erradas de la belleza y la incoherencia de los argumentos políticos contra la belleza propugnando la revitalización de conceptos de universalismo kantiano e ideas platónicas de la belleza, afirmando que ésta impulsa el deseo por la verdad y la bondad. Un artículo en el New York Times en marzo ofrece también el paralelo de verdad y belleza: “La más seductora ecuación en ciencia: Belleza igual a Verdad”
Por otro lado, la idea de la belleza en la actualidad, está enraizada en un aspecto tratado por Kant que se mantiene válido: La belleza es una propiedad contextual profundamente conectada con creencias y actitudes morales del sujeto. Otra cuestión abordada por Kant ilumina la situación actual de la belleza. Él procedió a separar los conceptos entremezclados de la belleza y lo sublime.
Aunque ambos detonan un placer, lo estimulan diferentemente, identificándolos como placer positivo y placer negativo. La belleza es lo femenino, el día, y lo sublime es lo masculino, la noche. La belleza impulsa la vida, lo sublime satisface la imaginación. Lo sublime es el extremo de lo bello, su muerte. La práctica postmoderna desterró la belleza, enfatizando en el arte la tecnología, el capitalismo y lo sublime como elementos interrelacionados. Y hoy se asiste a una recuperación de la belleza. Esta oscilación entre la belleza y lo sublime revela una recurrencia cíclica en la tradición occidental manifiestada paralelamente con la alternancia de las tradiciones Judeo-Cristiana que postula los valores universales y la certeza (La belleza) y la Greco-Romana (Lo Sublime) con su tendencia escéptica y de duda.
Esta situación de contradicción interna debe resolverse buscando una salida en forma de síntesis en otro plano que abrirá el camino a un movimiento hacia un nuevo futuro. Se detecta ya en núcleos intelectuales que paradigmas como el post-modernismo están en entredicho pues no puede sostenerse por mucho tiempo la tendencia a dilatar el presente y cancelar el futuro. El arte aparece así llamado a ser la punta de un iceberg caótico e incomprensible en el que la ansiedad de la humanidad se mueve. Y al igual que en otras épocas de cambio la perspectiva de lo utópico es reivindicada como nueva rebeldía.
El romanticismo, como categoría historiográfica convertida en descripción psicológica, está impregnando la dimensión de las artes y la tecnología (tecnoromanticismo). La ironía romántica aflora haciendo a un lado lo individual, lo fantástico, lo sentimental, el amor, y la belleza. ¿Podrá ser la belleza todavía un instrumento que apele al cambio en esta civilización? Quizás no. Pero estamos más en el comienzo de algo, al igual que los post-impresionistas hace un siglo. La práctica artística en la acción creadora y comunicativa de la Internet, como sostiene José Luis Brea, “tenderá a desarrollar dispositivos de interacción social capaces de inducir entre los ciudadanos modos de comunicación directa, no mediada por el interés de las industrias o los aparatos del Estado”. Si, como decía antes, en tiempos premodernos la “muerte de la Belleza” fue la liberación de la representación controlada por la Iglesia y el Estado, hoy la categorización de la belleza, de nuevo reivindicada por el arte y la estética, buscará una salida a través del ámbito de las nuevas tecnologías cibernéticas y comunicativas en la “era postmedia” en un renovado espacio de representación.
El arte es hacer arte.
Caracteríticas de hacer arte: intencionalidad artística y construir (tanto material como mental).
El arte, como concepto, es una etiqueta personal, además de estar rodeado de toda la historia del arte y de toda la teoría.
El arte no tiene funcionalidad.
El arte es un disfraz.
El arte es ornamento en sí mismo. Ya sea de tipo estético o teórico. Por lo tanto no cabe arte fuera del ornamento.
¿Ventrella hace arte? www.ventrella.com Depende de su intención, si él que lo ha realizado lo etiqueta así entonces supongo que será, pero no es arte la inteligencia artificial. La inteligencia artificial es un instrumento, un soporte que se relaciona con lo propio del arte.
¿Qué es lo propio del arte? Lo artístico, los conceptos, las ideas, lo teórico, la historia del arte.
Esto tenía ganas de ponerlo, porque escrito queda mucho mejor y así se relee y se analiza mejor si se quiere.
Moby Dick (1956, John Huston) http://www.imdb.com/title/tt0049513/
Un saludo señores!
FRASES. IDEAS. LA BELLEZA ES INCONEXA. NO OBEDECE. APARECE. SE RECONOCE O NO.
Me presento ante la pregunta y todas las respuestas empiezan por naturaleza, hombre, tiempo, conocimiento… Me plantean preguntas y aunque sé de qué me preguntan no sé responder.
Bergson cuando explica su concepto de tiempo, explica cómo existen preguntas que hasta que a uno no se hacen, no sabe que responder no puede. Se denomina saber implícito y saber explícito. Implícito es que sé lo que es aunque no sepa explicarlo, mientras que el explícito es que además de saberlo puedo explicarlo.
Sé que es belleza, la reconocería, pero conforme busco explicaciones y definiciones me pierdo en peros y porqués.
A grandes rasgos escucho a Kant. Habla de belleza. Habla de estética, habla de sensibilidad. La sensibilidad está totalmente relacionada en cuanto a la verdad objetiva de le percepción. Debemos percibir, recibir la naturaleza e interpretarla.
BELLEZA Y SENSIBILIDAD
Con Descartes, el sujeto se abre al discurso de una verdad fundamentada mediante el pensamiento que, luego de descubrirse a sí mismo, actúa como sustancia que ordena y explica el mundo natural y el universo abrazado por la mirada de la ciencia moderna. Con Descartes, comienza un realismo trascendental. Una fundamentación de la existencia y la realidad del mundo exterior. Del mundo que trasciende al sujeto y que halla todavía en Dios al garante de que la idea de que existen cosas, cuerpos y colores en el espacio, es efectivamente verdadera.
BELLEZA Y EL MUNDO NATURAL
Nietzsche hablara del dualismo arte naturaleza. Pone como ejemplo los dioses Apolo y Dionisos. Apolo como la representación de el mundo de los sueños, las fantasías. Los sueños y las fantasías como modo de olvidarnos del mundo y no enfrentarnos a sus realidades. Dionisos Escapar de la realidad. Son estimulantes que provocan un éxtasis. Se busca olvidar el yo, y buscar una comunión más mística con la naturaleza.
El hombre se adscribe a los dos impulsos, los cuales le reconcilian con la muerte y que se dejan empañar por la belleza de la vida.
LA BELLEZA Y LA MUERTE
Para Hegel y Kant, el sujeto ahora crea. Crea lo conocido, lo representado, el objeto, el horizonte de toda experiencia posible, la arquitectura universal y objetiva de la naturaleza. Como en la teoría artística romántica, el sujeto ya no es espejo, sino candil o lámpara que, detrás de su desbordamiento, desde la interioridad del sujeto, abre el afuera, proyecta el espacio y el tiempo, el tejido de los objetos de nuestra experiencia.
¿La belleza viene de quien crea o de quién observa?
Algo es bello porque es bello, o porque yo lo considero bello.
En este apartado creo que es conveniente hablar de la condición humana, de la importancia de la herencia lógica. Aprendemos estética aunque sólo sea por repetición. De ambientes o de naturaleza. Hay una constante referencia al entorno como primer lienzo de cada uno de nosotros.
BELLEZA Y CREACIÓN
El arte es la obra que surge por medio de la libre voluntad creadora del talento natural de l genio que le confiere una regla de arte. Apreciar los objetos bellos es parte del gusto, su creación es atributo del genio.
Esto en sí no es más que la discusión a cerca de cómo conocemos la belleza. Cómo la identificamos y copiamos.
La relación entre el hombre, la naturaleza y el pensamiento.
¿Qué es belleza? ¿Qué es bello?
Kant habla aquí de: la experiencia generadora de juicio, la finalidad; placer o displacer, las costumbres idea de repetición con finalidad de deseo.
Repasamos lo que dice a cerca de la facultad de la naturaleza como generadora de leyes a priori y la facultad de desear en dónde sólo la razón es legisladora.
Entre conocer y desear esta el sentimiento de placer. Del mismo modo que entre el entendimiento y la razón está el juicio.
Concreta posteriormente en aclaraciones sobre bello y sublime. Y por no alargarme doy unas pinceladas. Lo bello provoca placer o displacer, lo bello no es una finalidad en si, por lo que no encarna la consecución la adquisición de un valor. Se aspira a su búsqueda en creación o producción. Mientras lo sublime trasciende de lo real, del conocimiento o de el ansia de explicación. Se trata de algo que incluso en la naturaleza trasciende del conocimiento. Es puntual y no obedece a ideas empíricas. Son accidentes, bellos, pero accidentes.
"El sentimiento de lo sublime es, pues, un sentimiento de displacer debido a la inadecuación de la imaginación en la estimación estética de magnitudes respecto a la estimación por la razón, y a la vez un placer despertado con tal ocasión precisamente por la concordancia de este juicio sobre la inadecuación de la más grande potencia sensible con ideas de la razón, en la medida en que el esfuerzo dirigido hacia éstas es, empero, ley para nosotros."
(KANT. Emmanuel, “Critica del juicio”, Madrid, Espasa Calpe 1977.)
Lo sublime es propiciado por la naturaleza. Pero como experiencia de sublimidaz sólo es vivida por el sujeto. Interpretada.
Sensación que emanan de la contemplación. Se trata de una emoción que trasciende de la percepción en general. Podríamos incluso considerara esa trascendencia como limitación de los sentidos. La belleza quema. La belleza es la traducción objetual del deseo.
En este punto debemos aclarar nuevamente como según sea belleza en si misma o en la percepción de los demás se han dado una serie innumerable de teorías.
Hasta ahora, pues, hemos descubierto tres cosas fundamentales: (1) el juicio estético es subjetivo y se distingue claramente del lógico y del ético; (2) tiene su base, no en un concepto, sino en el sentimiento; (3) este sentimiento encuentra su principio en el idealismo de la finalidad.
kant habla de la filosofía trascendental, con la que descubrió el a priori de los tres ámbitos fundamentales de la cultura humana: el conocimiento de la naturaleza (la ciencia), la acción moral (la ética) y el sentimiento de placer y displacer (en el arte).
Necesitamos, pues, de la naturaleza frente a nosotros y de la moral en nosotros para que lo sublime se pueda llevar a cabo: sublime es vencer a la naturaleza, no obedecerla.
Me leo y me aburro, no puede uno hablar de belleza así. La belleza se disfruta o se disfruta es su rechazo. Me gustan los dualismos y las necesidades de opuestos como forma de definición. Belleza y fealdad se necesitan la una de la otra. Provocan la misma intensidad de estímulo, aunque no el mismo sentido.
Lo mejor de que te pregunten y no sepas responder es que es tanto lo que tienes que describir que te es imposible. La belleza radia de tal modo que no sólo te deja mudo, si no que nunca serás capaz en palabras de representarla, por ello, quizá sea más fácil en formas.
No dejas de mirarlo. Es una atracción. Cuando esta en alguien es muy complicado. Temes que sea reconocida en tu mirada ese asombro, la perplejidad con que reconoces la belleza. Te asombras a ti mismo de la poca reserva con la que observas, pero es el deseo, la excitación que supone el contemplarla que la recompensa suple posibles vergüenzas.
Para mi la belleza es …
…
Alma Mahler (ejemplo de que la belleza genera belleza)
William chang, Christopher Doyle y Wong Kar wai en cualquiera de sus películas. (Lo difícil que es molestarse en seguir el hilo de unas películas que se leen en imágenes)
Jeanne Moreau en “Jules et Jim” (Truffaut) cantando Le tourbillon de la vie. (belleza en contemplación)
La playa en invierno, gris y con lluvia. (porque la naturaleza se provoca y se contiene)
La luz de una vela. Siempre. ( …y se hizo la luz, camino, la línea. Ver. Seguir)
Documentación empleada:
TEXTO: (Internet) “KANT, SCHILLER Y LA EXPERIENCIA DE LA BELLEZA” por Esteban Ierardo.
TEXTO. (Internet) “LA BELLEZA BUSCANDO UNA SALIDA” Por Ramón Almela Doctor en artes Visuales.
BIBLIOGRAFÍA:
KANT. Emmanuel, “Critica del juicio”, Madrid, Espasa Calpe 1977.
KANT, Emmanuel, “Observaciones sobre el sentimiento de lo bello y lo sublime”, Madrid, Alianza, 1995.
Nietzsche, Friedrich, “Teoría de las bellas artes, Filosofía de las artes” Colección Metrópolis, Madrid : Tecnos, 1999
Muchas gracias María porque he descubierto a Henri Bergson y me gusta mucho lo que he leido de él. Comparto su uso impreciso del lenguaje y la idea que se maneja en la cita que has puesto anteriormente en tu comentario:
"Bergson cuando explica su concepto de tiempo, explica cómo existen preguntas que hasta que a uno no se hacen, no sabe que responder no puede. Se denomina saber implícito y saber explícito. Implícito es que sé lo que es aunque no sepa explicarlo, mientras que el explícito es que además de saberlo puedo explicarlo".
Desde luego, está muy interesante!
¿LA TECNOCIENCIA ESTA TOMANDO EL RELEVO DEL ARTE EN CUANTO A LA SUBLIMACIÓN DE LA BELLEZA?
Según el diccionario de la Real academia de la lengua española: Sublime:
(Del lat. sublīmis).
1. adj. Excelso, eminente, de elevación extraordinaria. U. m. en sent. fig. apl. a cosas morales o intelectuales. Se dice especialmente de las concepciones mentales y de las producciones literarias y artísticas o de lo que en ellas tiene por caracteres distintivos grandeza y sencillez admirables. Se aplica también a las personas. Orador, escritor, pintor sublime.
KANT: Lo bello siempre resplandece a través de las formas de lo visible y limitado. Lo bello es aprehensión de un objeto limitado, mesurado. Lo sublime, en cambio, es el reino de lo desmesurado, lo inacabable, lo ilimitado. Lo sublime matemático es la experiencia de la grandeza desmesurada. Lo sublime, lejos de empequeñecer al hombre, lo eleva.”
HEGEL: Lo sublime es la infinitud que absorbe o supera lo particular en una totalidad difusa.
(1) “SUBLIMACION: desde la psicología: superar un estado a través de. ¿La belleza es la sublimación de algo?” A través de la belleza sublimas un vacío. (1) “Con la belleza nos completamos.” Desde este punto de vista, si que opino que el arte puede servirnos como herramienta para trascender, trascender en el conocimiento de nosotros mismos, trascender el nivel de consciencia común y llegando al genio mostrar ideas, imágenes sublimes de tiempo infinito.
(2) “Sobre los métodos del arte y de la ciencia. Punto C: El campo tecnológico con el que compartimos nuestra conectividad.
Publicidad, industria… muchas cosas son plagiadas del arte.”
Creo que los publicistas utilizan mensajes de sexo, paz, amor, etc… para vender objetos. Me parece un engaño. De esa misma manera utilizan el arte.
Los objetos tecnológicos si me parecen bellos, pero son objetos, no tienen ninguna otra función artística… no creo que produzcan al mismo nivel una experiencia estética.
¿Cómo TRASCENDER ESOS LIMITES? ARTE COMO ELEMENTO DE TRASCENDENCIA.
Pienso que como opina E. Trillas hay una necesidad de filosofía en la sociedad actual, pero en mi opinión esta ya todo inventado, no hay que descubrir nada que ya no exista para lograr nuestros propósitos. Está todo dicho en las filosofías occidentales y orientales (meditación trascendental)... Solamente hay que buscar, saber escuchar y querer aprender para satisfacer nuestro apetito intelectual o espiritual. Si quieres trascender mas los límites de tu conocimiento concéntrate y estudia a fondo un tema. Aunque siempre haya nuevos límites que trascender.
¿Qué si la nueva metafísica es la tecnociencia? ¿Con la criogenización podremos ser inmortales? Lo creeré cuando lo vea.
A nivel teórico no entiendo de preciso la necesidad de trascender a diós o a la razón. Creo que diós, la naturaleza, impone límites que no van ha cambiar y creo la razón hay que restringirla a su campo. A nivel práctico la razón de cada uno se trasciende mirando por el bien común, superando el egoísmo. Estoy de acuerdo con Josu cuando dice que la ciencia que conocemos fracciona lo real, y que tampoco es útil en última instancia como elemento trascendente. Sí que habría que buscar una ciencia con consciencia que nos permitiría superar los límites.
Como define el termino de supercodificación (2) “cada elemento productivo está super-especializado y no conoce la globalidad” y en esa ignorancia surgen los problemas. Por ejemplo en el cambio climático. Es un hecho que la naturaleza es limitada y requiere ciertos cuidados y que por ejemplo, los dueños de las fábricas de muebles, tienen sus razones para no dejar de fabricar muebles, como puede ser el miedo a perder su fuente de alimentos, y pasan por alto que las generaciones venideras no puedan sobrevivir en el planeta. Por eso, por lo menos deberían darse cuenta que el bien común es el suyo propio y superar en alguna medida ese egoísmo.
Creo que el arte es una ayuda para concienciar a la gente de este tipo de necesidades el arte activista.
(1) “Pero su efecto también es limitado porque ¿qué reacciones provoca? Ej: Arte como activismo, del q hablabamos el último día. La obra de Serra para ser vista requería la presentación del DNI español. Si no se tenía no se podía ver. Impacto sobre las personalidades políticas para que se dieran cuenta de la problemática de la inmigración.
Puede ser que el efecto sea positivo o negativo o tal vez a ese político no le produzca ningún efecto.
Sobre el vídeo de Beuys: “I like America and America likes me”. Arte como medicina para la sociedad. Beuys trasciende los límites del arte, quita el ornamento, ¿es una especie de arte activista?
¿CABE EL ARTE FUERA DEL ADORNO? ¿O TODO ARTE TIENE UN ADORNO?
Según el diccionario de Términos de Arte, las “artes decorativas son: las artes industriales, y la pintura, escultura, etc., en cuanto que buscan un efecto ornamental y decorativo y no la creación de obras con valor independiente.” Y “Ornamental: aquel elemento que juega un papel embellecedor, sin ejercer funciones arquitectónicas de descarga, soporte, etc.
Creo que la única manera de un cambio real es una profunda trasformación de los individuos y opino que eso no lo consigue el arte, porque sus funciones son otras. Las pinturas de la antigüedad son un documento histórico de su forma de vida. Puede ser que pintándose en sus actividades, en sus rituales, trataran de alguna manera de inmortalizarse, de trascender, de dejar su huella, entre otras funciones, como puede ser la de la transmisión de información.
¿O COMO APOYO, EL ARTE PUEDE SERVIR PARA ENTENDERNOS MEJOR? ¿Cuando digo rojo/dolor el otro entiende lo mismo por rojo/dolor?
Pienso que el arte puede trascender la individualidad de cada uno. El arte tiene la cualidad de unir a las personas, porque gusta y lo que gusta es agradable y todos queremos el bienestar. Además al comentar una obra que te gusta con otra persona puedes descubrir que es lo que te parecía bello en esa obra y así fomentar ese concepto bello, o lo que te produjo bienestar, en tu vida. El arte puede a través de la belleza ayudarnos a darnos cuenta de lo que es bello a nivel intelectual y al dialogar, ver si ese concepto es común o no
(1)Comentarios de clase.
(2)Dicho por el Prof. Josu rekalde
¿Qué es la tecnociencia?
http://martinej.wordpress.com/2007/04/17/%C2%BFque-es-la-tecnociencia/
En esta página está la definición de tecnociencia de Javier Echeverria. Da un punto de vista bastante general, directo y pragmático, limpio si se quiere ya que no se contamina ni se lía tanto en las cuestiones híbridas que trataremos en la próxima clase: tecnociencia como sublimación, relevo del arte, trascender los límites...
Voy a dar un poco mi opinión, cultivada entre turrón, croquetas caseras y ferreros rocher: Creo que la tecnociencia es una herramienta y como tal está sujeta a la mano humana para su tipo de uso. Sublima, desde luego, ya que creo que el ser humano sublima todo el rato, ordena cosas, rellena sentimientos, reemplaza cosas... Y como último apunte pues que mientras la tecnociencia sea humana no creo que se pueda trascender hacia nada, existen límites muy fuertes, e incluso se van creando nuevos límites.
Todo ésto también ilustra de lo que hablan, y con lo que estoy totalmente de acuerdo, Georges Perec y Henri Bergson: DEFICIENCIA DISCURSIVA ("no pienso sino que busco palabras")
Hasta pronto!
Tan solo voy a plantear un par de preguntas.
Como ya ha comentado Jorge la tecnociencia, al igual que muchas otras actividades humanas, como por ejemplo ir de compras (actividad en mi opinión muy tecnocientífica según la definición Javier Echeverria) puede “sublimar”. Al no ser la sublimación exclusiva del arte, en el caso de que fuéramos agnósticos, el dar la cualidad de “trascendental” al arte le devolvería a este su estatus de exclusivo. Esto me lleva a preguntar:
¿Es necesario que la obra de “arte” trascienda para que sea considerada como tal?
¿Dotar al arte de necesaria transcendentalidad es un acto de fé porque necesitamos creer en ÉL (el arte)?
Yo, en contra de mi razón, me declaro creyente por mi necesidad casi física de trascender, y supongo que es lo que me mantiene atado al mundo del arte o más bien de la creación, pero esto tan solo me convierte en un creyente.
Desde luego, es una cuestión de querer creer, creer en lo que trasciende, como en lo que no se ve.
Algorta, 7 de enero del 2008.
El cuento del Mago con Bombilla Roja
Estas navidades mi hermana Teba y yo le hemos regalado a mi padre un marco de fotos digital.
Un objeto desde mi parecer kitsch y de última moda en regalo de Reyes para este año 2008.
Mi padre hizo sus pinitos en la juventud con la fotografía. Hasta hace unos años el cuartito del fondo del garaje era nuestro laboratorio de fotos en casa. Llego la era digital y mi padre dejo de hacer fotos, como antes ... Y el cuartito paso a ser el gran armario vestidor que mi madre siempre había soñado.
Recuerdo a mi padre los domingos encerrado a oscuras junto a una bombilla roja, como mago con chistera y líquidos reveladores como pócimas mágicas salía al cabo de unas horas con el reportaje de fotos del ultimo fin de semana en el campo o la comida familiar de las pasadas navidades. Luego escogía una o dos, al gusto de todos y las ampliaba, y así mi abuelo un viejo ebanista ya tenía tarea asignada para las siguientes semanas, fabricar los marcos con mucho amor, para luego decorar nuestro salón.
El pasado día de Reyes, me hizo pensar el poder de la tecnociencia, referido a lo que comento Josu en su última clase.
La mágica ahora es inmediata con un marco digital con bluetooth y un teléfono movil.
Toda la familia reunida abriendo regalos y de inmediato las fotos del recuerdo estaban enmarcadas en la mesita del salón.
Mi padre, no será nunca más el mago con bombilla roja de los domingos.
Acortar el tiempo del deseo, de la idea a su materialización física, a su presencia real.
Todo es más rápido y accesible ahora. Vivir más en menos tiempo y con menos esfuerzo.
Pero por muchas moderneces que nos rodeen en esta era digital, yo creo que la sensibilidad esencial en una obra sincera es grande y respetable como cualquier otra de tiempo pasado.
Ahora hay más y más rápido y eso hace que nos perdamos en la confusión.
Y es que una cosa es la técnica y otra la esencia, que tampoco es ciencia.
La narración está presente en el arte actual.
¿Qué es narración? Un contenedor de conceptos, referencias, historias, ficciones, etc.
¿La representación ha sustituido a la realidad?
Meta-representación: "Marnie" Hitchcock, 1964.
http://www.imdb.com/title/tt0058329/
¿Qué es lo verosímil? Lo parecido a la realidad.
¿Qué es lo verosímil en el cine? Existe la verosimilitud propia del medio cinematográfico.
Lo verosímil en el cine es un tipo de censura, un límite en deuda con la función comunicativa del medio.
La carga semántica de las imágenes por Anne-Marie Thibault-Laulan:
IMÁGENES EN SECUENCIA
El uso de los conjuntos de imágenes es muy antiguo puesto que se encontraba incluso al final de la edad media. Los monjes practicaban la talla en madera para realizar figuras piadosas, rapidamente divulgadas. Unidas en series, servian de base a la predicación.
Las fotografias se suceden sin que haya necesidad de comentarlas, formando frases, constituyendo un texto que el lector familiarizado sabe descifrar sin leyenda alguna. Formas y colores se asocian, por ejemplo para evocar al espectador conceptos estereotipos como los de “italianidad”, “virilidad”, “tradicionlidad”… El sentido de una fotografia no aparece mas que cuando el espectador, barriendo desde lo desconocido hasta lo conocido, es capaz de traducir el mensaje de las formas, de los colores, de las visualizaciones dadas en un conjunto de prejuicios, costumbres, disposiciones, en suma, en un saber preexistente. Comprender es siempre recordar, decía ya Bergson y comprender es identificar, clasificar, asimilar. Coincidiremos en que esta actividad mental es en gran medida inconsciente y automática, como el captar una frase pronunciada en un lenguaje familiar, pero el analisis, la verbalizacion el alta voz sin modificar el ritmo, permite desvelar los mecanismos.
Un estudio comparativo emprendido por Guy Gauthier hace ya algunos años mostraba como una fotografia de Kennedy en la dunas tomaba diferentes significados según los semanarios considerados en muchos de los casos la redaccion preocupada por ahorrar todo esfuerzo a sus lectores, añadia al documento una fecha, una larga leyenda sentimental cuyo resultado inmediato era rebajar a la imagen a simple sopote complementario al sentido del articulo. Los lectores de Paris- Match o los de Elle no tenian sin lugar a dudas el derecho a reflexionar, lease a pensar, por medio de una fotografia. ¿Hay que ver en esto una impotencia de la imagen o un tenaz desafio a sus posibilidades?
El fotomontaje ofrece inmensas posibilidades criticas o ironicas. Los elementos relacionados ofrecen al lector un discurso completamente diferente de la simple enumeración de las partes. Tomando del collage tan apreciado por los surrealistas, el fotomontaje puede expresar toda una gama de emociones de lo delicado a lo horroroso. Se necesita todavía que el lector sea capaz de leer esas yuxtaposiciones, esos contrastes, esas concentraciones que le son propuestas como tantas historias sin palabras. Ahora bien, las resistencias de la televisión (hostilidad a todo lo que sobrepase cierto nivel narrativo y analitico) se vuelve a encontrar en muchos semanarios; se asiste entonces a una especie de circulo vicioso, puesto que el temor a perder a los lectores paraliza toda tentativa de modernizacion.
BIBLIOGRAFIA
“La imagen en la sociedad contemporanea” Anne-Marie Thibault-Laulan.
Editorial Fundamentos.
Bibilioteca de BBAA de Leioa. SIG 7.04:316.77 THI
Somos el subproducto de un producto creado por nosotros mismos, la tecnociencia nos ha devorado, formamos parte de su engranaje, desde este punto hasta donde podemos transgredir.
La tecnociencia nos ayudo a romper las barreras naturales pero ahora nos ha construido nuevos limites, estos surgen en un mundo cada vez mas hiper-especializado pero mas comunicado, las distancias ya no son una barrera en este mundo. Cual es el objetivo del arte, es simplemente una inversión económica, aun contiene belleza o ha quedado relegado al diseño, nos vamos convirtiendo poco a poco en una nueva rama de la filosofía especializada en el arte a través del arte conceptual.
Ante todo somos parte de una cultura que nos ha moldeado con un perfil mas o menos parecido a partir de aquí surge la individualidad, esta es la que intenta romper con lo demás, puede ser el arte un medio para recalcar la personalidad ante una sociedad homogénea. Posiblemente puede que seamos los herederos de germen rebelde que genera los cambios sociales pero últimamente el capitalismo engulle todo lo que se produce y se comercializa, siendo un producto mas, puede revolucionar desde dentro del sistema el arte.
Capitalismo se basa en el control en una sociedad de clases pero necesita del sector rebelde para su desarrollo pero lo mantiene a ralla, lo acosa, incluso lo persigue pero al final son consiente de su utilidad es la vía de escape del pueblo sin ella el sistema caería, vivimos en una sociedad que en cierta forma promueve pequeñas revoluciones, el arte es participe de ello hasta que punto.
Puffs solo he dejado dudas pero son ideas que tenia en la cabeza después de estos días de debate.
Ciao.
Ya que en la clase anterior hablamos cada uno de sus "cromos" y bueno, la siguiente clase será sobre la narración, la representación... entonces pongo aqui unos links que podemos ver todos en clase:
MATTHEW BARNEY
- Cremaster:
http://www.youtube.com/watch?v=6Bo9l90vuUo
http://www.youtube.com/watch?v=EEZ8TF11jds
- Drawing Restraint 9:
http://www.youtube.com/watch?v=8mbX8y5r4_U
http://www.youtube.com/watch?v=566oinY9Yy8&feature=related
Supongo que estas cuatro muestras tienen bastante chicha para comentar cosas. Narración!
Otro cromo!
(problemas con la tecnología)
http://www.youtube.com/watch?v=566oinY9Yy8&feature=related
DATOS…DATOS…DATOS…LÉANSE Y SIRVÁNSE
EL ETERNO DUALISMO, GERMEN DEL CONFLICTO: ARTE /CIENCIA
BERGSON
* Bergson se distancia del espiritualismo tradicional que opone el testimonio de la conciencia a los resultados de la ciencia. Pretende aceptar los resultados de la ciencia, tener presente la existencia del cuerpo y del universo material para entender la vida de la conciencia.
* Bergson acepta el dualismo para resaltar que el tiempo entendido como duración real no se deja conocer de cualquier manera debido a su complejidad.
La conciencia:
* La duración real del tiempo que subyace a la vida se revela en la vida interior y se accede a él a través de la experiencia interna.
* Esta duración real del tiempo, que corresponde a los estados de la conciencia, es de esencia psicológica. No se puede reducir al tiempo homogéneo del que habla la ciencia.
* Los estados de conciencia no se sustituyen los unos a los otros, sino que se disuelven en una continuidad fluida.
* La conciencia, por tanto, es una «multiplicidad indistinta o cualitativa», es un impulso vital (élan vital) que forma parte de todo el proceso creador de la vida.
El Élan vital de Bergson.
La inteligencia:
* La inteligencia es la facultad humana que capta la materia espacial y mantiene una afinidad esencial con su objeto.
* La inteligencia tiene la capacidad de captar los fenómenos y penetrar en la esencia de las cosas.
* La inteligencia cumple una doble función: se emplea para utilizar y fabricar instrumentos inertes y para dirigir nuestra conducta.
* Los límites de la inteligencia se manifiestan en su incapacidad para comprender la duración real, la vida, pues no presenta uniformidad y es creación continua.
La intuición:
* La intuición une la inteligencia y el instinto.
* Permite profundizar en el proceso vital y profundizar en la conciencia.
* La intuición piensa en términos de duración.
* El conocimiento que proporciona la intuición es el resultado de un acceso directo en el interior del objeto y posibilita un contacto con lo que tiene de único.
* La intuición es facultad del espíritu y experiencia metafísica y exige una actitud purificadora para liberarnos de las ataduras que impiden alcanzarla.
FREUD
Hipótesis del inconsciente
Sigmund Freud es uno de los personajes claves de este siglo como fundador del psicoanálisis y tuvo también una aportación significativa al pensamiento.
* El ello: es el inconsciente, representa el mundo pulsional y el sustrato biológico de la existencia humana en tanto que especie.
* El yo: es el administrador de las fuerzas del ello y adapta al hombre para vivir en el mundo.
* El superyó: representa el conjunto de ideales del yo, a los que intenta ajustarse, como las normas morales, reflejo de las prescripciones de la propia cultura.
HUSSERL
Representa la culminación de la tradición filosófica cartesiana, que interpreta la relación del sujeto con el mundo que le rodea como una relación de hombres que conocen los objetos pero también es la superación del cartesianismo, pues evitará la idea de Dios para trazar un puente entre la conciencia y lo objetivo y empleará como elemento mediador la idea de intersubjetividad.
El filósofo de la conciencia
* Su propósito es elaborar una investigación sobre los modos de conocimiento implícitos en todas las operaciones lógicas y cognoscitivas.
* Se interesa por la esencia de la conciencia y de los modos en que se proporcionan a la conciencia sus objetos reales o posibles.
* El interés de Husserl se centra en la intención, con el propósito de esclarecer de qué manera la conciencia tiende hacia determinados objetos y se concretan en vivencias intencionales.
Características generales de la fenomenología
* Es un análisis de todo lo que se le presenta a la conciencia, mediante la reconciliación del objetivismo científico y el subjetivismo; del saber abstracto y de la vida concreta.
* Muestra que determinados actos, como la abstracción, el juicio y la inferencia, son actos de naturaleza intencional.
* Es una forma de ver con anterioridad a toda creencia y a todo juicio.
Los contenidos de la conciencia
* Los contenidos de la conciencia son fenómenos que se presentan a la intuición.
* Estos fenómenos tienen una naturaleza diferente a los datos de los sentidos y al material organizado mediante formas de intuición a priori o categorías.
* Los contenidos de la conciencia se muestran por sí mismos.
* Fenómeno y conciencia son términos correlativos: toda conciencia es conciencia de algo y este algo es el fenómeno que se da en aquella conciencia.
* La correlación fenómeno-conciencia está por encima de todo dualismo sujeto-objeto, en tanto que realidades.
El método fenomenológico
El método fenomenológico es un procedimiento mediante el cual se examinan los contenidos de la conciencia. Consiste en reducir toda la realidad a la condición de fenómeno. Es lo que se llama reducción fenomenológica y consta de dos fases:
* Reducción eidética: Opera sobre la totalidad del mundo y consiste en dejar en suspenso la creencia en la realidad del mundo y en uno mismo. Al suspender esta creencia el individuo se abstiene temporalmente de emitir juicios. Esta suspensión recibe el nombre de epoché.
La reducción limita el mundo real a algo que no es realidad y tiene dos dimensiones: todo lo que se representaba como un hecho deja de ser fáctico y se convierte en una unidad ideal o eidós.
* Reducción trascendental: Por medio de la reducción trascendental se pone en suspenso, o entre paréntesis, la existencia de la conciencia. Además, la conciencia se vuelve sobre sí misma y tiende hacia sí en su pureza intencional.
* La intencionalidad de la conciencia tiene dos polos:
o El polo noético, o acto del intencional, se refiere a la permanente correlación entre los actos de la conciencia (percibir, recordar, etc.) relativos a un objeto.
o El polo noemático se refiere a lo característico de la intuición, al objeto tal y como aparece en los actos de la conciencia.
El mundo de la vida
Husserl distingue entre el mundo objeto de conocimiento de la ciencia y el mundo en que nosotros vivimos y que denomina mundo de la vida (Lebenswelt). Denuncia la situación a la que ha conducido una fetichización de los métodos y las técnicas científicas, así como los peligros que encierran los excesos de la tecnología.
El mundo de la vida tiene las siguientes características:
* Es un ámbito al que se le ha prestado poca atención a pesar de su riqueza y de constituir la base de toda experiencia particular.
* Comprende en sí el mundo construido por las ciencias, pero no a la inversa.
* Es «el terreno sobre el que descansa el mundo científicamente verdadero, pero al mismo tiempo lo engloba en su concreción universal».
∑ Nunca nos puede ser dado de una vez por todas, sino que se desarrolla históricamente.Y la historia es el despliegue temporal de la existencia de una comunidad de hombres.
DIDEROT
El arte no es para Diderot (siglo XVIII), todo lo verdadero, sino lo verosímil; todas las veces que en el arte la verdad no se presente toda entera, lo que hay es verosimilitud; o sea, en cierta manera, ficción. En suma, el arte es para Diderot una transposición de lo real. El trabajo del artista consiste, pues, en embellecer, en idealizar una cualidad, y en reunir cualidades dispersas. En este juicio interviene la imaginación, y en este punto aparece un segundo movimiento que le es propio al artista y que consiste en acercar este ideal a lo sensible. Es la imaginación y la sensibilidad reunidas las que guían la idea en el artista.
UN ACERCAMIETO A LA NARRACIÓN: GIANNI RODARI.
Escritor, periodista, pero también militante político, maestro y pedagogo, para Gianni Rodari, todas estas actividades forman parte de una misma militancia, la de abrir en el mundo un espacio para la imaginación creadora, la de permitir a los niños intervenir en ese mundo imaginando nuevas posibilidades, llevándolas a cabo.
“Enseñar a leer y escribir no para que todos sean artistas sino para que nadie sea esclavo.”
Imaginación y fantasía han pertenecido durante mucho tiempo a la historia de la filosofía, en la psicología comienza a ser notable sólo hace unos cuantos años. No es por eso raro que a día de hoy no sea de recibo en ciertas escuelas. Rodari se refiere a ella como la pariente pobre, con una ventaja total a favor de la atención y la memoria; escuchar y recordar constituyen las características del alumno modelo, el más cómodo y manejable en definitiva.
Con respecto a estas disciplinas Kant y Fichte comienzan a hablar de imaginación productiva y reproductiva. Pero será Hegel el que establece la diferencia entre imaginación y fantasia. Considera a ambas determinaciones de la inteligencia, sólo que la inteligencia como imaginación es reproductiva, como fantasía es en cambio creadora.
(Comúnmente entendemos al artista capaz de fantasía creadora, y el hombre común, mecánico capaz solamente de imaginación que le sirve para fines meramente prácticos)
"La fantasía no está en oposición a la realidad, es un instrumento para conocer la realidad, es un instrumento que hay que dominar. La imaginación sirve para hacer hipótesis y también el científico necesita hacer hipótesis, también el matemático lo necesita y hace demostraciones por absurdo. La fantasía sirve para explorar la realidad, por ejemplo para explorar el lenguaje, para explorar todas las posibilidades para ver qué resulta cuando se oponen las palabras entre sí." ( www.imaginaria.com.ar/12/5/rodari.htm)
"La lengua (...) no es una materia separada de las demás que tenga límites bien precisos: aquí está la lengua y aquí está la geografía (...) Sin lengua no hay geografía, sin lengua no hay ciencia, sin la lengua no existe ninguna de aquellas que nosotros distinguimos, clasificamos y llamamos materias. La lengua es el aire en el cual viven estas así llamadas materias. No puedo hacer historia sin la lengua, no puedo hacer filosofía sin la lengua, no puedo hacer políticia sin la lengua, no puedo vivir sin la lengua. Nosotros estamos dentro de la lengua como el pez está dentro del agua, no como un nadador. El nadador puede tirarse un clavado y salir, pero el pez no, el pez tiene que estar adentro." (www.imaginaria.com.ar/12/5/rodari.htm)
AHÍ VA ESO! SUERTE!
un cromo de los mios, un video-clip de Chris Cunningham:
http://es.youtube.com/watch?v=vXyIB2L52Dc
Ciao
http://www.youtube.com/watch?v=qq3NcIY2zkQ
Hola, esto lo pongo como guía de mi posible tesina o tesis o lo que sea.
----Fondos pintados en lo audiovisual----
¿Cuándo? ¿años 60? Surgimiento de la TV y su repercusión en el cine.
¿Dónde? Cine, Hollywood.
Métodos:
- Cronología
- Contexto
- Causas
- Repercusión (industria y espectador)
- Conceptos derivados y propios
- Laboratorio teórico-práctico
- Tiempo y espacio: años 60 en el cine.
Conceptos derivados:
- Lo verosímil
- Representación
- Alfred Hitchcock
- “Marnie” (Hitchcock, 1964): utilización de fondo pintado.
- Albert Whitlock, diseñador de fondos pintados (1963 “The Birds”, 1964 “Marnie”, 1966 “Torn Curtain”)
- “7 Brides for 7 Brothers” (Stanley Donen, 1954): utilización de fondo pintado.
- Bertol Brecht
- Christian Metz
- Roland Barthes
- Robin Wood (Libro sobre Hitchcock y su relación con el cine expresionista alemán y Fritz Lang)
- La repercusión de la televisión en lo verosímil del cine.
- “La perspectiva como forma simbólica” Erwin Panofsky.
¿Conclusión?
- Si se asume el código, la narración se convierte en verosímil.
HIPOTESIS Hago una investigación para tener una panorámica de la arte-terapia desde mi interés del punto de vista del artista en este tema y como posible opción de trabajo.
INDICE
Introducción:
A quien le interese…
Entrevista a Jean Pierre Klein y Eva Bonet, arteterapeutas.
I PARTE
1.Definiciónes
de arte
Debate en clase.
Mi opción personal.
de terapia
Punto de vista del Yoga.
Limites de la arteterapia: Lo que no transforma la arteterapia.
de arte-terapia
Por la asociación americana de terapia artistica.
2.Historia y tendencias de la utilización de arte asociados a fines terapeúticos
3.Como cura el arte
A nivel físico
A nivel emocional: Arte como bondad. Platón y Modernidad
A nivel mental: Arte como sublimación. Hegel y Kant
A nivel social: Arte como elemento de trascendencia. Arte activista. Eugenio Trias
Fenomenologia: Fases en el proceso de creación: el juego
4.Dos tipos de arteterapia
Arte como curación en si mismo
Arte como apoyo a la terapia convencional
PARTE II
1.Formacion del arteterapeuta
El caso del Master en arteterapia de Madrid: Objetivos. Programas. Profesorado
2. Ambitos del arteterapia
Educativos: El niño. El adolescente. Aplicación de la arteterapia el el modelo educativo
Grupos sociales: Anorexia, traumas, maltratos, refugiados, adicciones…
Clinicos: El autista. Hospital niño Jesús, Tª Cancer
3.El taller de arteterapia
Como recibirlo
Como funciona. Actividades
Temas para el taller: la narración
4.Direcciones de interes
Sitios que imparten arteterapia en España y Europa y USA
BIBLIOGRAFIA
Vibración estética...
Termino utilizado por Loris Malaguzzi (pedagogo italiano, con larga experiencia en educación infantil) para explicar que hay una "estética del conocimiento antes mismo del conocimiento estético".
Es decir, que al aprender y entender, nosotros, conscientemente o no, le estamos poniendo unas ganas, una esperanza de que lo que estamos haciendo nos guste y a los demás también.
"Es esa vibración estética que nos impulsa a poner nombres a las figuras y a los colores. Figuras que parecía que no existiesen. Esa vibración, es también, la que nos impulsa a mejorar los conductos de nuestra sensibilidad interpretativa y creativa, a descubrir los valores y los efectos del placer que suscitan en nosotros y los demás: un atrevimiento para seducir y ser seducido." Loris Malaguzzi
La seducción estética se convierte en una dimensión del conocimiento, más alejado del mundo racional y más cerca de las emociones.
"La alternativa a razón, como fuente para construir un sistema universal de valores, es la sedución estética: una especie de marco de referencia que está especialmente proyectado para favorecer los deseos de los individuos" Humberto Maturana
Interesante observar:
Como el sistema universal tecnocientifico tan bien "racionalizado", es capaz de coger la cita de Maturana y darle la vuelta: Haciendo una proyección de deseos universales sobre individuos, seduciendo a la compra, neutraliza así, los reales deseos del individuo y sus motivaciones estéticas-emocionales.
En el mundo tecnocientifico, por ejemplo, el trabajo se torna racionalmente no solo como necesario, pero esencial al ritmo frenético del consumo. Se hace sea lo que sea, para mantener un cierto nivel de vida y incluso aumentarlo un poco más. Aunque con el sentimiento de satisfacción por el sueldo gordo, el coche nuevo y las cenas con la pareja en un buen restaurante, los lunes a la mañana acaban por ser lo menos deseado de cualquiera. El deseo es vencido por la razón de quererlo todo, pero a la emoción no se puede engañar...
El interés del Proyecto de mi Tesis Doctoral radica en hacer un estudio sobre el desarrollo del proceso creativo y su repercusión en la conciencia social, partiendo del análisis de experiencias en educación alternativa.
Analizar las influencias que este tipo de enseñanza provoca en una edad temprana, de modo que, en la edad adulta, los individuos pueden desarrollar una mayor libertad creadora en sus actividades. En especial en lo que se refiere a las actividades artísticas, por tanto será en este aspecto donde el estudio se concrete. Realizar un breve estudio sobre escuelas de carácter donde el niño toma sus propias decisiones, eligiendo lo que quiere o no quiere hacer, lo que le interesa estudiar y cuando quiere aprenderlo, sin cualquier impulso por parte de los adultos, sino basándose en su capacidad interna de gestión de sus intereses. Observar como este tipo de formación, fomenta que el niño desarrolle una fuerza interior, capaz de solucionar sus dificultades para sacar adelante sus intereses, siendo consciente de sus decisiones.
La libertad lleva a una mayor conciencia de si mismo por parte del individuo. Saber cuáles son sus capacidades y limitaciones, así como, saber tomar decisiones sobre su vida, siendo consciente de las consecuencias que podrán resultar de sus decisiones. Este proceso creativo del individuo lleva a que desarrolle un pensamiento crítico de si mismo y consecuentemente también sobre lo que está a su alrededor. En espacios autogestionados (escuelas, experiencias de vida comunitarias, centros sociales, etc.) el individuo está integrado en una comunidad de individuos donde las necesidades y intereses son afines. Todos tienen la misma responsabilidad de sacar adelante un proyecto en común, que puede ser sencillamente vivir. De esta forma, la conciencia gestada en lo individual se extrapola a un contexto social. Ya que el punto de interés del individuo es el todo, el desarrollo de una conciencia de unidad social, genera un espíritu crítico de la sociedad.
Índice:
Introducción.
Motivaciones.
Los objetivos.
Primera Parte.
I.1. Marco Teórico. Estado de la Cuestión.
I.2. Aspectos pedagógicos:
Educación para Ser
Pedagogía libertaria y de carácter no-directivo.
La practica de psicomotriz.
I.3. Educación artística:
Educación por el arte.
Arte como expresión del individuo y como ayuda al auto-conocimiento.
Segunda Parte.
II.1. Analizar el cruce entre la pedagogía y el arte.
Las escuelas activas y la posibilidad de mayor libertad creativa.
II.2. Analizar el cruce entre el arte y la filosofía.
La actividad creativa como forma de exteriorización de las inquietudes humanas.
La inquietud humana ¿hacia dónde?
El arte del sujeto para el sujeto. El mensaje.
El arte en lo social.
II.3. Aportación personal: documentación como creación.
Crear un documento audiovisual, con las experiencias vividas en situ.
La creación de fuentes propias (entrevistas).
La subjetividad del estudio en situ.
Conclusión.
Verificar las premisas.
Valorar los objetivos.
Bibliografía.
Este es un primer acercamiento a la estructura de mi proyecto:
1- Hipótesis:
Discursos artísticos en manifestaciones populares urbanas "amateur" hoy (2007-hasta terminar el proyecto) en las márgenes de la ría.
En el punto de mira estarian: la música "pop" (pop, rock, punk,...), el graffitti (las manifestaciones hip-hop), los bares o locales relacionados con movimientos, comparsas o tribus urbanas y los fancines.
2- Metodologías:
* Antecedentes relevantes como el punk, o las txoznas de fiestas de Bilbao.
* Búsqueda y entrevista directa a integrantes de los diferentes colectivos para conocer sobre todo sus motivaciones y objetivos.
4- Conclusión:
Aunque a la "forma" del arte se le haya puesto dueño y ubicado en determinados espacios, el discurso artístico no los tiene, y aflora alli donde haya una necesidad de trascender.
¡ATUN!
Como supuesto título: "Folklore, identidad y arte contemporáneo" que engloba los distintos conceptos que me preocupan.
Introducción:
Ya quedan pocos lugares donde no te encuentre los mismos restaurantes, las mismas tienda, hasta que parece que la misma gente y el mismo arte en diferentes puntos geográficos.
Ante tanta clonación, se busca en lo poco que nos queda de autenticos.
Todo lo que nos diferencie de otro, es siempre bienvendo.
Que mejor que recuperar la herencia del pasado, esa que muchas veces se ha renegado.
El cocepto globalizador que inbade el mundo en estos dias, la perdida y a la vez la busqueda de indetidad se refleja de forma latente en la emergente creacion artitica.
La busqueda del yo, lo autobiografico como excusa expresiva.
Muchos artistas adentran sus origenes, en busca de un leguaje recreando formas a partir de la cultura popular. Y asi, lo atávico, el Folklorico, arte pagano se introduce bajo un filtro en los circulos del arte elitista de museos y galerias.
Realizando un estudio de este fenoméno global que se construye a partir de la busquedad, evocación de lo atabico, alegoria de lo primitivo, de lo anclado en el pasado y espejo de la vida de un pueblo. Pero que tambien se situa en el presente, en constante evolución, multicultural y rico en conflictos sociales de todo orden. Muchos artistas trabajan en "algún lugar entre el día y la noche, entre la historia de las formas y las formas de la historia" según el comisario, Philippe Vergne.
Cada época, por sus propias necesidades culturales, expresa una forma determinada de arte que le es propia y por tanto distinta a formas artísticas del pasado: ¿De qué forma, esto que vemos como "arte contemporáneo" es la expresión de nuestro tiempo?. Interrogante que debe antes definir "nuestro tiempo", enunciar sus características y confrontarlas con las que exhibe el arte contemporáneo. De hecho la relación que ha tenido el arte con la realidad ha sido casi siempre por medio de la interpretación subjetiva. Es esa particular interpretación que hace el arte de la realidad, la relación subjetiva del hombre con su entorno. Cualquier otra disciplina pretende una relación objetiva con el mundo, pretende hacer ciencia y por lo tanto, busca alejarse de todo subjetivismo, de eso que, por cierto, es el origen del arte y la especificidad singular y vital de todo ser humano.
(Ramiro Garavito, Licenciado en Filosofía y Artista visual.)
¿Nos hemos sentido aludidos ante las paradojas y ubicaciónes propias de nuestra época?: Por un lado, la paradójica propuesta de este tiempo que proclama su adhesión a la globalización y al mismo tiempo celebra con el mismo entusiasmo la diferencia; y por otro lado el conflictivo papel del arte de este lugar: "¿Cómo es posible pensar el arte y la cultura en términos planetarios y, simultáneamente, abjurar de las totalidades y celebrar el fragmento?". (Ticio Escobar, curador paraguayo). Esta contradicción que plantea la necesidad de asumir, al mismo tiempo, la globalización y la diferencia pluricultural, la integración y la identidad.
El artista, afronta una o mas posiciones identitarias según su origen étnico, su procedencia local, su genero, su opción sexual, o su elección religiosa; y así la identidad adquiere un carácter relativo, dinámico y fluido. La identidad ya no parece ser mas una esencia estatica, sino los nudos vivos de crecientes ramificaciones, donde las subjetividades diversas tienen mas fuerza y pertinencia que nunca, a la vez, que un tramado de fuerzas cibernéticas y multifinancieras traspasan objetividades y cubren el mundo, dejando obsoletas los límites territoriales de las antiguas soberanías nacionales. Esta abundancia de movimientos multifocales, percibidos en un incesante transito intercultural, han dado lugar a fenómenos inéditos de fusión, apropiación y renovación, que a su vez, son promesas inquietantes para el arte del porvenir.
Quizás solo esas subjetividades artísticas pueden reordenar, según su propio filtro y singularidad, el sincretismo de las culturas globales y totalitarias, quizás son los únicos reductos ante la omnipresencia de la homogeneidad. Por eso, no es un accidente que en el espacio del arte contemporáneo se revalorice el ámbito de lo subjetivo: lo íntimo, lo cotidiano, lo corporal, los saberes paralelos, las biografías anónimas, las experiencias personales, las "historias de vida", ese costado intenso de la memoria, es decir, esas pequeñas verdades.
Y apartir de una desarrollo y ampliación de este concepto de construción de identidad enfocandola hacia una mirada en la historia del arte universal, realizar un estudio real sobre la creación artística actual del País Vasco. Lugar como muchos otros, inmerso en conflictos provinentes de una situación geopolítica particular insertada en medio de una pugna entre nacionalismos dominates y dominados, que traen como sonsecuencia el tener que enfrentarse a una serie de situaciones encauzadas hacia la reconstrución de una cultura, historia e identidad diferenciadas.
Objetivos:
El trabajo de investigación que se propone aspira a desarrollar los objetivos siguientes:
- Primer objetivo: Analizar el cambio producido por la evolución de los nuevos medios tecnológicos en las relaciones sociales y especificamente dentro de la evolución en el arte, donde terminos de espacio y tiempo se han vistos alterados como la idea de regiòn profundamente anclada en el ser humano y animal como territorio exterior al terreno de caza cotidiana, para llegar al cual se requiere esfuerzo de voluntad y experiencia, pero sin llegar a la aventura.
(MOLES, Abraham & Elisabeth ROHMER; Psicología del espacio [1972];
ed. Ricardo aguilera; Madrid 1972; p. 73.)
Con esta definición podemos decir que la región se ha ido ampliando conforme otros modos de transporte han ido incrementando la movilidad humana, han ampliado así, el radio de acción del hombre causando el efecto llamado progreso en en todas sus manifestaciones, en su cultura. Y ¿Por qué ahora miramos atrás?; ¿Por qué surge un arte aparentemente emergente que evoca a lo autoctono, a lo caracteristico de un territorio, si este ya no es real?. Hablamos de la busquedad de la identidad propia. ¿Por qué esa necesidad?; ¿Siempre ha existido este fenómeno?; ¿Qué problemas se incrementan en el contesto social actual?; ¿Cómo influyen los sistemas nacionales en la aparición de este sentimiento de busquedad?; ¿Cómo crean los artístas estas obras?; ¿Por qué?. El objetivo es responder estas preguntas, a la vez, que se crean otras. Como Malévich soñaba con iconos modernos capaces de aglutinar lo sagrado sin necesidad de mostrar en ellos las figuras sagradas y con ello revivir en el arte contemporaneo la llamada de la espiritualidad eslava. Oteiza, más arriesgado realiza un salto mortal y retrotrae sus referencias al paleolitico, ascentral supervisión espiritual a los crómlech, círculos de piedas de la prehistoria vasca.
- Segundo objetivo: Definir los terminos que evocan el fenomeno de la producción artística que estable un guiño a conceptos que pueden producir cercania o confusos en su utilización como escusa creadora como son: el folklore, arte popular, arte del pueblo, primitivo, atáviico, ancestro, mito, antiguo, tradicional, local, territorial, regional y lo nacional. Estableciendo así unas pautas de analisis para las futuras y diferentes obras reales a estudiar. Con el hecho de clarificar, diferenciar y establecer fronteras que estarian en la fragilidad de trasparse unas a las otras. Y talvez llegar a descarta temas, a la vez acotar la distancia de los vertices del cubo que encieran los intereses de este analisis.
- Tercer objetivo: Busqueda y analisis de ejemplos reales en el panorama artístico actual vasco. Como por ejemplo el Irrintzi (2007) de Itziar Okariz para exposición “Chacun à son goût” con motivo del 10 aniversario del Gugemhheim, Bilbao. Acción documentada en video en el que la artísta se desplaza por los espacios del Museo lanzando irrintzis, un grito ancestral vasco o el concierto Ornitorrinkus que ofrecio la bertsolari Maialen Lujanbio junto a la saxofonista Judith Montero y el artísta sonoro Xabier Erkicia en amatauTV el pasado junio 2007, dentro de la del marco de Periferiak. Una fusión entre música de hoy día, el bertso y la electrónica. Que podría entenderse como una obra dentro de la categoria de arte-sonoro.
Artístas actuales que provienen del mundo de las Artes Plásticas o del mundo del Folklore, o de ambos como es el caso de la bersolari Lujanbio licenciada en Bellas Artes. Realizando así, entrevistas personales a estos personajes y organizando encuentros de debates entre ellos. Analizar sus trabajos desde su origen, forma y contexto de exposición. A la vez de buscar las caracteristicas esenciales de esos códigos paganos que reutilizan, con ayuda de folklorologos especializados en el tema y determinar si estas piezas son solo un supuesto guiño al pasado o una evolución de este en otros espacios de difusión. Es decir, cuestionar la hipotesis de que el folklore vive y evoluciona y se expone en galerias y museos.
Hablariamos pues, de un “neofolklore plástico o audiovisula” que crece en su amplio territorio global. Como se a podido catalogar anteriormente a la musica de fusión dentro del panorama musical. Pero sin una intención de catalogar obras de caracter común, solo de analzar un fenomeno como tal.
Mi proyecto lo basare en Internet como nuevo lenguaje, su rápida adaptación artística y como este soporte hipermedia a dado lugar a un nuevo camino el cual ya tiene hasta su propio periodo heroico pero como aun por hoy esta por explotar ya que creo que esto solo es el comienzo, aunque me gustaría profundizar sobre como se juega en la red con lo real hasta que punto llevan al limite una ficción para hacer creer a la masa de una realidad que solo existe entre ceros y unos, la gente no se para a juzgar la información que recogen de Internet directamente la asimilan como reales y igual que la televisión pero siendo este medio el de la web menos riguroso que el anterior, mas que nunca vivimos en una cultura de la información pero la abrumadora cantidad no esta convirtiendo en unos nuevos analfabetos productos de la tecnociencia no sabemos o no queremos ver entre la verdad y la mentira, esto ya se combate con el arte pero se hace de un modo consciente o es simplemente un acto gamberro, es aquí donde quiero profundizar ya que Internet es un vasto universo que no creo que pueda abarcar sin buscar dentro del mismo un tema concreto.
para estrenarme unos comentarios sobre la belleza,
pa kitar er mierdo al colgarme,
”lo bello es el comienzo de lo terrible que todavía podemos soportar” ( Rilke Maria Rilke)
”No hay nada más condicionado e incluso más limitado que nuestro sentido de la belleza. Quien trate de concebirla al margen del placer que un hombre produce a otro, sentirá que no pisa tierra firma. “Lo bello en sí” no es más que una expresión, ni siquiera es una idea. En lo bello, el hombre se toma a sí mismo como medida de perfección…el hombre cree que el mundo está rebosante de belleza y olvida que él es la causa de ella ” (F.Nietzsche El ocaso de los ídolos)
¿será posible ayudarles a ver aquello que es mas bello, a llegar a aquella actividad espiritual que el verdadero arte despierta en las personas?
Andrei tarkovski (esculpir en el tiempo)
Hola clase,
primero mil esker a todos por el "zorionak zuri" de bienvenida y el exito del bizkotxo del Eroski del pasado dia...
Y ahora más cosas...
Hipotesis metodológica del proyeco de tesis:
Se indica a continuación el plan de trabajo que se llevara a cabo, detallado por años. Además de estas actividades anuales, hay otras actividades (por ejemplo, la adquisición de libros, participación en seminarios, festivales con estrecha correlación a la materia a estudiar).
Además de llevar un equidistante apoyo e intercambio de criterios con Juan Mari Beltran Argiñena, Director de Herri Musikaren Txokoa, Museo instrumentos musicales y centro de documentación sobre el folklore; Profesor de Txalaparta, Alboka, Dultzaina y Txistu en el Conservatorio Municipal de Musica de Hernani y participante en organización la de Sociedad de Estudios Vascos, en la seción de folklore.
.Año I:
Desarrollo de los sujetos de estudio, variables, recogida y análisis de datos, dificultades y examen de estas referencia, obstaculos y limitaciones. Respecto al primer objetivo a tratar: La construción de Identidad dentro de la creación artistica actual. Realizando una batida de antecedentes y paralelamente tomar axulio al campo de la sociología de mano de las recomendaciónes y sugerencia del codirector especializado... (Estoy en busqueda de encontrarlo)
Año II:
Definición de conceptos expuestos en el segundo objetivo. Clasificaión de los diversos niveles que se interrrelacionan en esta esfera. Concluyendo en la construcción de un esquema de análisis, con proposito a llevar en practica sobre el arte vasco emergente que cosntruye tomando alegorias de su pasado. Analizar así, los factoras que determinan el mismo: el medio, el código, el mensaje, el contexto y los destinatarios.
Y así, realizar diversas entrevistas, a partir de una selección previa a artístas, folkloricos, bersoralis que realizan obras con claves relacionadas en las cuestiones citadas anteriormente.
Las entrevistas irían encamindas a entresacar la máxima información sobre los temas que son pertinentes, como por ejemplo: arte vasco, arte popular, espresión plástica, estilo vasco individual, estética vasca, cultura vasca, cultura popular, claves culturales, historia vasca, etnia, religión, política e ideología, simbolos y simbolismos, historia personal por medio de las historias de vida, arte y antropología, la circulación de las obras y mercado, códigos artísticos personales y culturales, etcétera.
Año III y IV:
Organización de grupos de debates con los personajes entrevistados anteriormente, junto con invitados cercanos o no a la materia, que puedan posicionar sobre la mesa ideas diversas.
La idea es presentar estos eventos para su inclusión dentro de las actividades que propone Arteleku, Centro público de arte dependiente de la Diputación Foral de Gipuzkoa.
Con toda la documentación generada en estas jornadas poder crear espacios de difusión y constaciá de esto. Como por ejemplo: publicaciónes, videos, creación de una web, etcétera.
Llegando finalmente al aparto de conclusiones tomadas, revisionando los diferentes fases llevadas a cabo.
Paralelamente a todo este trabajo, desde la practica, seguire desarrollando mi obra plástica - audiovisual, que desde en el 2003, año en que me viene a vivir al País Vasco. Esperiencia que hizo cuestinarme, por primera vez, la pregunta universal ¿De dónde soy?. Siendo procedente de un pueblo (una burbuja en Andalucia) cosmopolita y desarraigado de sus tradiciones como es Marbella. Desde entonces la identidad y elogios al folklore han marcado gran mayoria de mi trabajo plástico/audiovisual. Los proyectos como “Erase una vez una malagueña en el País Vasco”, “Txala-hall”, “Soy una gitana”, “¿Cuál es mi bandera?”, “Mesedez, cantame un bertso”. Claros ejemplos para este estudio. Y a su vez siendo parte de ellos culpables del surgimiento de la idea de realizar una tesis.
En la realización de estos proyectos he utilizado variedad de elementos tradiccionales de norte y sur. Tomando comportamientos tales como: el de una turista que quiere ser autoctona de un territorio que visita por un tiempo, como capricho para conocer lo ajeno y crecer con ello. Entremezclando sin perjucio elementos dispares. Talvez, queriendo tomar la idea del arte como salvación y lenguaje universal entre la diversidad cultural y lo que cada una de ellas arrastra. Como son la andaluza y la vasca en el contexto actual. Y tras el trascurso de este estudio, encontrar llaves para seguir abriendo puertas y ventanas en la evolución de mi trabajo creativo.
Bueno como ya e comentado alguna vez, el tema que yo he elegido para la investigación es lo precario,
lo precario como manera y concepto de construcción.
a ver si con esta definición hecha por mi os aclaro algo:
Estado en el que el objeto contiene en sí mismo la potencia de la constante transformación.
y de paso cuelgo un video que para mi es un ejemplo de prekario TOTAL.
joe le voy cogiendo gusto a esto, jeejjeej
http://video.google.es/videoplay?docid=6511191121535644282
Kaixo a tod@s!
Aqui estoy intentando ordenando ideas como si fueran las piezas de un puzzle totalmente blanco.
Ahí va una proyección del contenedor de ideas, del cual puedo obtener puntos estratégicos para la elaboración de un proyecto de investigación.
Primero, empiezo por concretar tres ideas importantes (tema, lugar y espacio):
Tema: Universidad Infantil Piloto de Elorrio, punto de partida para formar una nueva sociedad.
Lugar: Elorrio (Bizkaia) 1964 +- (Este dato y fecha es orientativo)
Espacio: un lugar de enseñanza, de juego, de tradición, de cultura, de preocupaciones.
A continuación propongo un guión para la próxima investigación de cada punto:
1.-Analisis de una época
1.1-Calidad de la educación/Nivel cultural
1.2-Busqueda de identidad/Identidad perdida
2.-Como crear personas
2.1-Una misión pedagógica
2.1.1-Cooperativa Funcor / Funcor Ikastetxea.
2.2-Laboratorios de educación estética
2.2.1-Método Freinet
2.3-Una derrota frente a un laboratorio de sensibilidad: IKERTZE.
3.-A dia de hoy, entrevistas a:
* Zuriñe Adrada (Directora de Ikertze)
* Sistiaga y Ferrer (Profesores de la Escuela)
* Andoni Esparza (Gerente de Funcor)
* Itziar Eguren (Alumna de la Escuela)
4.- Una propuesta artística para el siglo XXI. (Este punto llevaría acabo una investigación sobre la efectividad y la metodología anteriormente citada en el punto 2.2.1. y 2.3)(Tendria que tener en cuenta en que se basa el factor de efectividad)
eli
Kaixo a tod@s!SOY ELI
Aqui estoy intentando ordenar ideas como si fueran las piezas de un puzzle totalmente blanco.
Ahí va una proyección del contenedor de ideas, del cual espero obtener puntos estratégicos para la elaboración de un proyecto de investigación.
Primero, empiezo por concretar tres ideas importantes (tema, lugar y espacio):
Tema: Universidad Infantil Piloto de Elorrio, punto de partida para formar una nueva sociedad.
Lugar: Elorrio (Bizkaia) 1964 +- (Este dato y fecha es orientativo)
Espacio: un lugar de enseñanza, de juego, de tradición, de cultura, de preocupaciones.
A continuación propongo un guión para la próxima investigación de cada punto:
1.-Analisis de una época
1.1-Calidad de la educación/Nivel cultural
1.2-Busqueda de identidad/Identidad perdida
2.-Como crear personas
2.1-Una misión pedagógica
2.1.1-Cooperativa Funcor / Funcor Ikastetxea.
2.2-Laboratorios de educación estética
2.2.1-Método Freinet
2.3-Una derrota frente a un laboratorio de sensibilidad: IKERTZE.
3.-A dia de hoy, entrevistas a:
* Zuriñe Adrada (Directora de Ikertze)
* Sistiaga y Ferrer (Profesores de la Escuela)
* Andoni Esparza (Gerente de Funcor)
* Itziar Eguren (Alumna de la Escuela)
4.- Una propuesta artística para el siglo XXI. (Este punto llevaría acabo una investigación sobre la efectividad y la metodologia anteriormente citada en el punto 2.2.1. y 2.3)(Tendria que tener en cuenta en que se basa el factor de efectividad)
Después de esto me quedo con mi gripe y espero escuchar vuestros comentarios pronto.
Siguiendo una objetividad metódica, se distinguirán 3 tipos de utilización de un fondo pintado en el audiovisual:
a) Como herramienta técnica de acercamiento a la realidad, efecto especial, funcional no elegido para significar más allá de su representación/cita a un espacio, no hay una conciencia de “lo pintado”, de la pintura como algo plano, es como útil en ese momento, sin nada más.. Ej: “7 novias para 7 hermanos” de Stanley Donen, “Cleopatra” de DeMille, “Viaje a la luna” de Mélies, etc.
b) Como elemento expresionista, utilizándolo como pintura que significa, ayuda a la psicología de la narración de la película, como otro plano de lectura psicológico que expresa. Ej: “El gabinete del Dr. Caligari” de Wiener, Fritz Lang, Hitchcock, etc.
c) Como elemento metalingüítico, como lo que es “un fondo pintado en una película”, objetividad en el propio soporte narrativo, cine acerca del cine. Ej: Eric Rohmer, Godard, etc.
Cuestiones:
- ¿Qué papel juega lo verosímil en los 3 tipos citados anteriormente?
- Búsqueda del aspecto real en la ficción cinematográfica.
- La impresión de “muro físico” en una imagen/escena con un fondo pintado.
¿Qué desprende una escena con fondo pintado? ¿Qué significa más allá de la verosimilitud dentro del medio cinematográfico narrativo?
Una pintura plana representando un espacio dentro de una narración cinematográfica.
Hola,
Mirar lo que responde el Maestro sobre el Aura, y creo que no se refiere al de Walter Benjamin.
www.saurayi.com/escuela_saurayi/vision-acceso-libre/respuestas-claves/33_sonia7.htm
Aqui os dejo un video ejemplar:
http://www.youtube.com/watch?v=f3rj4mnV3PQ
Lo interesante está en el tiempo 3:18, cuando el coyote hace una cosa muy bonita, y no hablo de Joseph Beuys.
Ala!
Hola! Os pongo aqui una entrevista a dos arteterapeutas, y la pagina de donde la saque. A ver que os parece...
www.elcorreodigital.com/vizcaya/20070712/sociedad/podemos-afrontar-locura-cualquier-20070712.html
JEAN PIERRE KLEIN Y EVA BONET, ARTETERAPEUTAS
«Podemos afrontar la locura, cualquier enfermedad, a través del arte»
JEAN PIERRE KLEIN
EVA BONET
Impulsor de la Arteterapia, el francés Jean Pierre Klein dirige en París el Instituto Nacional de Expresión, Creación Arte y Transformación (INECAT). Psiquiatra honorario de hospitales y autor y director de teatro, preside la Organización Internacional de Terapias y Mediación (FITRAM) en Estrasburgo. Licenciada en Arte e Historia y discípula de Klein, coordina en Barcelona la formación en arteterapia de la Asociación para la Expresión y la Comunicación (AEC). Colabora con el programa 'El Museo, espacio común de integración' para usuarios de centros de salud mental en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.
La llaman arteterapia y es una nueva forma de tratamiento psicológico que se vale del pequeño artista que llevamos dentro para superar el sufrimiento. Sus defensores dicen que vale lo mismo para un roto que para un descosido. Es la Purga Benito. Permite afrontar lo mismo el dolor físico, que el psíquico, afrontar los males del alma y superar los obstáculos y trampas que la vida va poniendo en el camino. El Museo Guggenheim celebra estos días unas encuentros sobre arte y cultura bajo el sugerente título de 'Arte y Creatividad: reflejos de la mente', dentro de los cursos de verano de la UPV. Los reconocidos terapeutas Jean Pierre Klein y Eva Bonet hablaron ayer sobre arteterapia.
-Arteterapia. ¿De qué hablamos?
-Jean Pierre Klein: Es un acompañamiento a las personas que sufren a través de su producción artística. No organizamos espectáculos, sino que les invitamos a liberarse a través del desarrollo de sus propias capacidades para el teatro, la danza, la música, la pintura, la escritura... Está dirigido tanto a personas con dificultades psíquicas como psicológicas, sociales, físicas, de desarrollo personal.
-Mano de santo! Vale para todo.
-Eva Bonet: Puede valer, sí.
-Seamos prácticos. Sufro depresión, ¿qué me ofrece la arteterapia frente a un terapeuta tradicional?
-Klein: No buscamos la causa de tu depresión, sino proponerte, por ejemplo, ser el autor de un cuadro que quedará impregnado de tus problemas. Si trabajas con ese lienzo, trabajarás sobre ti mismo.
-Bonet: No metemos el dedo en la llaga, no buscamos el dolor de la persona, ni interpretamos lo que sucede. Hacemos, más bien, una estrategia de rodeo, de circunvalación, para que el paciente se encuentre con las formas que salen de sus dolores.
-Entiendo que, tarde o temprano, intervendrán como terapeutas...
-Klein: Sólo de manera indirecta.
-Bonet: Lo que importa es el proceso de transformación que se da en la creación.
-¿Disfrutar de un paseo por el Guggenheim puede servirme para iniciar ese camino o a la fuerza tengo que desarrollar una destreza?
-Bonet: Puede servir. El arte ha servido a la sociedad como terapia desde el principio de la Humanidad. El hombre de las cavernas pintaba para llamar a la caza, a la fertilidad. Ese, de hecho, es el comienzo de la Arteterapia. Actualmente, existen experiencias puntuales en los museos. Yo participo en una de ellas.
-¿Y en qué consisten?
-Bonet: Acompaño a usuarios de centros de día de salud mental en un museo de Barcelona. Desde la observación, proponemos la organización de talleres. Utilizamos la obra expuesta como pretexto para que la persona pueda tocar su interioridad, de entrada, sin dolor.
-Klein: He acompañado a un niño víctima de abusos sexuales en ese proceso a través de la invención de diálogos con marionetas. En sus invenciones había una violencia terrible, con brujas y dragones. Ese era el modo en que él ponía en la ficción la violencia que sentía dentro. Poco a poco, el niño se liberó de sus traumas.
Sobre Van Gogh y Dalí
-¿En qué se diferencia la obra del paciente que quiere superar una ruptura de pareja del que trata de vencer la muerte de un hijo?
-Bonet: Yo veo tu dibujo, tu pintura, tu danza y puedo interpretar lo que pasa, pero para nosotros eso no es importante. Lo que cuentan son las diferencias que se dan en tu trabajo durante el proceso de maduración de la persona. Nosotros les acompañamos en esas revelaciones, le empujamos a evolucionar en la obra.
-¿Cómo se da entonces el salto entre pintar un cuadro y otro más y comenzar a profundizar en aquello que realmente hace daño al paciente?
-Klein: Poco a poco. Siempre hay un primer momento de contacto, un pequeña expresión, luego un momento de interioridad.
-Entonces, ¿recomiendan pintar a quien cree que no pinta nada?
-Klein: ¿Exacto! Recomendamos el desarrollo del arte en el que tú tengas unas técnicas más desarrolladas. La persona se vale de sus propias capacidades.
-Si uno piensa en artistas como Van Gogh o Dalí diría que el arte no les ayudó mucho a sanar...
-Klein: Hay dos maneras de interpretar la obra de Van Gogh y Dalí. Uno puede adivinar en sus pinturas la depresión o la esquizofrenía que podían padecer. La que nos interesa a nosotros, la arteterapia, sería la de ver la manera en que ambos trataron de superar su locura a través del arte.
-¿Dónde está el límite entre la genialidad y la locura?
-Bonet: La potencia de construcción sanadora que tiene el arte es también potencia de destrucción. Todo depende del sentido en que aproveches esa potencia. En el espacio terapéutico vive la idea de crecimiento personal y una evolución positiva hacia la sanación, no hacia la destrucción.
-¿Cómo hacen para que el paciente elija la disciplina artística que mejor pueda irle o le resulte más eficaz?
-Bonet: Le inducimos desde una escucha sutil. Con los niños utilizo material muy diverso y luego veo hacia donde va...
-...Con los niños puede ser más fácil, pero con los mayores, ¿qué hace cuando le dicen 'perdone pero es que yo no toco ningún instrumento, apenas sé dibujar...'?
-Bonet: Tiene razón... También trabajamos en proyectos sociales, en las cárceles, barrios conflictivos, con personas mayores...
-¿Y qué hacen?
-Bonet: Es mejor descubrirlo y sorprenderte. Siempre puedes encontrar un soporte. Por ejemplo, un espacio de plástica, donde haya material para poner tu mano de pintura sobre un papel y a partir de ahí ir cogiendo poco a poco otros materiales, añadiendo y construyendo.
-Eso me recuerda a la película 'Ghost' ('Fantasma')...
-Bonet: Ja, ja. Si tienes una incapacidad tremenda y te niegas totalmente, siempre tenemos pretextos para darte y llevarte hacia la creación de algo.
-¿Un pretexto?
-Bonet: Sí, un relato, una historia, una imagen que pueda darte pie a localizar un sufrimiento, a romper con el miedo al papel en blanco; una imagen, un cuento.
-Klein: Trabajas sobre ti mismo sin decirlo expresamente. Oscar Wilde escribió 'Dadle una máscara y os dirá la verdad'. La arteterapia es el arte de la máscara.
Digestión de emociones
-¿Pueden reconocer el estado de ánimo de sus pacientes sólo con ver los colores con que visten?
-Bonet: El color está asociado a múltiples experiencias que se viven desde que eres pequeño. Tradicionalmente se relaciona el rojo con la vitalidad; el negro con el duelo, pero eso es cultural. En realidad, tú no sabes qué le ha ocurrido a esa persona en relación con ese color.
-¿El artista vacía su interior ante una obra?
-Bonet: Más que vaciarse, uno siempre está buscando. Más bien creo que uno digiere. Yo asimilo el proceso de creación artística a un proceso de digestión de emociones y vivencias. Uno digiere para poder nutrirse y metabolizar después. En ese proceso de discriminación entre lo que te sirve y lo que no, uno comienza a construirse. Comienza la búsqueda.
-He leído que las personas más felices no se sienten atraídas por la creación. ¿Lo creen así?
-Klein: Creo que cuando uno se siente más autor en el campo artístico se vuelve también un poco más autor en su vida.
-Bonet: El acto de crear es inherente a la vida. Quizá una persona muy feliz no se plantee todo esto como un proceso de creación, pero seguramente, en un aspecto o en otro de su vida, está creando. Aunque no lo sepa, está creando su propia vida feliz.
www.cepvi.com/articulos/arte.htm
El arte como terapia
Autora: Ana Muñoz, psicóloga, directora de Cepvi.com
Introducción
En muchas ocasiones es muy difícil o demasiado doloroso comunicar con palabras determinados conflictos, sentimientos o traumas del pasado. Otras veces no se encuentran las palabras apropiadas; quizás se trate de un estado interno desagradable, una angustia que no se sabe con certeza de dónde viene, una sensación de desasosiego, de insatisfacción, temor, incertidumbre... o una amalgama de sentimientos confusos cuya expresión resulta sumamente complicada. Pero es muy difícil llegar a sanar esas viejas "heridas del alma" si se mantienen ocultas, sin prestarles atención, tratando de correr un tupido velo sobre ellas. Cualquier conflicto de tipo psicológico sólo puede resolverse de forma efectiva trabajando en él, sacando por completo a la conciencia sus aspectos más escondidos y dolorosos; los mismos que quedan atrapados en algún lugar de nuestra mente luchando por salir mientras gastamos una gran cantidad de energía en mantenerlos a raya para no saber nada de ellos ni del dolor que pueden llegar a provocar. Sin embargo, esto apenas se consigue, pues esos contenidos que necesitan ser elaborados aparecen cada vez que tienen ocasión, a través de los sueños, en las pesadillas, en problemas físicos como dolores, cansancio o tantos otros, o en forma de una sensación de malestar casi inefable. Pero no es aconsejable empujar a una persona a tratar dichos conflictos o traumas si no se siente preparada, así como tampoco es aconsejable provocarle un sufrimiento innecesario al hacerle recordar acontecimientos tan dolorosos. ¿Qué hacer, entonces, en estos casos? A veces el tiempo es suficiente para conseguir la fuerza necesaria para empezar a hacer frente a los problemas, pero en otras ocasiones podemos recurrir a una forma más suave y sencilla de hacerlo: el arte.
El ser humano ha usado el arte como modo de expresión antes incluso de que apareciera el lenguaje verbal. Los chamanes de antiguas culturas africanas y americanas lo han utilizado en rituales de curación y los psicoterapeutas han visto el proceso artístico como una forma de expresar sentimientos y conflictos internos. La Asociación Americana de Terapia Artística la define como "una profesión que utiliza el arte, las imágenes, el proceso creativo y las respuestas del paciente/cliente ante sus creaciones como reflejos del desarrollo, habilidades, personalidad, intereses, preocupaciones y conflictos del individuo". Su práctica se basa en el conocimiento de las técnicas psicológicas y se trata de un modo de "reconciliar problemas emocionales, fomentar la autoconciencia, desarrollar habilidades sociales, manejar conductas, resolver problemas, reducir la ansiedad, ayudar a orientarse hacia la realidad e incrementar la autoestima".
El arte supone una forma fácil y cómoda de bucear en el interior de nuestra psique, sacar los conflictos al exterior y manejarlos de un modo indirecto, transformándolos de manera creativa.
Pero no son sólo los artistas los que pueden valerse de esta valiosa herramienta terapéutica. Todos tenemos la capacidad de crear, lo único que tenemos que hacer es encontrar la forma más apropiada para cada uno. No se trata de hacer una genial obra de arte, ni de atenerse a determinadas reglas o normas a la hora de hacer las cosas, y tampoco es necesario que guste a los demás. Lo que importa es el simple hecho de crear, y sobre todo, de hacerlo con sinceridad, dejando que afloren nuestros sentimientos y emociones, que nuestra creación tenga significado y contenido y sea un reflejo de lo que está sucediendo en nuestro interior. Se pueden usar formas abstractas, líneas, colores, recortes para hacer colages, arcilla, plastilina, escritura, decoración del hogar, poesía, pintar, dibujar, esculpir o cualquier otra cosa que resulte agradable de hacer e implique algún tipo de proceso creativo.
Dos formas de terapia artística
Existen dos maneras de hacer este tipo de terapia: libre y estructurada. La primera consiste en dejarnos llevar y crear lo primero que aparezca en nuestra mente, sin saber si quiera qué es lo que estamos haciendo hasta que lo hemos terminado. En este caso lo que hacemos es abrir las puertas de nuestro subconsciente y dejar que afloren sus contenidos a la conciencia. También sirve para incrementar la expresión de la creatividad.
En la terapia estructurada el terapeuta le pide al paciente que haga un trabajo determinado o utilice materiales específicos, con el fin de trabajar ciertos aspectos de la problemática del individuo en cuestión o de profundizar más en ellos. Puede pedirle, por ejemplo, que haga varias máscaras que reflejen diversas facetas de su personalidad; que dibuje los sentimientos que experimenta ante una determinada enfermedad, un recuerdo importante, la propia familia, etc. El doctor Siegel, por ejemplo, le pide a sus pacientes enfermos de cáncer que creen imágenes relacionadas con su tratamiento para descubrir de este modo cuáles son sus creencias acerca de la terapia y cómo están afectando a los resultados. Un grupo de alumnos de un taller de terapia artística de Estados Unidos llamado RAW, crean, a instancias del terapeuta, un gran cuenco con papel de aluminio. Después, les pide que metan dentro todas sus dudas, miedos, inseguridades y problemas. Luego colocan todos los cuencos en el suelo y cuando el terapeuta da la señal saltan sobre ellos y los pisotean hasta destruirlos por completo.
Una vez creada la obra, cuando ya hemos entrado en nuestro subconsciente y nos hemos traído algo de allí, es conveniente empezar a trabajar en ella de otra manera: observándola, analizándola, tratando de decir ahora con palabras lo que ya hemos dicho con imágenes y hacerlo del todo consciente en vez de dejarlo en ese lugar intermedio entre el consciente y el subconsciente en el que el arte suele situarse muchas veces. Es aquí donde la persona encargada de un taller de este tipo pasa de ser un profesor de dibujo, escultura, etc. para convertirse en el psicoterapeuta que nos guía y nos ayuda a movernos a través del complejo e intrincado mundo de nuestras imágenes y representaciones mentales.
Sin embargo, no siempre es necesaria la ayuda de un terapeuta ni la interpretación o discusión del trabajo artístico. Muchos autores defienden la creación artística como curativa en sí misma. Los niños y adolescentes suelen usar el arte de forma espontánea. Antes de aprender a hablar correctamente, un niño puede estar transmitiendo mucha información acerca de sus estados internos mediante los dibujos que realiza. Y los adolescentes pueden servirse del arte para superar esa difícil etapa en la que están descubriendo y construyendo su propia identidad. Al llegar a la edad adulta, sin embargo, sumergidos por completo en un mundo de obligaciones, horarios y responsabilidades, no es extraño que muchas personas dejen de lado completamente cualquier tipo de actividad creativa, viéndose así privados de una importante válvula de escape.
¿Cómo cura el arte?
El arte no sólo sirve para tratar problemas emocionales, sino que también ha resultado eficaz como ayuda en el tratamiento de diversas enfermedades físicas. Se ha utilizado, por ejemplo, en casos de SIDA, cáncer, traumas, separación, duelo, adicciones, retos emocionales y físicos, enfermedad mental, autismo, etc. Según los estudios realizados, el arte afecta al sistema nervioso autónomo, al equilibrio hormonal y a los neurotransmisores cerebrales. Se produce un cambio en la actitud, el estado emocional y la percepción del dolor, consiguiendo llevar a una persona desde un estado de estrés a otro de relajación y creatividad. Nos conecta con la parte más profunda de nuestra psique, donde reside el poder curativo que todos poseemos. El autista, por ejemplo, encuentra en el arte un modo indirecto de interaccionar con el terapeuta y de comunicarse. Su creación es la grieta a través de la cual el terapeuta logra alcanzar el solitario mundo del autista, quien se siente seguro en el marco de la terapia artística: un lugar donde todo es predecible y las fronteras estás bien establecidas. Este tipo de terapia les ayuda a explorar el espacio y a desarrollar diferentes formas de representación; potencia la comunicación y les ayuda a dar forma y sentido a sus experiencias.
No pasado:
Otras arte-terapias que no sean las propias de las bellas artes
Música y baile.
Posiblemente, una de las terapias más antiguas sea la danza. Los integrantes de las antiguas tribus creían en la existencia de un espíritu curativo que podía ser liberado del interior de una persona mediante la creatividad y la música. Al anochecer, los miembros de la tribu bailaban libremente alrededor del fuego, al ritmo monótono de los tambores, dejando que su cuerpo se moviese por sí solo hasta tal punto que podían desconectarse por completo y llegar a caer en un estado de trance o meditación. Más tarde, se combinó la música y el baile con una historia que contar y desde entonces el mundo entero ha bailado y cantado su alegría o su dolor y ha enfrentado sus temores a través del lenguaje de su cuerpo. El baile juega un papel muy importante en la sanación en muchos lugares de Africa. Las mujeres practicantes de la religión bori que sufren algún tipo de enfermedad mental son llevadas a una capilla donde aprenden, durante tres meses, una ceremonia de curación que implica la danza y la canción. Probablemente, este proceso de aprendizaje es tan importante como la ceremonia misma.
Muchos terapeutas que utilizan el baile como una forma de sanación hablan de la importancia de concebir nuestro cuerpo y nuestra mente como una unidad, de ponernos en contacto con nuestro cuerpo y escuchar lo que tiene que decirnos en vez de tratar de dominarlo y controlarlo para arrancar la enfermedad de él. El baile es el lenguaje del cuerpo y al utilizarlo conscientemente estamos creando una comunicación entre la mente y el cuerpo. La danza meditativa, por ejemplo, consiste en que la persona que lo practica se mueva al ritmo de la música o en silencio, con los ojos cerrados, consciente sólo de su respiración y su movimiento, mientras utiliza sus manos y sus brazos como pinceles que van pintando el espacio en el que se mueve lentamente, sin esfuerzo y sin violencia, sin ninguna intención excepto el placer de sentir el propio cuerpo, sin ser apenas consciente del proceso curativo que puede estar teniendo lugar en su interior.
En cuanto a los instrumentos, probablemente los más ampliamente utilizados dentro de este tipo de terapia sean los de percusión. En el antiguo Egipto, estos instrumentos eran considerados poseedores de un poder espiritual capaz de influenciar y transformar la conciencia y, por tanto, la realidad. Se utilizaban en los ritos religiosos egipcios para abrir el corazón a los dioses (las palabras corazón y mente se utilizaban indistintamente para indicar la conciencia), generalmente tocados por sacerdotisas. El didjiridoo es un cuerno aborigen que parece ser la más efectiva de las terapias vibracionales. El tambor es capaz de producir una disminución de las ondas cerebrales, que se vuelven más amplias y lentas, induciendo, por tanto, un estado de relajación y calma. Los cuencos tibetanos, formados por metales semipreciosos, producen un sonido asombroso y fascinante.
Entre los que mejor conocen los efectos terapéuticos del sonido se encuentran los gatos, hasta el punto de haber conseguido la merecida fama de tener siete vidas. El ronroneo ayuda a que sus huesos y órganos sanen más rápidamente, lo que explica que sean capaces de sobrevivir a caídas desde muchos metros de altura. Un estudio realizado con 132 gatos mostró que el 90% sobrevive a una caída desde un edificio de 5,5 planas por término medio. Uno de ellos sobrevivió a una caída de 45 pisos. El sonido producido por el ronroneo de los gatos oscila entre 27 y 44 hercios. La exposición a frecuencias similares se ha visto que mejora también la densidad ósea en humanos. Algunos científicos están investigando para comprobar si un tratamiento basado en el sonido sería capaz de detener la osteoporosis e incluso renovar el crecimiento óseo en mujeres posmenopáusicas. Según el doctor David Purdie, del centro de enfermedades óseas metabólicas en la universidad de Hull, el esqueleto humano necesita estimulación o empieza a perder calcio y debilitarse. El ronroneo podría ser el modo en que los gatos proporcionan esa estimulación a sus huesos. Añade que es difícil idear ejercicios físicos para gente mayor que sufre de osteoporosis pero que tal vez sería posible usar un mecanismo que utilizara el ronroneo del gato para fortalecer sus huesos.
Escritura
Escribir es también una forma creativa de mantener a raya el estrés de la vida diaria y una ayuda a la hora de resolver problemas emocionales o físicos, como pudo demostrar un grupo de investigadores de la Universidad Estatal de Nueva York en un estudio realizado con enfermos de asma y artritis reumatoide a quienes se pidió que escribieran sobre un acontecimiento estresante. Incluso cuatro meses después de haber realizado el ejercicio sus síntomas físicos mostraban una mejoría clínica relevante. Los investigadores no pudieron descubrir la forma en que la escritura es capaz de producir este tipo de efectos. Sin embargo, son muchos los que defienden la estrecha relación existente entre mente y cuerpo, entre alteración emocional y enfermedad física, por lo que no resultan tan extraños estos resultados. Escribir sobre un determinado problema es una forma de trabajar en él, asimilarlo, descubrir nuevos aspectos que se nos habían escapado y sacarlo al exterior, de forma que podemos hacerlo más objetivo, mirarlo desde fuera (algo que podemos realizar también con cualquier otro tipo de expresión artística).
Pero esta no es la única forma de utilizar la escritura como terapia. La poesía, los relatos, los cuentos, las novelas... constituyen también una forma efectiva de hurgar en el subconsciente y sacar de allí historias que son en realidad narraciones sobre nosotros mismos o el mundo que nos rodea. Crear un personaje que vive una determinada situación y expresa unos sentimientos concretos de una manera particular, puede ayudar al escritor a comprenderlos y manejarlos, tanto si le pertenecen como si pertenecen a otras personas de su entorno. ¿Por qué nuestro protagonista reacciona de un forma determinada? ¿Por qué se comporta de esa manera? ¿Por qué se siente así? El escritor sabe responder a estas preguntas. Por este motivo, mientras escribe está profundizando en el alma humana y también en la suya. Convertir las distintas facetas de nuestra personalidad en personajes de un relato o novela, por ejemplo, constituye una buena forma de conocerlas mejor y de integrarlas.
Las historias que han escrito los demás pueden tener también un efecto muy positivo en el lector. La doctora Clarissa Pinkola Estés, autora de Mujeres que Corren con los Lobos, utiliza el relato como terapia. A través de cuentos de hadas, mitos y leyendas trata de hacer aflorar a la conciencia la parte de nosotros que guarda nuestra verdadera esencia; eso que ella, en su trabajo con las mujeres, llama la Mujer Salvaje. "Los cuentos son una medicina. Tienen un poder extraordinario. No exigen que hagamos, seamos o pongamos en práctica algo; basta con que escuchemos. Los cuentos engendran emociones, tristeza, preguntas, anhelos y comprensiones que hacen aflorar espontáneamente a la superficie el arquetipo; en este caso, la Mujer Salvaje". Según ella, los antiguos cuentos de hadas, sobre todo en su forma original, contienen instrucciones que nos ayudan a enfrentarnos y superar determinados problemas que el ser humano experimenta de forma universal, como aquellos relacionados con la muerte, el amor, el sexo, la transformación, el nacimiento, el duelo. La persona que lee un cuento que trata un tema relaciona con su problemática personal, siente al leerlo un estremecimiento que recorre todo su cuerpo, porque está leyendo su propia historia contada por otro.
Del teatro al psicodrama.
El psicodrama consiste en interpretar situaciones de la vida de una persona, expresando los sentimientos implicados en los problemas de su vida diaria. Su aparición se remonta a los años 20, cuando Jacob Moreno empezó a utilizar lo que él llamaba el drama sin ensayo, como una forma de arte más y sin pretensiones terapéuticas, hasta que una actriz con la que trabajaba le habló de ciertos problemas personales y se le ocurrió utilizar un juego de roles sin guión para resolverlos. Así fue cómo nació la dramatización espontánea de situaciones conflictivas o psicodrama, que se ha estado utilizando desde entonces en diversas corrientes psicoterapéuticas, principalmente en el contexto de terapia de grupo, donde los distintos miembros interpretan a las personas implicadas en la vida y conflictos de uno de ellos. Por ejemplo, uno de los participantes puede hablar a otro como si este último fuese su pareja, expresando de este modo sus sentimientos de una forma más efectiva que si solamente los narrase. También pueden ensayarse determinados comportamientos, como aprender a entablar una conversación con un desconocido, hacer valer nuestros derechos de forma efectiva, pedir una cita a alguien que nos atrae, etc. Representar lo que se quiere ser constituye una gran ayuda para llegar a serlo.
Los miembros del grupo que no están actuando en ese momento constituyen el público e intervienen una vez terminada la representación, dando su opinión y aportando una buena dosis de objetividad al problema del paciente. Es importante que los actores sean espontáneos y que expresen sus sentimientos sin restricciones ni inhibiciones, algo que se ve facilitado por el contexto de terapia de grupo, en el que todos van a participar por igual.
El terapeuta observa la escena mientras se representa y la detiene si piensa que el protagonista no está siendo espontáneo o los otros actores no han comprendido del todo a los personajes de la vida del protagonista que están representando.
Por supuesto, de este modo podemos aprender a ser mejores, pero también podemos aprender comportamientos poco deseables. La adolescencia es quizás la etapa más vulnerable en este sentido, ya que el o la adolescente está buscando su propia identidad y necesita personas con quienes poder identificarse. La figura del héroe vengador y justiciero tiene un gran atractivo para los adolescentes y las señales que emite son muy contradictorias, ya que por un lado es un asesino cruel que mata con gran frialdad y sin arrepentimiento(a los "malos", por supuesto) y por otro aparece como el bueno de la película, el héroe al que todos aclaman. Por tanto, no es difícil conseguir que un adolescente si sienta atraído por él y el juego de roles constituye una buena forma de aprender su comportamiento. Saber cómo hacer algo, por supuesto, no implica que vayamos a hacerlo, pero siempre es más fácil hacer algo que hemos aprendido y ensayado que hacer algo que desconocemos, sobre todo si se trata de una persona con algún tipo de problema emocional.
Algunas técnicas utilizadas en el psicodrama
El doble. Otra persona imita al protagonista, a veces de forma exagerada o incluso actúa por él, sobre todo cuando el terapeuta considera que está teniendo problemas a la hora de expresar sus sentimientos o no se atreve a hacerlo.
La tienda mágica. Se trata de una tienda en la que se venden valores y metas en la vida y se utiliza cuando el paciente no tiene claro cuáles son los suyos. Para comprarlos en la tienda mágica tendrá que entregar a cambio un aspecto de sí mismo que valore. De este modo puede darse cuenta de qué es lo que de verdad le importa.
Inversión de roles. El protagonista y otro miembro del grupo intercambian los papeles. Esta técnica ayuda a ponerse en el lugar del otro, verse desde fuera y representar al otro como a uno le gustaría que se comportara.
Técnica del espejo. El protagonista pasa a formar parte de la audiencia y otro ocupa su lugar en la representación, comportándose tal y como lo haría el protagonista o, a veces, exagerando.
Representación de sueños. El paciente se tumba como si durmiera y los demás representan su sueño a su alrededor siguiendo sus instrucciones.
Vale la ultima parte se me ha colado; El segundo articulo que no pensaba ponerlo pero tampoco esta mal, lo unico a partir de cuando pone "otras terapias artisticas qu no sean de ls de bellas artes" como qu eno vine mucho a cuento. Es parte de la recogida de informacion que hice.
Nos vemos!
Mi Proyecto consiste en investigar el tipo de comunicación que se establece entre la obra de arte y el sujeto que la observa. En clase hemos hablado de la distancia entre el artista y el público. Me parece interesante analizar este espacio que se impone ante ellos. Esta claro que tiene un nombre.
En este caso y en la actualidad, uno propio: El Museo.
Esta claro que la comunicación se debe establecer entre la obra, resultado de expectativas e inquietudes que maneja el artista, y quien se enfrenta a ella, el público. Son las obras prueba de esa expresión, y es a partir de ellas que intentará el público entender al artista o el mensaje que con ella trata de transmitir.
Tenemos dos interlocutores y un espacio. Ese espacio esta delimitado por una premisa, “NO TOCAR”.
Hoy en día y a medida que el arte cobra nuevas formas esta expresión quizá cae en desuso. Quizá el espacio se acorta y en el tacto se consigue que la teórica distancia no se haga práctica.
Esta nueva tendencia cambia la forma de entender el arte de vitrina al que tanto nos habíamos acostumbrado, la obra entra en contacto directo con el público. La distancia, el espacio cambia. Los museos cambian.
Hablamos de “no tocar” porque no se puede, o porque no hace falta.
Esta son las ideas que han surgido a partir de las clases que hemos tenido. Creo que puede ser interesante analizar el papel de los museos, el papel de las galerías. La importancia de un dónde para entender un cómo.
Otras formas de comunicación, más directa y menos condicionada, menos manipulable.
Llegados a este punto, considero que debo hacer algunas reflexiones.
1º_ Sobre cómo la percepción de un objeto altera nuestra sensibilidad según Aristóteles:
-La escasez de excitante equivale prácticamente a una ausencia del objeto: el sentido no es puesto en movimiento, no es actualizado el órgano correspondiente. Por contrario el exceso de escitante daña el órgano sensorial, hasta el punto de poder ocasionar su destrucción.
-El acto por el que es movido nuestro sentido no desaparece de nosotros por la ausencia del objeto, sino que persiste en nosotros grabándose con fuerza "imagen fantasma".
-Todas las cualidades (cosas) producen una sensación sensible por su capacidad de excitar la sensación.
-La mente no conoce ningún objeto externo que esté desconectado de la sensación.
La teoría de Kant sobre lo bello.
-El enjuiciamiento de lo bello tiene por fundamento un "sentimiento o estado interno" producido por el objeto o por la representación, o asociado de algún modo a ésta.
-Lo bello place por que es bello, no es bello por que place.
-Lo agradable place en virtud de la sensación.
-El artista debe dominar los materiales con los que construye, mantener una destancia, independencia o superioridad con respecto a ellos, mientras el artista está cogido en sus materiales, no puede haber obra de arte.
-Lo agradable es fin porque complace. Lo bueno complace porque es fin.
-Una belleza natural es una cosa bella. La belleza del arte es una representación bella de una cosa.
-Lo bello place en virtud de la representación, no en virtud de la existencia.
Hegel y la obra de arte.
-La belleza artística es superior a la naturaleza, pues lo bello del arte es la belleza nacida y renadida del espíritu.
Sobre el espacio, el tiempo y la siciedad.
-En Occidente el espacio y el tiempo se consideran dos nociones homogéneas. ¿Esta concepción es universal o no?
-Nuestra sociedad obedece a valores "simples".
-En materia de gestión individual (tratar a cada individuo), no sabe contar mas que uno y dos.
Bibliografía.
Aristóteles, del sentido de lo sensible y de la memoria y el recuredo.
Descartes, raiz común. Estudio sobre la teoría Kantiana de lo bello.
Hegel, estética.
L` espace et le temps aujourd´hui.
Mi trabajo trata sobre el objeto 3d. Construir un objeto, moldearlo, darle forma con unas herramientas y conseguir que al final cobre vida es el objetivo a conseguir.
PEQUEÑO MONOLOGO DE LO QUE SE PIENSA QUE ES ARTE
Mientras veía por la tarde ese magnifico programa emitido por Cuatro llamado Fama entre cabezadas (desde que dejaron de emitir "Al salir de clase" es el mejor programa para dormir la siesta) y babeos al ver la profesora de lírico, pensé que no se ha hecho ningún reality show de artistas plásticos, ¿Porque?, nuestros quehaceres diarios son un autentico coñazo para el resto del mundo o es que estamos lo suficientemente reconocidos y respetados socialmente que no quieren manchar nuestro noble nombre, creo que va ser la primera opción pues para la mayoría del populacho somos un grupo de pedantes y troleros que realizan gilipolleces que sus propios hijos podrían realizar y que encima se les paga un pastizal pero no a todos nos llueve estas criticas, pues hay unos grupos que se salvan en la quema, unos son los muy reconocidos y estimados artistas realistas que deslumbran al pueblo gracias a su capacidad de copiar la realidad hasta el extremo, estos artistas dan ala a ese pensamiento casi global que el arte realizado hace por lo menos 300 años esta mas cercano a su comprensión que el actual, no quiero tirar por tierra la obra de algunos artistas que utilizando su habilidad técnica y que realizan obras muy logradas pero hay otros como nuestro amigo Antonio Lopez o Eduardo Naranjo a los que llamaría para informarles de que se invento un aparatito que reproduce perfectamente la realidad (bueno ya sabemos de que aun asi no es real pero no quiero hablar de eso ahora) llamado "Cámara", ahora algún listo dirá pero pierde el trazo del autor ya que cada pintor tiene su propia marca, pero por favor no veis que estos hombres lo que pretenden es buscar el realismo hasta el punto de realizar una fotografía con pintura con lo que su mayor objetivo es el del perder ese trazo que nos diferencia unos de otros.
El otro grupo son los fotógrafos, si señor ellos también tiene en sus filas muchos artistas aclamados por el pueblo pero sorprendentemente si en la pintura realista se defendía al autor de la fotografía por tener un estilo propio que solo lo puede realizar el, aquí llegamos a un conflicto pues cámaras tiene todo el mundo pero no todos son fotógrafos, la gente es consciente de que esas fotografías tienen un encuadre, una composición fuera del alcance de la mayoría aparte de todo el trabajo de laboratorio que tiene detrás, estos conceptos tan actuales como antiguos en un medio que nació hace ya tiempo, esta ya totalmente asimilado por la población pero no pasa por ejemplo con el arte abstracto que tiene ya mas de medio siglo y que es muy repudiado por la mayoría.
En fin, como hemos caído en esta trampa la sociedad actual en que nos contradecimos nuestros propios argumentos y rompemos con las manifestaciones artísticas mas actuales a la vez que la aceptamos tristemente su vertiente mas simple y con menos pretensiones, creo que es fruto de la desculturalizacion que tienen los estados con los ciudadanos en su búsqueda de una sociedad consumista esclavizada por su propia ansias de consumo.
Para Jorge; fondos pintados. De repente están en todos los lados.
http://es.youtube.com/watch?v=Aj36fJIsW9s
Espero que te sirva, sino... riéte de las pintas de Gene que nunca tuvo vergüenza.
Si quisiera incluir en el mundo del arte algo que no está reconocido como tal, estaría reconociendo que está fuera, en el acto de señalarlo como excluido, para incluirlo. Por esto, no señalarlo como no reconocido seria la forma de reconocer que esta incluido, lo cual me hace pensar que seguir con mi tema (el de las “manifestaciones populares urbanas") cada vez me parece más absurdo, a parte del dudoso interés que pueda suscitar en cualquier persona que no sea yo.
AMEN.
Los colectivos “creativos” externos al arte (comic, fancine, rock y pop, cortos gamberros…) no tienen ninguna intención ni interés en ser incluidos en el arte; el arte no tiene ningún interés en abarcar a los “colectivos creativos” externos al arte.
Quizás tendría que res sincero con migo mismo y coger el toro por los cuernos. El problema que en realidad me bloquea y no me deja ver es que me da urticaria el término arte. No puedo con él.
Tal vez tendría que buscar vaciar el arte en vez de llenarlo de otras cosas, o simplemente pasar del tema.
Creo que en general el lenguaje bloquea. Delimita el modo y el quien lo usa. la ropa lo hace, la música lo hace... las etiquetas tratan de quitarte el duro trabajo que significa desembolver o destapar. SEAMOS MENOS VAGOS. Déjemos de presuponer lo que son las cosas. Debemos esforzarnos.
ARTE es sólo un término, sirve en clase, en sociedad o en un mercado, museo o enumeración de disciplinas propias de un ámbito o cultura.
Sirve, pero nace de la subjetividad. Lo hago yo y lo sientes tú y ya está.
Lo demás es lo que hay que pagar por tener aceras, nóminas o lo que sea dios que tenga un sentido....
FELIX, las etiquetas no siempre son corretas. No podría ir más bien por ahi?
QUIZA TE HE VUELTO MÁS LOCO... SUERTE!
Si, el lenguaje bloquea. Deficiencia discursiva (que dice Georges Perec) y eso es con lo que hay que jugar, creo yo. Un buen método es intentar escribir mucho, hacer esquemas, mapas conceptuales... todo sin un orden y luego vas seleccionando y distribuyendo, relacionando un concepto con otro, creo que eso te puede servir Félix.
"Si el lenguaje fuera perfecto, el hombre dejaría de pensar" Paul Valéry
aqui va mi berenjenal caotico y TOTALMENTE PRECARIO,
en fin josu necesito una reunion ya!!!
pero ahi queda eso:
CAPITULO1
Contexto
objetivos
Hipótesis
Y metodología
Capítulo 3: CONTEXTO SOCIAL
3. 1: Características sociales contemporáneas.
3. 1. 1: sistema económico: implantación del capitalismo postfordista, -redes de producción flexibles que se adecuan constantemente a la demanda. -desaparición de la planificación productiva basada en el “largo plazo”. - aplicación a las personas, que dejan de construir su identidad y su carácter basándose en las experiencias a “largo plazo”. (Sennett).
3. 1. 2: sistema político: debilitamiento de los Estados.
-debilitamiento de los Estados-nación, frente a intentos de construcción política supranacionales (UE), y subnacionales (naciones sin Estado, pequeñas comunidades)
-progesiva pérdida de fuerza del Estado y su democracia como creador de identidades y valores.
3. 1. 3: sistema cultural-simbólico: auge de valores postmaterialistas.
- proceso de secularización: la muerte de Dios (Nietszche)
- abandono de las pautas de conducta y valores asociados al interés material, para pasar a valores asociados a la calidad de vida, entendida en términos no materiales (Inglehart)
- irrupción del postmodernismo: desaparición de las metanarrativas, y por tanto, de la posibilidad de establecer verdades absolutas (Liotard)
3. 2: Estado de precariedad: la definicion que ya puse.
3. 3: La muerte de los grandes valores y sus consecuencias.
- Cuestionamiento de la ciencia, de la verdad.
- Desaparición de grandes valores, guías de conducta ante la vida: Dios, los Estados, el trabajo como modo de formar el carácter.
3. 4: Precariedad: fruto de las características sociales (3.1) las situaciones precarias y el cambio constante como principal característica de nuestro mundo.
- precariedad emocional y en las relaciones afectivas (Beck)
- precariedad laboral, multiplicidad de empleos (info en sindicatos)
- precariedad en la movilidazación social, auge de diferentes grupos, que hacen frente a diferentes situaciones y luego desaparecen (lo de mi investigación)
- precariedad en los procesos de formación identitarios, compuestos por múltiples pinceladas de diferentes experiencias y sensaciones
- precariedad urbana, o subculturas: surgimiento de tribus urbanas con códigos de conducta propios (Hebdige).
CAPITULO4
Como todo esto afecta en el arte, si hay una correlacion entre contexto social y producción artisticq.
Tambien muerte de los grandes valores significates, Arte para transformar el mundo,
Los grandes mestros, OTEIZA BEUYSE…
CAPITULO5
El arte actual,
El arte de de los no valores, de las no verdades, de los no significates, Vuelta al las pequeñas historias subjetivas?
SI EL UNICO VALOR SUPREMO AHORA MISMO ES LA TECNOLOGIA
DIOS: TECNOLOGIA
QUE PASA CON EL ARTE?
CAPITULO6
Ejemplificaciones 5 artistas o así
zuhar
"Los artistas vascos de vanguardia tenían una actitud política que no se daba en Europa"
Articulo del gara sobre la conferencia de Valeriano Bozal.
- Séptimas Jornadas de Arte. Revisión del Arte Vasco entre 1975 Y 2005 -
Eusko Ikaskuntza
http://www.gara.net/idatzia/20060310/art154916.php
Olvide exponer esta información espero que no sea muy tarde:
Internet es un marco perfecto para ser usado como vehículo de obras que juegan con la mentira; ese es el caso de los 0100101110101101 una pareja italiana que valiéndose de este nuevo medio han colado/colgado la mentira en el arte; proyectos como Darko Maver (http://www.0100101110101101.org/home/darko_maver/index.html) en los que crean un Artista ficticio que presenta esculturas realistas de mutilaciones, creando a su alrededor una expectación en la bienal de Venecia, incluso algunos críticos hicieron opinión de una obra que no llegaron a ver, solo en unas fotos publicadas.
Otra obra interesante es Nike Ground (http://www.0100101110101101.org/home/nikeground/intro.html), aquí hacen creer a la población vienesa de que se ha comprado la plaza central de la ciudad y de que se va a construir un monumento de Nike en ella, este proyecto se podrá observar en su pagina web además de otros lugares del mundo donde harán lo mismo, crearon tal alboroto que la misma compañia los denuncio no sin antes aprovechar la publicidad que genero este bulo.
El poder de Internet para difundir mentiras esta mas allá de lo comprensible, el boca a boca se convierte en su principal medio de publicidad y la bola se hace mas grande, la mentira como arte es una vuelta de tuerca del producto que comerciamos, vendemos mentiras no lo podemos negar y el hecho confirmado es esta actividad, la creación de mentiras como obras de arte o simplemente la creación de obras de arte.
Publicar un comentario